100 najboljih japanskih filmova svih vremena

Kao prvo, želio bih posvetiti neko vrijeme časnim spomenicima i bliskim promašajima: Naporan plutajući oblaci Mika Narusea, Kad se žena uspinje stepenicama, Čežnja i oprostiviji zvuk planine nisu uspjeli. Pokušao sam ostaviti dovoljno vremena da se ugrijem za njegov rad, ali to me neprestano ne zanima, tužno je reći. Tampopo, Dvorac od pijeska, Čovjek iza sunca, Angel’s Egg, Belladonna of Sadness i The Taste of Tea također nažalost nisu odgovarali mojoj kinematografskoj paleti. Da bih smanjio plimni tok na prekomjernom obilju Akire Kurosawe i Yasujirōa Ozua, nisam uključio njihovog izvrsnog Psa lutalicu, Skandala ili Kagemushu; ni dokazljivo plodni Ozuov „I was Born But & hellip;“, rano ljeto, kasna jesen, sin jedinac, kraj ljeta, okus zelenog čaja nad rižom i kokoš na vjetru.

Imajte na umu da je ovaj popis za najbolje filmove: Dakle, niti jedan od ovih filmova zapravo ga nije doveo na drugo mjesto bez obzira. Samo sam želio prepoznati njihovu kvalitetu usred toliko drugih dragulja. Tako su odsutni i čvrsti, ali u konačnici nezadovoljavajući svinja i bojni brodovi Shohei Imamure, pornografi i čovjek nestaje, zajedno s prekrasnim državnim udarom Yoshishigea Yoshide i Wuthering Heightsom, skromnim požarom Kon Ichikawa, Srcem i deset crnih žena kao i Hirokazu Koreedom dodirivanje After Life, poput oca poput sina i nitko ne zna & hellip; sve me to uzbudilo što ću potražiti Nakon oluje kad ovo završi. Na kraju, želio bih odvojiti trenutak da porazgovaram o radu Siona Sonoa: Unatoč frustriranoj ustrajnosti i očajničkoj nadi - ne mogu reći da je ijedan njegov komad koji sam probao bio vrijedan truda. Hladna riba, pleme Tokio, Krivica za romantiku i nevjerojatno loša ljubavna izloženost, sve su to gluposti, ne samo posljednje - što je bio najgori film koji sam vidio na ovom putu kroz japansku kinematografiju. Nepodnošljivo.

Uz to s puta: Počnimo. Evo popisa najboljih japanskih filmova ikad snimljenih.

100. Vrata pakla (1953)

Luksuzno opremljen pothvat, privlačnost Gate of Hell leži u svojoj raskošnoj paleti dizajna. Režirao Teinsuke Kinugasa, najpoznatiji po svojoj znamenitosti iz 1926. godine Stranica ludila , to je čvrsto namotana priča koja traje otprilike dva pokušaja da se u potpunosti uvaže, posebno za zapadnjačke kritike koje nisu upoznate s počasnim kodeksom feudalnog Japana - ali nagrađuje bogato izrađenim preokretom i zlokobnim naznakama na nadnaravnu prijetnju na koju aludira naslov.

99. Lone Wolf and Cub Series (1972 ... 74)

Čudan kandidat za kralja stripovskih franšiza, Usamljeni Vuk i Cub prati prognanog krvnika i njegovog mladog sina kroz seriju dijelova filmova koji čine ovo mjesto na popisu. Dio III: Dječja kolica do Hada i Dio VI: Bijeli raj u paklu su najjači u mom umu - premda su svaki vrijedni sata i od ove godine su dostupni u kolekciji Criterion. Izbor je toplih likova s ​​dražesnom akcijom i humorom koji će pomračiti bilo kakve formalnosti u narativu - sve to vrijedi pogledati i više nego vrijedno kovanja vlastitog prostora ovdje.

98. Ubojica Ichi (2001.)

Nečuveno, nečuveno, Miikeov neustrašivi nalet stila potkopava svaku potrebu za supstancijom, centralizirajući fokus na izopačenosti i pretjeranosti od riječi i ispunjavajući svoje obećanje boli i krvoprolića u mjeri koju malo koji film s pravne strane crte uopće može shvatiti. Sjajno je glupa zabava s lizanjem mraka toliko ekstremnog da to morate shvatiti ozbiljno. Ne mogu ne poštivati Ichi Ubojica jer mu je tako ugodno u vlastitom apsurdu - i dok se naslovni lik pokazuje klišeiziranom dosadom, Miike u ranim fazama pronalazi dovoljno zamaha da se svaki put sa mnom zbuni, zbuni i potpuno fascinira to iskustvo.

97. Battle Royale (2000.)

Kinji Fukasaku, čovjek koji stoji iza zločinačke antologije Bitke bez časti i čovječnosti , umjetnik je koji ovdje izražava prožimajuću kvalitetu tako divnu o široj japanskoj kinematografiji: ne plašeći se prihvaćanja žanrovskog filmskog stvaralaštva. Kraljevska bitka je jedinstveno zamišljen kao uber-blesava satirična komedija, iako usput pogađa humanističke oznake, rijeke prskanja i besprijekornog komičnog vremena koje Fukasaku pridaje čak i najmodernijim situacijama čine taj pokret apsolutnom eksplozijom. Posebno je zapažen red Takeshija Kitanoa koji ukida sve predodžbe o uglednosti za sveobuhvatan napad na pamet i ukus. Kraljevska bitka je neuredno, to je istina, ali način na koji se tako neumorno ponovno i ponovno iznova skuplja za još jedan napad na skeptike je sjajan. Bez oklijevanja Fukasaku razumije tupo oružje koje drži u rukama i zamahne njime u punoj snazi. Činjenica da je to njegov posljednji film daje određeno dostojanstvo čovjekovim pothvatima - samoubilačka misija koja pogađa smiješnu kost da biste morali biti komi da ne biste osjećali trnke barem jednom ili dvaput. Bitna zabava.

96. Godzilla (1954.)

Klasični čudovišni film koji će se nadmetati s King Kongom ili bilo kojom originalnom Universalovom postavom, barem u razmjerima. Godzilla nema baš humanost i pamet Nevidljivog čovjeka ili divlja čežnja Stvorenja iz Crne lagune - ali zabavno je. Promatranje krupnog muškarca u smrtno teškom odijelu kako prelazi urbani Japan privlačno je iskustvo do danas, prvenstveno zbog njegovog neizostavnog skromnog šarma. Osjeća se u ovom trenutku i unatoč svojim efektima brzog druženja, više je nego dobrodošlo ostati tamo kao relikt ere koja je davno izgubljena - a sada je bolje vrijeme od bilo kojeg za nadati se da je maskirani voditelj Haruo Nakajima počiva u miru.

95. Izluđeno voće (1956)

Prethodni osnivač japanskog Novog vala, Izluđenog voća fokus na plamen mladosti postavlja noge s jednostavnom pričom koja se proteže daleko izvan njezinih skromnih parametara: preskakanje ograde dva muškarca zaljubljena u istu ženu kako bi odražavao dojam poslijeratne generacije u cjelini. Ti su ljudi žestoki, neovisni i očajnički se žele dokazati - ožalošćeni ponovljenim oskvrnjivanjem vrijednosti svoje nacije. Pronalazi nišu pripovijedanja koja rikošetira kroz društveni i politički kontekst - i predstavlja široke prve korake Novog vala. Kako se ovaj popis nastavlja, vidjet ćemo da je dugovječni pokret zauvijek krenuo prema unutra - ili fasciniran ili prestrašen i pritom pronalazeći naraciju ne o narodima - već o seksualnosti, izopačenosti, nasilju, pohlepi, natprirodnosti i psihozi. Drugi se svjetski rat možda još uvijek krije u tim pričama - ali čini mi se intrigantnim to što se s njim rješava jednako otvoreno kao Izluđeno voće did na kraju je naišao na fokus, a ne na eksploziju teme.

94. Život Oharua (1952)

Naš prvi udarac Kenjija Mizoguchija, Život Oharua dokazuje klasičnu dirljivu studiju likova koja njenog protagonista odražava na situaciju žena u poslijeratnom Japanu, nešto što je Mizoguchi izvrsno radio tijekom svoje karijere. Prostrani, složeni dramski komad koji koristi vrijeme za isticanje teške nedaće koja mu brzo postaje žarište, Mizoguchi proizvodi jedno od svojih najboljih djela čisto za način na koji se tako humanistički izvija i lomi zajedno sa samom Oharu - redateljicom ganutom nedaćama s kojima se suočava. Upravo taj odnos krvari ravno kroz ekran koji omogućava filmu da svoju dramu uzdigne iznad vjerodostojnosti.

93. Snovi (1990)

Otpisao stražnju stranu vlastite podsvijesti, Akire Kurosawe Sanja je slikarski prikaz unutrašnjosti uma jednog čovjeka: Široko usporediv sa Pastorala osim što mu nedostaje senzibiliteta za novi val u korist odmjerenijeg, mirnijeg istraživanja noćnih lutanja Kurosawe. Rezultirajuća kolekcija vinjeta otkriva nešto sirovo i jedinstveno u načinu na koji se život filtrira kroz leću naše podsvijesti - i u ovom bi možda mogao biti najiskreniji film koji je Akira Kurosawa ikad snimila. Lucidan, ljupki mali dragulj.

92. Pogrebna povorka ruža (1969.)

Široko otvoreno mišljenje redatelja Tosha Matsumota o Edipu Rexu (možda i najbolje kino koje nudi), Pogrebna parada ruža označava presudnu prekretnicu za alternativnu seksualnost i rodno izazovne slike u japanskoj kinematografiji - i sam se prodaje bez granica koje su danas transformirale pokret. To je i slavlje i kritika ljudskog izraza, razumijevanje zbrke s kojom se njezini likovi suočavaju, kao i prihvaćanje vlastitih odluka s poniznošću i radošću. Ova kritička pretpostavka sukoba je ono što definira Pogrebna parada ruža 'Uspjeh i premda mislim da to nije krunisano postignuće dragog pokojnika Matsumota, način na koji je zagovarao svoje subjekte na tako iskreno manjkav način nešto je od čega bismo danas svi mogli naučiti.

91. Paprika (2008.)

Film Satoshija Kona iz 2008. često je u usporedbi s Chrisom Nolanom Početni - oboje zasnovani na konceptima invazije snova i prisile. Mislim da je ključna razlika zbog koje se obožavatelji razdvajaju preko barikade činjenica da Nolanov pokušaj ima veću emocionalnu rezonanciju i fokus karaktera - ali sve se to zaglavilo u zamornoj strukturi. Kon piše 85 minuta i svaki kadar ispunjava opojnim procvatom energije i premošćujućih boja između slojeva s takvom slobodom i fleksibilnošću u pripovijedanju da Nolanovo gušće djelo jednostavno ne može pratiti. Na kraju oboje stoje kao solidni primjeri zanata i domišljatosti - ali u smislu onoga što bih radije stavio na kraju teškog dana nema natjecanja. I otkriti ogroman niz kreativnih moći Paprika drži u svom arsenalu, iznad toga što je samo zabavni okus Početka - treba samo zgrabiti blu ray i započeti igru.

90. Ekstaza anđela (1972)

Kao pokret u cijeloj industriji, osjećam kako se prevladavajuće točke japanskog Novog vala okreću na temelju seksa i nasilja. Oboje su svojstveni životu i umjetnosti - elementi koji nastavljaju prekrivati ​​svjetske kinematografske produkcije - ali osjećam da se malo filmova angažirano s njima nosi. Ekstaza anđela razumije vlastitu vulgarnost. Stalno bavljenje redateljem Kōji Wakamatsuom s tako ekstremnom temom dalo mu je mogućnost da izbrusi prikaz brutalno nasilnih ličnosti - a rezultat je pomahnitalo istraživanje Sid-a i Nancy-a u anarhičnom gubitku sebe, kao i gorka tračak romantike bačen u miješalica. Bez obzira na vaš pogled na kraju, to je divlja vožnja.

89. Ukrasna ukosnica (1941.)

Od svih prijeratnih umjetnika čije pamćenje vrijeme apstrahira, Hiroshi Shimizu je možda glavni među onima kojima je potrebno ponovno otkriće. Unatoč izdašnom izdanju Eclipsea iz kolekcije Criterion (muka da ga se uhvati i igra bilo gdje izvan Amerike), čini se da je loše spomenut među najvažnijim redateljima tog razdoblja i apsolutno držim uvjerenja da bi trebao biti zagovaran među najboljima od njih. Ukrasna ukosnica je pušten dok je Japan uvlačio Ameriku u Drugi svjetski rat, a opet je prepun nade i jednostavnosti koja pristaje na civiliziranije doba - ili barem govori o pacifizmu koji je Shimizu mogao živjeti iz dana u dan - ignorirajući sukob on smatra barbarskim i prkosnim vanjskoj slici Japana u to vrijeme. Bez zamućenja ovog opisa u previše politike, Ukrasna ukosnica leži među najboljim crtama koje je Shimizu izradio i upravo njegov trajni minimalizam osigurava njegovu lijepo podrazumijevanu rezonanciju.

88. Ugetsu Monogatari (1953.)

Ne sumnjam da sam se susreo s široko rasprostranjenim vitriolom zbog postavljanja tako univerzalno cijenjenog klasika tako nisko - ali mora se reći da je među nebrojene tisuće Ugetsu Monogatari i dalje se nalazi među 100 najboljih japanskih filmova ikad snimljenih. Osobito sam neukusan prema Mizoguchijevom majstorskom djelu: dugotrajna rana povremeno prejednostavnog smjera koja često uništava njegovu tako često savršenu umješnost i uništava sve prethodne učinke. To bi se reklo, lagala bih ako ne spominjem koliko mi je ovaj film bio posebno fascinantan kad sam bila mlađa i, unatoč razočaravajućem nizu ponovljenih satova u posljednje vrijeme, čarobnim trenucima kada sve dolazi na svoje mjesto i Mizoguchijevim čudesno komponiranim, filmski zanosan i na kraju se ljudska privlačnost ponovno uvukla u moje vene. Ugetsu Monogatari klizne na popis djelomično jer je to osnovno djelo, što je sramota jer se ponosim time što stavljam osobne preferencije nad status: No, srž je u tome što ga želim voljeti. Jednog dana naklonost će se možda ponovno pojaviti i Mizoguchijevo će se majstorsko djelo popeti još više. Vrijeme će reći.

87. Pakao prve ljubavi (1968)

Prateći paralele u svojoj koncepciji ravno natrag do takvih Bez daha i meditativno druženje Erica Rohemera u Moja noć kod Maud iz tekuće Nouvelle Vague, Pakao prve ljubavi je tiho, lijepo upijajuće promatranje para koji čine prve zajedničke korake i pozvanog, strastvenog, smrknutog, hladnog, često praznog zraka koji se mota oko njih dok pokušavaju iskoristiti vezu koju naslov filma tako hrabro obećava svojoj publici. To je umjetničko djelo s malim održavanjem koje strpljive gledatelje nagrađuje dirljivom ljudskom interakcijom.

86. Lijek (1997)

Uređivanje u Lijek je smrtonosna. Napreduje do točke u kojoj želite skrenuti pogled, Kurosawa ispunjavajući publiku implicitnim razumijevanjem nemilosrdnosti svog filma na način na koji prirodno presijeca domaću rutinu i krvlju poprskane leševe poput disanja; i upravo me to izuzetno hladno, gotovo psihotično prihvaćanje smrti u životu natjeralo da preispitam njenog vodećeg časnika Takabea i koliko je paklena situacija u vezi s nasiljem u Japanu tako navikla na brutalna ubojstva. Dok se kreće tromim puzanjem koje počinje potkopavati napetost bez daha, Kiyoshi Kurosawa je uspio udahnuti komad, Lijek je i dalje više nego dostojan dodatak svom snažnom kinematografskom kanonu.

85. Loš san dobro (1960)

Najslabija adaptacija Shakespearea Akire Kurosawe ostaje jedan od njegovih najjačih filmova, koji labavo prati priču o Hamletu s bodljikavom korporativnom kritikom koja čeka u krilima. Usprkos ostalim verzijama, usprkos tangencijalnom pogledu, BSW predstavlja slabu izvedbu cijenjene predstave čiji dijalog opterećen skladbom ne uspijeva uhvatiti širinu i težinu Shakespeareove drame - iako njeguje jedinstveni kurosavski stil pripovijedanja koji dodaje dodatnu dimenziju izvorni materijal i stvara slasno uvjerljiv narativni ritam. Sve moderniji i napetiji od svoje inspiracije, The Bad Sleep Well obavezno je posjetiti ljubitelje Kurosawe, željne vještine i suptilnosti njegovih suvremenih napora.

84. Tetsuo: Željezni čovjek (1989.)

Rješavanje Tetsuo sa slabim želucem je poput uzimanja metka bez prsluka. Izmiješani zajedno s neredom otpadnog rekvizita, natrpanim setovima i bolnim specijalnim efektima - postoji živahnost da Tetsuo: The Iron Man’s potraga za neugodnim zbog čega je vrijedna divljenja. Poštujem jeftinost s kojom su se njezini stvaratelji suočili kako bi postigli što više zastrašujuće iskustvo: Šokantno njihovim udarnim zvučnim miksom i sumornim monokromatskim vizualima koji ono što znamo bacaju u područje enigme. Crno-bijelo oslikava i najprepoznatljivije predmete koji čine Tetsuo ’s svijet kao stravični bastioni nepoznatog, koji se provlače ispod pukotina i zakače za nas kako bi započeli metamorfozu mutacije i nasilne i neizbježno mučne. To je djelo koje prolazi iza točke zabrinutosti zbog osjetljive osjetljivosti svoje publike - a upravo bi to trebao biti dobar tjelesni horor. Tetsuo: Željezni čovjek je bez sumnje jedan od najboljih.

83. Crna kiša (1989.)

Čudno tempiran film s obzirom na to da se on sukladan vlastitoj raspravi Isaa Takahate o ljudskim žrtvama nuklearnih bombi bačenih u vrhunac Drugog svjetskog rata, a bavi se sličnim temama, Crna kiša inferiornost prema divnom Grob krijesnica ni na koji način ne znači da se to ne smije zanemariti. Ako išta drugo, legije štovatelja koje se s pravom okupljaju oko Takahatinog djela trebali bi se također slijevati ovdje. Prvi prikaz Shohei Imamure na ovom popisu, Crna kiša duboko tragično, mukotrpno osobno gleda na težinu nuklearne eksplozije: suočavanje s krivnjom preživjelog, ostracizijom, tugom, gubitkom i prihvaćanjem događaja i njegovih teških posljedica u taktički pravom stilu karakterističnom za Imamuru, to je na svoj način jednako upečatljiv i neposredan kao Hirošima ljubavi moja sanjarska lucidnost.

82. Čovječanstvo i papirnati baloni (1937)

Formalistički klasik na istom području kao časni opus Kenjija Mizoguchija, osim što se ovdje jednako poštovani redatelj Sadao Yamanaka drži poniznosti iz koje svi koji planiraju ući u svijet kinematografije mogu naučiti. Njegova druga poznata slika, Milijun Ryo Pot , relativno je mirna, trezveno sastavljena i stručno dramatizirana priča - premda mislim da je rub na udaru Čovječanstvo i papirnati baloni jer uspijeva dati širu izjavu o suštini svakodnevnog života. Udobnost njegovog razigrano ambicioznog naslova odjekuje u svakom kadru i premda to nije potez koji sam smatrao intenzivno uvjerljivim ili čak strpljivim u pokretu - ovdje postoji nešto što zahtijeva sat.

81. Tišina (1971.)

Adaptirano iz istog romana s kojim se nedavno pozabavio Martin Scorsese, Masahiro Shinoda Tišina služi kao fascinantan reflektor razlika između zapadnog i istočnog filmskog stila. Scorseseov vanjski stoički, oštar ton preklopljen je u korist daleko skromnijeg pogleda pod Šinodinom studioznom rukom, dopuštajući dlaku kajanja i sentimentalnosti u inače nadahnuto prirodnom, ogoljenom stavu o knjizi. Prizor koji ističe Shinodinu snagu u razvijanju svjetovne atmosfere za njegovu religioznu priču bez potrebe za manipulacijom dolazi u obliku starice koja pjeva u sobi punoj ljudi: Jedva izgovorena riječ odjekuje u priči, niti je ijedna daljnja karakterizacija je prenijela - a opet ostatak filma prožima neizbježnom vitalnošću koja se tako poticajno izvija pod teretom tjeskobe i očaja sa kojima se suočavaju svećenici i njihovi učenici. Potcjenjena i primamljiva, njegova poniznost za mene je svaki dan na vrhu legendarnog djela talijansko-američkog redatelja.

80. Go Go Second Time Virgin (1969.)

Odmah sebi otežavajući stvari, Idi Idi Drugi put Djevica pogađa svoje 65-minutno vrijeme izvođenja s jednom od nekoliko neugodnih scena silovanja. Stvaranje pripovijesti iz neosjetljive veze napaćene mlade djevojke s podjednako mladenačkim, poremećenim ubojicom koji je izdaleka promatrao kratki, ali vitalni opus redatelja Kōji Wakamatsua definira se tako što nikada ne pridaje narativnu konvenciju uz uparivanje. Prepušten sam sebi, otkriće i razgovori, film iznenađujuće koristi svoj izuzetno nizak proračun s često učinkovitom kompozicijom u karakteru japanskog Novog vala, kao i konfrontirani prikaz seksualnog nasilja koji je mnogo privlačniji, gustiji i predvidljiviji od Nagise Zloglasni Oshimin umjetnički neuspjeh iz 1976. (i to je velikodušno) U carstvu osjetila .

79. Grešnici pakla (1960)

Obilježen manje intuitivnim scenarijem i mračnom radnjom, Pakleni grešnici još uvijek uspijeva odrediti svoje mjesto na ovom popisu zbog svoje iznimne kontrole nad umjetnošću. Svaki je kadar natopljen vlažnom rasvjetom i obasjan tamnom paletom boja, povremeno isprekidan prodornim ubodima crvene boje koji služe kao suptilni podsjetnik na agoniju koja dolazi. Vidiš, Jigoku je igra čekanja: Film koji svoje vrijeme ujedinjuje u monotonom stvarnom svijetu prije nego što padne u Pakao. Izvrsna početna scena daje publici dašak krvi koji se nesigurno muči u svakoj drugoj sceni sve dok nam napokon nije dopušteno iskusiti Tartar za sebe: kavalkada zadivljujuće scenografije, sjajnih boja, prekomjernih dodataka i prave panike jer se likovima daje vremena da sagledati posljedice svojih postupaka. Iako je zamorno, isplata nas nagrađuje gledanjem naloga Pakleni grešnici barem jednom - za malo u kinu se podudara s njegovom suštinski konfliktnom, jezivo beživotnom vizijom podzemlja.

78. Dvadeset i četiri oka (1954.)

Slijedeći matrijarhalno mjesto mlade žene na čelu razreda školaraca i njegove implikacije na društvo u okruženju, Dvadeset i četiri oka feministički je tekst kojem nedostaje transcendentalna rodna neutralnost nečeg tako majstorskog kao Jeanne Dielman, ali zadržava svoje mjesto kao važno raditi za snažnu središnju izvedbu Hideka Takaminea i pripovjedačke pjesme Thiassos-esque koja traje od 1928. do 1946. u širokom proučavanju unutarnje politike i napretka percepcije tijekom godina od mira do rata.

77. Gospodin Hvala (1936)

Taktna meditacija Hiroshija Shimizua o našoj interakciji, Gospodine hvala prati grupu ljudi u autobusu i istražuje sve vrste emocionalnih karaktera na jednosatnom putovanju do odredišta (srećom skrećući s vožnje autobusa koji bi daleko kasnije na ovom popisu završio daleko manje glatko). To je šarmantni portret poezije u svakodnevnom životu koji se uzdiže iznad toliko površno ambicioznih filmova na ovom popisu zbog svoje sposobnosti da sjedi i razgovara nešto više od 60 minuta, a da pritom ne promakne. Sićušno malo blago.

76. Ulica srama (1956)

Teetrajući se na rubu opusa, Kenjija Mizoguchija Ulica srama jedan je od velikih labudova - onaj koji crpi sve dosadašnje kinematografsko iskustvo čovjeka u njegovoj karijeri i okuplja ga u pravovremeno, karakteristično pažljivo i izuzetno ljudsko djelo. Živeći u kurvi tijekom sumraka zakonitosti prostitucije u Japanu, Mizoguchi izrađuje prekrasno pokretnu tapiseriju sukoba i prividnog 'amorala' s obzirom na svoje pravo lice koje probija percepciju i omogućuje nam da vidimo prošle predrasude. U današnje vrijeme publika često uživa u očito antiherojskim ili kriminalno nerazumljivim likovima zahvaljujući kričavom sjaju Dobri momci i drugi lavovski, često veselo sadistički prikazi moralno nerazumnih likova. 1956., posebno tijekom pravne tranzicije - takav je film morao biti nečuven. Žene iz Ulica srama samo pokušavaju živjeti - i to je ono što njihov teret čini toliko potresnijim.

75. Plutajući korov (1959)

S pravom se smatra najvećim Ozuovim umjetničkim postignućima, 1959. godine Plutajući korov prati putujuću trupu izvođača i obiteljske probleme s kojima se susreću tijekom putovanja - posebno okupljanje prethodno odvojenih stranaka koje prijete ukidanjem unosne kazališne družine. Moć je podjednako moćan kao i najbolji Ozuovi filmovi, ali ovdje dolazim u pitanje s mjerom pripovijedanja, posebno s strukturom. Održavan protiv nekih kasnijih Ozuovih filmova koje ćemo ovdje susresti, ne može im držati svijeću - ali u najmanju je ruku mjera koliko je vješt bio umjetnik Plutajući korov još uvijek uspijeva srušiti top 75 u blistavo tihoj, kontemplativnoj formi. Ipak sjemenski.

74. Pastoral: Umrijeti na selu (1974)

Shūji Terayama Pastorala je uzvišena vježba neobičnosti. Bilo bi naivno da itko ovu posebnu granu bizarnog 'nadrealnog' sinkronizira jer Pastorala je daleko manje suptilan od toga: pakiranje svog kratkog izvođenja punog apsurdne komedije i fantastičnih slika koje se uklapaju u sjećanje koje je redatelj doživio u svojoj budućnosti. Neshvatljivo takvo nadahnuće malo je suočeno s njegovom radnjom i idejama - premda kao i kod njegovog ranijeg djela, Terayamina labavost radnje ni na koji način ne umanjuje iskustvo koje pokušava pružiti - i ako njegov magnum opus pokušava izraziti ljutnja i strast nezadovoljne mladosti, ovo je njegov osobniji nastavak: Istraživanje očaravajućeg uma, prekrasno fotografiranog i toplo realiziranog. Lako je film učiniti čudnim, ali da bi se tada naglasio utjecaj, vizualna virtuoznost osobnošću, tehnikom i redateljskim sposobnostima nešto je što čovjek ovdje postiže. To je stvarno nešto za vidjeti.

73. Savršeno plavo (1998)

Odlučujući poklič talenta animatora Satoshija Kona, Savršeno plavo pronalazi tjelesnost u unutarnjoj borbi umirovljenog pop idola koji pokušava shvatiti njezin novi identitet - sav zamotan u neprestano razvijajući se poticaj modernog svijeta. Konina vizualna senzibilnost dovodi do vrhunskih i tako nažalost pretjeranih filmskih trenutaka - ali mislim da opojni narativni dizajn Savršeno plavo pronalazi u neumoljivosti s kojom se njezin junak muči i, pri tome mučeći, gura je pored bilo kakvih redateljskih štucanja. To je metafizički komad koji sebi dopušta da horor učini stvarnim - koji pomiče granice tradicionalnih animiranih značajki za nešto sasvim mračnije i uznemirujuće zbog svoje hrabrosti. Unatoč sebi, Kon u svom prikazu mentalne degradacije ne bježi od stvarnosti - i to je ono što usidrava inače datirane dileme Savršeno plavo do danas. Fascinantan, često zbunjujući eksperiment animacije.

72. Tamna voda (2002)

Izravna evolucija zastrašujućeg Prsten , Hideo Nakata Tamna voda predstavlja redateljev drugi i možda jedini drugi hit - i onaj koji uspije njegov stil još više unaprijediti. Krasi ga zrelost koja bježi mnogim J-Hororima, potkrepljujući snagu drame s lukavom pozornošću na staloženost i preciznost koju manje umjetnici potpuno ne bi mogli shvatiti. Pulsirajuće traganje za nekim neviđenim ciljem odjekuje kroz svaku scenu i modnu neizbježnost pretvara u oružje ne samo straha, već i prisile.

71. Yûkoko: obred ljubavi i smrti (1966)

Yûkoko: Obred ljubavi i smrti je neslavna iz nekoliko razloga, naime zato što je njezin direktor Yuiko Mishima također počinio samoubojstvo seppukuom nakon neuspjelog vojnog puča. Čovjek je bio osnova najboljeg filma Paula Schradera, Život u četiri poglavlja , a sam se ovdje fokusira na demonstrativno fascinantnu temu - koristeći Nohovu scensku scenu i snažnu kompoziciju da iskaže svoju poruku bez riječi. Specijalni efekti koji izazivaju cvrčanje izuzetno su impresivni za svoje vrijeme, simulirajući Harakirijev čin do zapanjujućeg učinka i čineći savršenu interpunkciju Mishiminog domoljublja. Bez predaje.

70. Akira (1988)

Svjetlucavo, neonski orijentirano obilježje japanske animacije i njenog prodora na međunarodnu pozornicu, Akira označava revolucionarnu točku iz animea i impresionira i danas svojim blistavim bojama, slatkim futurizmom i amorfnom, gnusnom preobrazbom naslovnog lika. Iako je struktura priče pretrpana sporednim bilješkama i ne može pronaći jasan smjer u kojem će napredovati, iskačuća spoznaja Akira's akcija i impresivniji podvizi animacije čine je toliko utjecajnom i agresivno privlačnom - brišući zaslone ekspresivno izrađenim vinjetama i nadilazeći mlitavu glupost svojeg napretka za nešto zaista spektakularno. To je opako, dinamično i simpatično - dostojan klasik i početak u čudesno doba proizvodnje visokokvalitetne animacije.

69. Sudski izvršitelj Sansho (1954.)

U ovom trenutku moram priznati: nikada mi se nije sviđao rad Kenjija Mizoguchija. Unatoč nekoliko pokušaja da se provučem kroz njegove slike, nikad se ništa nije zaglavilo. Malo me zanima o njegovom radu i ono što postoji na napisanom nivou prelazi u tupost kad ga tako otvoreno presadi na ekran. Bez sumnje postoji čudo koje se može pronaći u čovjekovom radu - ali ono me i dalje ilustrira. Sve ovo na umu, barem sam pronašao utjehu u svom ponovnom gledanju Sudski izvršitelj Sansho za ovaj popis - film koji me prije frustrirao svojim otpadom tako moćnog materijala. Ovaj je pokušaj procvjetao u novostečenom uvažavanju Mizoguchijeva ikonoklastičkog pristupa, onom koji se u svom ranijem radu osjeća praznim. Bio je ispunjen scenama s dubokim utjecajem, a iako smatram da je film predug oko 20 minuta - i mogao bi se popeti na područje majstorstva u sažetijem pokretu - barem je osnovao legendarnog umjetnika s ovog popisa. Možda bih godinama nakon toga stavio Mizoguchijevo djelo više - može se samo nadati.

68. Onibaba (1964.)

Naš prvi film od Kaneta Shinda, Onibaba vrti priču o nepovjerenju i obmani - dvije lopovske žene pod utjecajem opsjednute maske koja uskoro traži vlastiti dnevni red. Atmosfera paranoje koju Shindo razvija kroz svoju pažljivu inscenaciju i neskladnu priču jednaka je uspjehu filma - spajanjem novih likova i događaja kako bi se pojačao osjećaj treme publike, kao i osjećaja njegovih glavnih igrača, kako bi se podstakla jedinstvena paralelna emocionalna veza. Ali mislim, prije svega ovoga, Onibaba’s trajni status klasika japanskog horor kina proizlazi iz jednog kadra: Jedna slika koja u toliko paralizirajuće tišine unosi toliko visceralne energije da sam to fizički ostala zatečena - obeshrabrena od povratka u Onibaba u strahu od susreta s tom istom zastrašujućom prisutnošću. Suočavajući se s tim jednim, savršeno uznemirujućim nizom kadrova, ostatak filma gotovo problijedi u usporedbi: Ali ako ga potpuno popusti, značilo bi propustiti smisao tako kontroliranog nakupljanja, kao i njegov senzacionalistički vrhunac.

67. Sonatine (1993.)

Ono što je uvijek impresivno u radu Takeshija Kitana je način na koji on daje lagodnost čak i najiscrpnijim scenarijima. Gotovo nestali Vatromet i Nasilni policajac oboje dijele svoje mjesto na popisu s njegovim opusom, Sonatine , a svi govore o njegovoj popularnosti u rodnom Japanu kao filmskog komičara i o tome kako se ti korijeni suptilno provlače u njegovu kinematografsku ponudu. Svaki kadar koji obitava blista - unatoč njegovom sastavu mračnih i često brutalnih linija priča. Poigravanje s našom percepcijom ljudskog morala i dopadljivosti ono je što Kitano čini toliko fascinantnom figurom kakva se pojavila u japanskoj kinematografiji u posljednjih nekoliko desetljeća - i dokazuje, kao što je to tako rekao Rodger Ebert nakon što sam vidio Sonatine , da studije krutog zločina ne trebaju žrtvovati dubinu angažmana a-la Tarantina s njegovim površnim monolozima i 'karakterizacijom' usnika. Kitano može oboje.

66. Demoni (1971)

Vodeni žig novog vala Toshio Matsumoto zapanjio je dvije godine prije svojim izvrsnim Pogrebna parada ruža i 71's demoni održavaju njegov senzorni zamah oštro snimljenim noćnim krajolikom koji svaku sliku uranja u krajnju tamu - mjesta i igrači osvijetljeni košmarnom tminom. Drugi su redatelji eksperimentirali s ovom tehnikom, možda najranijim zapaženim primjerom koji je ležao u ispitivanju Louisa Malla u Elevatoru za vješala - no malo je onih koji su to potaknuli na tako invazivne učinke - svaki je kadar bio potaknut opsežnim osjećajem straha i, što je najvažnije, očaja. Bez obzira koliko se njegovi protagonisti približili bijegu od svojih natprirodnih napadača - nikad ništa nije sigurno. To je, očito, uzorni egzistencijalni horor.

65. Još uvijek hoda (2008)

Mislim da visoka sjena Yasujira Ozua može baciti pozamašnu sjenu na bilo kojeg dramskog filmaša, a visokocjenjeni Hirokazu Koreeda možda je glavni među pogođenima. Čovjek pokušava izbjeći usporedbu uspoređujući svoje djelo s radom Kena Loacha, više od japanske legende, međutim takva je sličnost neizbježna i ističe nekoliko nedostataka u Koreedinoj metodi. Ozu vas poziva da sjednete s njegovim likovima i postupno razotkriva poantu priče, dok Koreeda stavlja svoj fotoaparat u istu sobu kao i drama i samo šutke promatra. Njegov je stil puno manje izravan, pomalo podsjeća na tehniku ​​tajvanskog majstora Hsiao-Hsien Houa, a opet još više odvojen.

Sve to na umu, Koreedino odbijanje upada, međutim, dovodi do nekih snažno intimnih trenutaka kasnije niz liniju - gdje on počinje cvjetati dok nam likovi omogućuju premošćavanje šest stupnjeva razdvojenosti između njihova i našeg svijeta. Nešto jednostavno poput osobe koja se približava klaviru, krajnje nepodudarnosti u fokusu naglašavajući važnost scene, čini čuda dajući publici sitne, evokativne uvide u umove njegovih likova. Doista Još uvijek hoda je bastion nade koji potiče filmaše suvremenog Japana da padnu u okrilje obiteljske drame i nastoje je prožeti istom prisilom i učinkom kao umjetnici poput Ozua i Narusea svih tih godina. S redateljima kao što je Sion Sono na sceni, dar je to što su ljudi poput Hirokazua Koreede još uvijek na obali iznad sjemenskog donjeg trbuha i daju nam nešto tako tiho i zadivljujuće na svom portretu prigradskog života.

64. Ispovijesti među glumicama (1971)

Brutalno iskren, karakteristično otvoren film - nimalo ne sličan nemilosrdnoj inkviziciji Zimsko svjetlo - Yoshishige Yoshida's Ispovijesti među glumicama slijedi traume zbog kojih su se tri žene obvezale svom zanatu - prvi redateljev film u boji i, fascinantno: Jedan koji u ovom novom, rumenom bogatstvu boja uklanja mnogo svog ekstremnog fotoaparata za sirovo, golu potragu za istinom i njegov učinak na te ljude. Otkrivenje je na svoj način oblik iscjeljenja - i Kiju Yoshida-e Ispovijesti među glumicama izvrsno djeluje kao rasprava o toj ideji.

63. Balada o Narayami (1984)

Balada o Narayami predstavlja možda najpoznatiji film Shoheija Imamure, sam po sebi remake jednako cijenjenog klasika. Ono što razdvaja Imamurin komad je njegov taktilni pristup ljudskom djelovanju, očaran mračnim reakcijama i mutiranim psihama, velikom emocionalnom snagom muškarca ili žene. Njegovi su se raniji filmovi puno bolje bavili takvim temama, no smatram da to ne isključuje Balada o Narayami od visokog stajanja među njima. Njena poznata narodna priča jednako je pažljivo proučavala ljudsko ponašanje i premda joj nedostaje morbiditet zbog kojeg je rad njegovih 60-ih ugrizao - Shohei Imamura i dalje pruža zadovoljavajuće suosjećajno, stvarno umjetničko djelo.

62. Mandara (1971.)

Mandara je, na svoj način, jedan od filmski najfascinantnijih filmova s ​​početka sedamdesetih. Izazovno, ali univerzalno korisno u temi, fotografiji i zapanjujućem raspoloženju koje stvara - to je neobično čudan posao koji bi se mogao probiti u gornji sloj ovog popisa da sam imao vremena zaroniti dublje u njegov bizarni svijet. Dovoljno je reći: Ovaj malo viđeni dragulj New Wavea apsolutno je neophodan.

61. Priča o princezi Kaguji (2012)

Povratak časne Isao Takahata u 2012. nakon zadivljujuće 1988. godine Grob krijesnica , Priča o princezi Kaguyi je prekrasna. Obiteljska bajka prikladna za bilo koju dob, njezin se 'apsolutno lijepi stil animacije vraća na klasični dizajn obojen u bijeli pokrivač - ideal koji se vraća u osnove koji je od tada nadahnuo svojstva u više medija. Dalekosežni estetski potez Kaguya nije sasvim pomračena pričom - ali njezina svjetleća kinematološka prisila još uvijek je neizbježno opojna od početka do kraja i zahtijeva pažnju bilo kojeg ljubitelja animacije.

60. Tvoje ime (2016.)

Najnoviji film s ovog popisa, prošlogodišnji Tvoje ime je otkriće. Popularno kino u Americi često može biti tako beživotno i cinično, čak i njegovu indie scenu počinje privlačiti slava više od umjetničkih zasluga (da ne diskreditira očite iznimke od ovog rastućeg zapažanja). Sve to kažem, jer nakon proučavanja suvremenih japanskih izdanja za ovaj popis, oduševljava film što krasniji Tvoje ime biti uspješan u mainstreamu kao što je i bio. Japan je od tada preplavljen i nadaren mnoštvom animiranih značajki Akira 1988. i dok surovi grubo često preplavljuju dijamante ispod sebe - ovako snažni film probio se s lakoćom. Bez uvoda ili komentara samo pogledajte Tvoje ime . To je nešto sa srcem i iskrenim namjerama iz čega bismo svi mogli uzeti pouku od danas.

59. Nausicaä iz doline vjetra (1984)

Nausicaä iz doline vjetra je rani bastion animacijskog titana Hayo Miyazakija uzvišena vještina umjetnika. Pripovijetke su izvrsne - grade neku vrstu smrknute apokaliptične budućnosti kao da je u našem vlastitom svijetu sa slobodom usmjeravanja i prekrasnom realizacijom jedinstvene flore i faune zemlje - a sve naseljeno raznolikim brojem usamljenih duša koje izražavaju puzajuće prepoznavanje svojih nepoželjnih svijet divno. Prvo od mnogih iskreno iskrenih, originalnih i slasno nadahnutih djela iz Miyazakija.

58. Hoćemo li plesati? (1996.)

Mislim da ono što razdvaja Hoćemo li plesati? od bilo kojeg drugog filma koji potvrđuje život koliko je to ozbiljno. Vlastita rasprava Akire Kurosawe o ispunjenju (ili užasnom nedostatku) u Ikiru je oštar kontrast bezazlenom šarmu ovdje - onom koji prirodno klija i klizi u naša srca, umjesto da se provlači kroz cinično vođene točke radnje. To je prekrasan film - onaj koji je dobio tako visoku poziciju koliko je njegova priča radosna i koliko je redatelj Yoshikazu Suo ugodan sa svojim proizvodom. Oduševljenje.

57. Akitsu Springs (1962)

Veliki proboj Kiju Yoshide, Izvori Akitsu predstavlja zoru nečega posebnog u sferama japanskog Novog vala. Već 1962. Yoshida je uspio dovesti psihoseksualni fokus mnogih tadašnjih japanskih filmova do glave i zabiti njegove unutarnje dubine s besprijekornom preciznošću - fascinaciju koju će samo nastaviti izoštravati kako vrijeme prolazi. Niz slikovito fantastičnih nastavaka učvrstilo ga je kao ključnog člana pokreta, ali za mene jest Izvori Akitsu koji je najjači kao vlasnik njegovog filmskog genija.

56. Žena se ispovijeda (1961)

Naš prvi film ljubaznošću plodnog Yasuza Masumure, 1961. godine Žena ispovijeda krunsko je postignuće ranog japanskog Novog vala. Prateći ženu optuženu za navodno slučajnu smrt njenog supruga, zahvaća valove agresije, cinizma i skretanja karakterističnih za tamniju stranu japanske kinematografije u to vrijeme - osim bez ijednog od njegovih često krvavih, brutalnih nasilja. Ovo što imamo ovdje je nasilje umom protjerano glasovima bodljikavim od gorčine i promatranim očima kako lažu za nekim siromašnim slučajem u kojem su doživotni zatvori uspoređivali vlastitu bijedu. To je prikriveni morbiditet Žena ispovijeda to daje težak udarac društvenom ugrizu.

55. Duboke želje bogova (1968)

Najduži film Shohei Imamure, Duboke želje bogova je možda i film koji najpotpunije prikazuje njegov stil. Slijedeći napetu dinamiku izolirane kolonije i rastuću romansu koja cvjeta za njom, Imamurin pomalo odmaknuti smjer i prožimajući sjaj gotovo novinarskog integriteta omogućuje fascinantan dokument o zavičajnom životu, ljubavi i tome kako smo neraskidivo privučeni vlastitim željama - bilo to svjesno podijeljenim iskonskim porivom ili nekim nematerijalnim implantatom poslanim ravno odozgo. Na kraju je bilo teško upravljati Imamurinim glavnim pitanjem: Je li lakše prihvatiti da su naši bogovi okrutni ili da mi jesmo?

54. Ljudsko stanje 1. dio: Nema veće ljubavi (1959.)

Prva u epskoj trilogiji filmova, Ljudsko stanje 1. dio: Nema veće ljubavi je film koji će stvoriti presedane za daljnja praćenja - popis i snaga i slabosti redatelj Masakai Kobayashi imao bi vremena za izučavanje iz daljine, nikad ne razjasnjujući savršenu ravnotežu za svoj izuzetno ambiciozni komad. Nema veće ljubavi sadrži nekoliko besmrtnih trenutaka, ponajviše scenu pogubljenja koja traje 10 minuta i vidi kipuću bijes potlačenog Manchu mjehura izvan straha koji sve puške i bodljikava žica nadahnjuju za nešto posebno rezonantno do danas - kao i kraj luk za nekoliko znakova. Riječ je o predugom, prezasićenom i u konačnici neučinkovitom filmu & hellip; ali to je i majstorski obrađeno ispitivanje ratnih danaka. Neuravnoteženi do krajnosti, Ljudsko stanje U uvodnom poglavlju nalazi se dovoljno čvrsto tlo da se stvori film koji nije ni izvrstan ni izuzetan: Ali jedan ipak više nego dovoljno dostojan da ovdje uđe u 60 najboljih.

53. Baci svoje knjige, skup na ulicama (1971)

Bacite svoje knjige, Rally in the Streets nalet krvi u glavu. Živahni, bezvoljni raspored nepovezanih vinjeta stvara živopisnu sliku odvojenosti japanske mladeži od starih vrijednosti. Odbijanje formalizma za nešto posve modernije, futurističko - narezano na komade, a opet potpuno ugodno u svojoj nerazumljivosti. Kreativna priroda industrije očitovala se u svijesti mladih, što je rezultiralo zapanjujućim, primamljivim i često zapanjujućim šaržnim scenama. Malo koji film čak ni iz japanskog Novog vala može zapaliti tu istu rigorozno pobunjeničku vatru.

52. Crveni anđeo (1966)

Masivno plodan majstor Yasuzo Masumura radio je na kolosalnih 33 filma samo tijekom 1960-ih - a jedan od vrhunaca njegovog natečenog opusa je uzvišeni Crveni anđeo iz 1966. Usredotočen na romantično angažiranu mladu medicinsku sestru koja je gurnuta u ratovanje, Crveni anđeo izuzetno dobro razvija svoj iscrpljujući svijet: počevši od legija veterana umreženih ožiljacima i poprskanih vlastitom krvlju i znojem na operacijskom stolu u prljavom zapuštenom kompleksu - sve prije nego što je napokon bačen u lončić ovog smrtonosnog sukoba. Opipljivi strah znak je Masumurinog raskošno impresionističkog ruba - i označava ga kao odlučujući, nažalost zasjenjeni glas nacionalnog kina tijekom 1960-ih.

51. Čovjek bez karte (1968)

Strašno nadgledan ulazak iz besprijekornog opusa Hiroshija Teshigahare, koji je poslušno zasjenio svojim visokim djelom od '62. Do '66., 1968. Čovjek bez karte vidi rigorozni ikonoklastički redateljski prijelaz s oštro monokromne na primamljivu fotografiju u boji: Pogled kroz prostrani labirint industrijskog Japana mračnom, pomalo dosadnom paletom koja tako bogato odjekuje nezasićenu želju protagonista za odgovorima. Čovjek bez karte trči u rijekama sumnje i zbrke, iskrcavajući svog detektiva u duboku vodu za najmanju upadu i rijetko mu dopuštajući sekundu da udahne i ponese prostranstvo svega toga.

Teshigahara razigrano urbanizira mučnu potragu svojih protagonista svijetom koji na svakom koraku poriče katarzu komentirajući neprestanu nesigurnost suvremenog života s đavolskom preciznošću. Napušta iznijansiranu natprirodnost i nadrealizam svog ranijeg djela za daleko utemeljeniji komad koji je kao rezultat možda čak i strašniji od sizifove agonije Žena u dinama ili Pitfall’s nepromišljeni, neosjećajni napredak smrti. Čovjek bez karte udara nas o našu domaću travu i zato je toliko zbunjujuća - toliko uznemirujuća - i zašto ostaje tako važan dio kina do danas.

50. Žena kukac (1963)

Naš četvrti film do sada štovanog majstora Shoheija Imamure, nešto uglednija strana opasnijeg pretjeranog novčića Nagise Oshime, Žena insekata je ogledni prikaz zašto je Imamurina vizija seksualne politike uvijek bila daleko fascinantnija od one njegovog kontroverznog suvremenika. To je film raskošne vizualne kontrole: Utjerujući njegove slike značenjem i težinom, kao i slasnom estetskom snagom koja toliko krvari u jednobojnom - Ženin svakodnevni život okružen zalivom crno-bijelog mora koje se toliko pretvara u misterij u Tetsuo: Željezni čovjek . Njegova sablasno predvidljiva početna scena, iako jednostavna, šiva sjeme kafkanskog kaveza Tome (kojeg je lijepo igrao zasluženo počašćeni Sachiko Hidari) smještena je u - i nagovještava monstruozne implikacije koje postavlja Namurov opaki naslov. Teško je gledati, nimalo potpomognuto Imamurinim problemima s tempom - ali i dalje ostaje uistinu vitalno kino.

49. Puls (2001.)

Kiyoshi Kurosawa neprestano je udarao iznad svoje klase pod težinom svog poznatog imenjaka fantastičnim nizom zloslutnih napora - ali nijedan nije sasvim zasenio neodoljivo upražnjeno mjesto 2001. godine Pritisnite . Nakapavanje strahom i oštro korištenje pravovremenih tehnoloških referenci, bez oslanjanja na njih u tolikoj mjeri da stari sliku, Pritisnite je izuzetno zastrašujuće shvaćanje modernog ukleta kojim se daleko učinkovitije koristi poznato lice njegovih Yurejskih duhova od mnogih poznatijih prikaza blijedohodnih uhoda.

48. Bitke bez časti i čovječnosti (1973. i hellip; 1975)

Višečlana zločinačka antologija Kinjija Fukasakua je Kum podignut na svaku drogu pod izlazećim suncem. Oslobođen često nadmoćnog strukturalizma Coppolinog perfekcionističkog djela, Fukasaku nasilje snima kao jazz dok prati vladajuću kriminalnu obitelj kroz godine - Često zaranjajući u neopravdane hiperstilizirane kutove i uređujući kako bi osigurao izbjegavajući učinak svoje kinetičke montaže. Iako mu nedostaje složeni razvoj karaktera, tematska razlučivost ili čak osnovni ukus - u njemu postoji nešto tako blistavo živo Bitke bez časti i čovječnosti da ga ne mogu ne voljeti. Svaki film dodaje posljednjima i zajedno predstavljaju zenit za populističko kriminalno kino u Japanu 70-ih. Malo se što moglo približiti.

47. Kwaidan (1964.)

Karakteristično dobro osmišljena antologija Horora Masakaija Kobayashija, Kwaidan je zaokupljajući zaron u tajnu i zlobu ostarjelih japanskih basni, srednjovjekovnih korijena odabranih groznih utvara i nezaobilaznih psovki J-Horrora. Neumoljivi nedostatak milosti ili predaha, sveprisutan na japanskoj uspješnoj horor sceni, dodiruje se ovdje majstorom, što rezultira vizualno raskošnim draguljem koji uspijeva udahnuti alarmantni novi život u inače zastarjele priče. Bez sjene je sumnje, najfinija antologija horora ikad napravljena: s nerazrijeđenim glasom izvrsnog filmaša koji je glasno i jasno zvučao da se J-Horora treba bojati. Desetljećima kasnije, još uvijek smo zarobljeni u njegovom groznom dohvatu.

46. ​​Tokio Drifter (1966)

Plamteći maverick Seujin Suzuki prokleti djelić pop art genija, Tokio Drifter odlazi poput vatrometa i daje svom stilskom rubu više nego što danas mogu tvrditi čak i Quentin Tarantino i Martin Scorsese. Vatreni utjecaj filma posebno obilježava njihovu montažu i pristup akciji - ne razlikuje se od načina na koji je Goddard neizmjerno pretjeran Bez daha nastavlja oblikovati način na koji režemo. Suzukijev se komad u mnogo manjoj mjeri uvlači u toliko okvira moderne kriminalne kinematografije, ali to je snažniji primjer stila koji rješava svaku potrebu za sadržajem: njegova puškara odvija se poput vatrometa sa zappy neonskim efektima koji plamte grimiznom slavom uz svaku tuču pucnjava. Napravio majstor koreograf na vrhu svoje igre- Tokio Drifter je pulp kino u svom najboljem uzbudljivom filmu. Električna i još uvijek velika bačva zabave.

45. Grob krijesnica (1988)

Na površini inverzna basnama univerzalne publike Hayo Miyazaki, časna ghiblian ikona Isao Takahata Grob krijesnica stoji kao jedna od najcjenjenijih animacija ikad napravljenih - uzdižući se s emocionalnom težinom koja se rodila zahvaljujući majstorskoj upotrebi medija. Slučaj: Grob krijesnica ne bi bio toliko univerzalno cijenjen ili čak zapažen da se rečenoj priči bavio na području stvarnosti. Takahatina leća je, međutim, nacrtana. Njegove slike ubrizgane su u eleganciju i nevinost indikativnu za djetinjstvo - onu koja savršeno komplimentira nedaće njegovih protagonista. Iako su neki sigurni da se pojavljuju kao prekidači, malo je filmova toliko vješto koristilo umjetnost animacije da bi graciozno naglasilo snagu svoje poruke. Osakaćujuće antiratni, Takahatini izrazito elegični vizualni prikazi počinju se sukobljavati s nadasve tužnom postavkom priče: puštajući dašak cinizma da pobjegne iz svog nepropusnog estetskog uporišta - iako to nema nikakve posljedice. Grob krijesnica je ukleto i često lijepo iskustvo ratnog vremena.

44. Samurajska trilogija (1954-55-56)

Izuzetan dio vrtoglave zabave, slasno privlačna populistička serija redatelja Hiroshija Inagakija orijentir je u stvaranju akcijsko-avanturističkog filma - i vrlo vjerojatno najfinija trilogija za ukrašavanje podžanra. Vođeni kao uvijek izvrsnom izvedbom Toshira Mifunea i obilježeni malim tragovima zrelosti, ponajviše na kraju prvog filma, Inagakijevi relativno uvredljivi i nekomplicirani narati poticaju se na jednako oštar i uzbudljiv dojam kinematografske akcije kao 1950-ih morati ponuditi. Njegov pokret kamere je uzbudljiv, usmjerava glumce žestinom i snagom koja trilogiji pomaže u prevladavanju suhih čarolija pripovijedanja uz dodatak uzbudljive sekvence mačeva. Na dramatičnom planu nije ništa posebno - ali može se pohvaliti dovoljno strašću prema zanatu i iznenađujućom duševnošću u svojim uspjesima koji opravdavaju tako visok plasman. Vitalno gledanje za ljubitelje avanturističkog kina.

43. Burmanska harfa (1956)

Izdvojeni članak Kon Ichikawe o japanskom vojniku kako se uvlači u zemlju koju je nekoć okupirao i pokušava pronaći mir u boli poslijeratnog svijeta, Burmanska harfa iznio je razumljive kritike zbog često otupljenog prikaza rata: Više plesnih voda i laganih poteza radnji nego punog, zamornog vremena. Paradoksalno, mislim da ono što pomaže Burmanska harfa prevladati ove probleme srce je iza njih. Unatoč svom kontroliranom pripovijedanju, Ichikawa kroz film plete lijepe slike, prikazujući svaku scenu na barem jednom uokvirenom stolu koji, doduše, doprinoseći statičnoj sofomoričnosti njegova usmjerenja, zapravo uspijeva prenijeti raspoloženje - ponajviše u slijedu u kojem je vođen smrću vojnike posjeku minobacači, a naš se junak budi usred krvavog mora leševa: nadahnutim hicima sličnima zapanjujuće uskom sastavu Rembrandta od bilo koje redovne ratne afere. Jednostavna je u određenom smislu, ali slabost nikada ne zasjenjuje kolektivni utjecaj koji Ichikawa osvjetljavajuća fotografija i čvrsta poniznost stvara.

42. Stranica ludila (1926)

Najraniji komad s ovog popisa, Stranica ludila glavna je tiha japanska kinematografija zbog svog odzvanjajućeg estetskog glasa: Komad koji je izvijestio o ludilu i čekinjavoj kreativnoj iskri koja pokreće najčudesnija djela njihove industrije i danas. Njegovom portretu azila nedostaje nijansa ili dubina nečega poput Titucutske gluposti ili čak čovječanstvo Let iznad kukavičjeg gnijezda u fiktivnom obliku - međutim, transcendentni put od ove prekretnice iz 1926. prošireno je uvažavanje japanske predratne kinematografije izvan dramatičnih titana poput Ozua, Mizoguchija, Yamanake i Shimizua. Ovo što imamo ovdje je izvor njihove još uvijek tekuće rijeke filmski izazovnih, stilski provokativnih i namjerno opasnih djela koja su tim fascinantnija s obzirom na ovu gomilu tragičnih umjetnika.

41. Skrivena tvrđava (1959)

Zloglasna mala franšiza Georgea Lucasa Ratovi zvijezda sagrađena je s leđa Skrivene tvrđave, a Nova nada ukrala je sve, ali se riješila iz ove iznimne pustolovne priče. Šteta je vidjeti kako se ovaj 'neslužbeni remake' izvukao s ubojstvom, srušivši Kurosawin udarac pod težinom njegovog kolosalnog slijeda - jer Skrivena tvrđava daleko je vrijedniji klasični pokret nego što bi Lucasova serija ikad mogla tvrditi da jest. Opremljen uzbudljivom akcijom, urnebesnom karakterizacijom i snažnim vizualnim štihom uobičajenim čak i najosmjerenijim naporima Akire Kurosawe. Sve to na umu, ne zamjeram Ratove zvijezda zbog ovoga - samo priželjkujte da je Kurosawin briljantni uradak održan u istom dahu.

40. Ljudsko stanje pt 2: Put u vječnost (1960)

Bitkom izgriženi komad epske trilogije Masakaija Kobayashija, Put u vječnost služi kao pozamašni japanski ratni ep koji odgovara bilo kojem Spašavanje vojnika Ryana , ako ne baš toliko opasno kao nešto poput Sama Fullera Onaj Veliki Crveni ili čak Čelična kaciga . Zadržava neurednu etičku opsesiju Ljudsko stanje 1. dio: Nema veće ljubavi ali uspijeva ga nadograditi visceralnim borbenim iskustvom i odmjerenim, dosljednim pristupom svojim likovima koji je podcrtan njihovim životom i smrću u smrtonosnom dijelu ljudske povijesti. Kao i u svakom slijedećem segmentu, Ljudsko stanje sve se više približava postizanju svog imenjaka i dok drugi dio ne ostvaruje tu ambiciju - barem pokušava. Više nego što možemo reći za većinu bilo kojeg filma tog vremena.

39. Herojsko čistilište (1970)

Odmah nerazumljivo, izražajno i vizualno zbunjujuće: Herojsko čistilište savršen je početnik za iznimnu filmografiju Yoshishige Yoshida-e. Njegova predivno vanzemaljska estetika često dezorijentira - svaki kadar savija naš odnos s prostorom, svaki dio usitnjavanja ne razlikuje se od franetičnog pripovijedanja Alaina Resnaisa nadahnutog sjećanjem - i u potpunosti iskreno čineći radnju Herojsko čistilište posebno iskreno teško i slijediti i razumjeti. Njegova fragmentirana tehnika pripovijedanja dodatno opterećuje želju manje otvorene publike za potpuno kohezivnim narativnim iskustvom, ali nedefinirani užitci koji se kriju u Yoshidinom iskrivljenom svijetu opravdavaju njihov presedan nad čvrsto strukturiranim linijama priča. Opisati Herojsko čistilište bilo bi nemoguće. Ne preporučiti je čisto zbog vlastite nemogućnosti - bio bi zločin.

38. Namjere ubojstva (1964)

Sumorni triptih Shoheija Imamure o Svinje i bojni brodovi, Namjere ubojstva i Pornografi pogodila je svoju neosporenu vrhuncu mrtve točke filmom koji s pogibeljnim detaljima promatra nevolju žene koja koketira između ponižavajućeg odnosa sa suprugom i ispaćene afere s njezinim silovateljem. Prvi susret potonjeg i prizor koji ga izravno slijedi lijepo su jezgroviti primjeri kako uzvišeno ružni imamurski svjetovi mogu biti i kako ljudski kontakt često može dovesti njegove likove do krajnosti koje bi mnogi mogli pokušati diskreditirati kao neprihvatljive. Zapravo, Namjere ubojstva okrutno, ali iskreno proučavanje ugnjetavanja i neke bolesne slobode kroz tjelesno izražavanje uspijeva odraziti jednako precizan portret bilo koga od nas u istoj situaciji kao i njegovi najbolji filmovi.

37. Atentat (1964)

Dvostruko izdanje Masahira Shinode 1964. godine predvidljivo je vidjelo dva najfinija filma koja je zemlja još proizvela, od kojih je posljednji bio Atentat . Svijetli primjer udobnosti u mjerilu, Atentat tka tematski neambicioznu dramu koja iz svoje jednostavne priče izvlači dovoljno za promatranje usred finih filmova na ovom popisu: Podjednako sjajno osvijetljen i fotografiran kao i bilo koji film sredinom 60-ih s akcijom preciznom i snažnom kako biste očekivali od staja Shinoda. Podcijenjena je mimikrija mentalnog stanja, dok se divlje glasine o cilju gase i ugušuju naokolo i tvore naraciju koja se naslađuje u trenucima nepredvidive nerazumljivosti - brzim prebacivanjem iz stvarnosti u prošlost kako bi ostavila i publiku i nekoliko zabrinutih grupa potencijalnih ubojice na rubu pobjede trijumfalne pobjede i sigurno smrtnog poraza.

36. Goli otok (1960)

Stoičko ispitivanje mirnog seoskog života Kaneta Shinda, Goli otok gotovo da ne sadrži govorni dijalog - fokus se u potpunosti prebacuje na njegove slike kako bi ispričao svoju priču ili, točnije, stvorio svoj _ osjećaj_. Shindoov ikonoklastički pristup stvaranju filmova dovodi do nekoliko lijepo rezonantnih slika tijekom njegove filmografije, ali dok slike Onibabe i Kuroneka pojačavaju svoju pripovijest u malim džepovima vizualne inspiracije - Goli otok čini 96 minuta osnovne fotografije. Tka se zajedno na način koji bi natjerao Bergmana da se zacrveni, njegujući raspoloženje i dopuštajući mu da procvjeta u nešto univerzalno i afektivno. Mir i nevolja s kojom se Kanetova mala obitelj s otoka svakodnevno suočava, gotovo poput neobično optimistične inverze Torinskog konja Béle Tarr. Ono što joj nedostaje u silnoj snazi ​​tog filma, Shindo se umjesto toga razvija u ritualno slavlje ljudske izdržljivosti i prirodnih ljepota koje takav napor može pružiti. Ljupko, prosvjetljujuće i nemoguće upijajuće malo iskustva.

35. Marka ubijanja (1967)

Ako bi spomenuti Sejiun Suzuki postigao svoj stilski vrhunac 1966. godine Tokio Drifter , film koji su njegovi producenti toliko osramotili da su prokleli njegove daljnje slike da bi smanjili proračun i ukinuli svaku šansu da koristi boju, a zatim Markirano da ubija postat će njegov kreativni zenit i savršen primjer umjetnosti kroz nedaće. Čovjekov elektrificirajući magnum opus, Markirano da ubija prati ugovornog ubojicu koji pokušava iluzirati još smrtonosnijeg atentatora dok se probija kroz legije goniča i romantiku groma. Zauvijek je oštar, a da ne gubi svoj pijesak, nesigurno seže na dramatičnije ambiciozan teritorij i još uvijek uspijeva spakirati postavke prepune bezličnih loša za našeg anti-junaka kako bi ga ubio na gomilu. Brendiran za Kill’s stil koji još uvijek uspijeva potražiti značenje, bez obzira na rezultat, ono je što ga obilježava iznad ostatka čopora.

34. Mač propasti (1966)

Stilski pilot akcijskog maestra Kihachi Okamoto za nažalost otkazanu trilogiju, Mač propasti ultimativna je kinematografska katarza. Riječ je o stručno koreografiranom prikazu zvjerskog mačevanja dok se vodeća legenda Tatsuya Nakadai sučeljava s Toshirom Mifuneom i beskrajnom gomilom bezimenih luđaka koji su svi vraški pokazali koliko titularno oružje može biti smrtonosno. Desetci padaju prije oštrice, ponajviše u veličanstveno nepromišljenoj, neriješenoj završnoj sceni, i premda je posvećenost pripovijedanju i karakteru u najboljem slučaju tangencijalna - atmosfera i redateljska bravura spašavaju je da ne postane samo još jedan aktualni kolut. Vrijedi progledati do gorkog, krvavog kraja.

33. Hausu (1977)

Kompliment koliko i netko može platiti čudan film jest taj što ostaje čudan. Mnogi od nas nazvali su nešto čudno jer smo neinicirani - samo da bismo ustanovili da to navodna neobičnost blijedi u usporedbi s kasnijim kinematografskim otkrićima. Takav je put našeg puta kroz film - kao i ovo vrlo dugotrajan način da se to izjavi Hausu je potpuno mentalno. Stalno uznemiren ponekad nadahnutim, često ridavim, ali uvijek suludim pozadinskim rezultatima i ispunjen prizorima školarki koje se bore s opsjednutim lubenicama, jedu ih klaviri ubojice i bježe od odvratnog fantomskog mačjeg pakla koji je prokleo svaku dušu koja prijeđe njegov prag. U osnovi je Ju-On ali sa samosviješću i vrtoglavom kreativnošću da se čitav put krene samo sa stilom - izlazeći iz pozadine mitos priče koja tako često umanjuje priče o ukletijim kućama s apsolutnom predanošću vrtoglavoj izmišljotini. Rezultat je slavna visoka peć zabave.

32. Ikiru (1951.)

Glumi portret starosti Akire Kurosawe, Ikiru teče kao čvrsta paralela s Ozuovim vlastitim radom na ljudima u zimskim godinama - gubeći svoj minimalistički smjer za Kurosawin daleko izravniji, intenzivniji rad. Rezultat je pun udaraca: Nekoliko scena liže se s kinetičkim povratnim informacijama isključivo snagom njihovih slika i tišinom ili zvukovima koji ih prate. Mislim da Kurosawin glas malo pridonosi iznimno snažnom kinematografskom kanonu o starenju i općenito ne uspijeva dosegnuti otkrivačke visine Divlje jagode ili Život i smrt pukovnika Blimpa unatoč njihovom komparativnom nedostatku kinematografske neposrednosti - no ništa od toga ne umanjuje zapanjujuću rezonancu AK-ovog rada ovdje.

31. Slijepa zvijer (1969)

Neusporedivo istraživanje senzualnosti i fizičke suštine, Slijepa zvijer prati odnos između slijepca i žene koju odvodi u zarobljeništvo, zarobljen u mukotrpno dizajniranom labirintu prekrivenom skulpturama ljudskog oblika - sa zidovima prekrivenim očima i usnama, dok je pod umrežen nepromjenjivim spletom udova. To je nadrealnost i intrigantna premisa nisu prozori u bilo kakvo uistinu gusto tematsko tlo, premda redatelj Yasuzo Masumura uspijeva eksternalizirati odnos požude sa čežnjom daleko bolje od dosljednog oštrice noža neuspjeha Nagise Oshime koja se često posklizne i nareže na sebe. Za više kontemplativnih djela o seksualnosti, Yoshishige Yoshida je bitan umjetnik - ali negirati Masumurinu potpuno jedinstvenu viziju ovdje bilo bi zločin - bez obzira na to što joj nedostaje. Umjesto toga, svoj film ispunjava prekrasnim scenografijama i bolnim osjećajima koji napadaju likove. Na stilskom planu, Slijepa zvijer apsolutno se vinu.

30. Ljudsko stanje pt 3: Molitva vojnika (1961)

Masakai Kobayashi porazno snažan zaključak njegove deset satne trilogije, Ljudsko stanje 3. dio: Molitva vojnika služi kao vrhunac svega što je Kobayashi tijekom cijelog vremena razvijao, jednaki dijelovi dojmljivi i pretrpani - kao i kod ostalih dijelova. Šteta je što serija nikada nije pobijedila mlitavu duljinu knjige, niti usiljeni humanizam koji povremeno može zaustaviti inače snažnu formu njezinog redatelja: Međutim, bez ovih ćutljivih trenutaka nikada ne bismo bili obdareni velikom zbirkom lijepo realiziranih scene koje su mogle samostalno napraviti remek-djelo. Molitva vojnika nije nježniji od svojih prethodnika - međutim taj osjećaj završetka visi nad Kobayashijevim djelom poput umorne zore željne da novi dan prihvati s obnovljenim zalihama u japanskoj filmskoj industriji. I visoki trijumf epske kinematografije i, što je još važnije, onaj posljednji korak kroz vrata slave koji su Kobayashiju pružili obilnu umjetničku slobodu u sljedećem desetljeću. Rezultat je, kao što ćemo vidjeti, više nego vrijedan nekoliko sati vježbanja & hellip;

29. Dvostruko samoubojstvo (1969)

Alarmantno jezivo istraživanje kreativnog procesa, Dvostruko samoubojstvo vidi drvenu lutkarsku predstavu postavljenu s namjerom da se njena dva vodiča okončaju oživljena - sjenovitim figurama koje se provlače kroz pozornice kako bi napredovale u svojoj lažnoj naraciji. Grozničavo zastrašujuća priča kada se fasada sruši, a njezini košmarni lutkari precizno izrade svoje sljedeće poteze - često preobražavajući setove zajedno s pomičnom kamerom Masahira Shinode kako bi stvorili grozno izobličen osjećaj za prostor. Izvan svog višestranog umjetničkog uređaja, radnja Dvostruko samoubojstvo relativno je konvencionalan i ne pronalazi nikakvo duboko tlo - ali to je možda ono što osigurava njegov uspjeh: Shinodino pažljivo ispipavanje u vlastiti kreativni blok dok se znatiželjne demonske ruke vuku za rubove njegove vizije kako bi je učinili preciznijom - kao i da joj izbaci iz kolosijeka namjere u potpunosti. Bili oni prikaz njegovih unutarnjih borbi ili radne snage, koju direktor ne uspijeva koordinirati - dvostruka umišljenost Dvostruko samoubojstvo nadilazi svoju osrednju basnu za kinematografsko iskustvo koje zaslužuje prvih 50 i više nego uzorno kolosalnih talenata Masahira Shinode kao filmaša.

28. Prsten (1998)

Dok donekle slično Ju-On guši se pod naponom vlastitog praznog vremena, Ringu ’s praznina je njezino najsmrtonosnije oružje. Prodorno more tišine redatelja Hidea Nakate prožima i napada svaku scenu u prolazu, ističući svaku buku pojačanim intenzitetom osobe podstaknute strahom koja pulsira od adrenalina - bez obzira koliko prizor bio prizeman. I tako relevantni brojači zvuka poput zvona telefona kroz tišinu beskompromisne žestine. Od toga se ne može pobjeći Prsten u bilo kojem kutku vašeg uma. Bez obzira gdje trčali - čim pritisnete play, samo produžujete neizbježno. Napokon, što može biti zastrašujuće od smrti koju potvrđuje naša vlastita neizostavna znatiželja?

27. Kuroneko (1968.)

Kaneto Shindo's Kuroneko osjeća se poput blistave fatamorgane kompozicija horor filmova rasutih zajedno za savršeno demonsku viziju apsolutne noćne more. Kompleksna moralna dilema koja tinja ispod površine svjež je pogled na one nezaustavljive duhove na koje su japanski horor mediji stavili od početka - kovajući unutarnju pripovijest koja prevladava grubost Shinodine ranije Onibaba oblikovati nešto posebno. Riječ je o zavodljivo snimljenom, estetski zanimljivom djelu koje premošćuje jaz između stvarnosti i zlokobne fantazije izrazito suosjećajnim okom - usprkos čekinjavom bijesu svojih podanika. Ne samo konačni J-Horor film - već i klasik svjetske drame kasnih šezdesetih.

26. Oduhovljeni gost (2001.)

Malo je načina na kojima se animacija može u potpunosti natjecati Oduhovljeni , barem u kreativnom smislu. Film je preopterećen zapanjujućim morem jedinstvenih dizajna i nezaboravnih izrađenih likova koji se svi gibaju i govore jednako izražajno kao vodeći. Detaljni svemir koji je Hayo Miyazaki uspio izraditi, po mom mišljenju uvelike nadmašuje karakteristično neobično pripovijedanje i tempo njegovog djela - nimalo različit od Akira u tome što skače naprijed i nazad u progresiji u slučajnim intervalima radi izbacivanja materijala drugog čina; premda bezvoljna opasnost Oduhovljeni nalazi se u tome što nam barem dopušta da se malo duže upijamo u njegove živopisne kreacije.

25. Smrt vješanjem (1968)

Pucao sam sitne male primjedbe na hvaljenu redateljicu Nagisu Oshimu na cijelom ovom popisu i razumijem infantilnost takvog stava: Ali to činim samo zato što je ovaj istinski talentirani filmaš toliko često utopljen u opsesivno prekomjerno seksualnu produkciju. Imamurin usporedivo suprotstavljeni niz ranih djela učinkovit je u svom temeljnom komentaru o ljudskim osjećajima - ali s Oshimom je tako malo toga prepušteno mašti da počinjem vjerovati da iza toga nema ništa frustrirajuće nesposobnog posla. To je, da kažem, s izuzetkom briljantno bizarne Smrti vješanjem iz 1968. godine. Priča o egzekutoru koji odbija umrijeti, Oshima koristi svoju surovu, ali unatoč tome pronicljivu leću kako bi istaknuo mnoštvo socijalnih problema, vladinih neuspjeha i ljudskih izraza - sve umotano u neprestano urnebesnu farsičnu komediju sa samouvjerenom filmskom autoricom što je češće prljavo kao što se Oshima prije činila tako udaljenom. Ni prije ni nakon toga uspio je parirati ovom nadahnutom pucanju na smrtnu kaznu, što je šteta - ali barem smo ga vidjeli da se vinu barem jednom.

24. Bjegunac iz prošlosti (1965)

Tomu Uchida's Bjegunac iz prošlosti je, jednom riječju: Iznimno. Preživjeli filmovi njegovog dovoljno kompetentnog redatelja jednostavno su neusporedivi s ovdje prikazanim djelima, govoreći s nekom vrstom nenametljive munje u boci, jer je Uchida nadarena upravo pravom pričom da ispuni svoje umjetničko obećanje. Bjegunac iz prošlosti gleda na nasilje i nanesenu tugu na način na koji malo filmova može mjeriti i pijesak vremena kako se slijeva, a sve više likova približava se božanskoj odmazdi našem protagonistu - jedinstveno izazovni lik oboje za ili protiv pokušava pobjeći od krvavog puta nasilja koji je prokrvio Japanom u ranim godinama. smatram da Bjegunac iz prošlosti je toliko jedinstveno moćan i čak možda dubok u svojoj rezoluciji da ne bih rekao ništa drugo nego, naravno, da ga vidim što prije.

23. Zamka (1962)

Zapanjujući debi Hiroshija Teshigahare, Zamka stapa žanrove sa samopouzdanjem i preciznošću ostarjelog majstora, a još manje redatelja koji je dosad radio samo dokumentarce. Iako se pomalo trudi održati svoju priču uvjerljivom punih 97 minuta - što Zamka ponuda nadmašuje sve probleme s njezinim narativnim izvršenjem. Poigravajući se našom percepcijom stvarnosti miješajući ubojice, fantome i nadrealne slike- Zamka je često zastrašujući jer mnogi njegovi likovi očajnički pokušavaju obraniti svog nezaustavljivog napadača: normalan čovjek odjeven u bijelo odijelo mašući lopaticom. Humanost Teshigaharinog groznog ubojice djeluje kao prvi od mnogih društvenih komentara koje njegova djela daju samo na sliku - nikada ne žrtvujući vrijeme ili vjerodostojnost guranju točke kući. Odsutni njegovih ljevičarskih sklonosti, Zamka zadržava svoju moć kao mučno kinematografsko iskustvo: Sadrži nekoliko šokantnih scena koje govore o jasnoći i zanatu Teshigaharine metode dok ubrizgava i najosobitije trenutke širokim spektrom emocija koje tako slobodno plešu okolo - dogovarajući se od humora do horora u otkucaji srca. Rijetki su prvijenci bili toliko pedantno svjesni karijere svog gospodara.

22. Tokio sumrak (1957)

Posljednji crno-bijeli film Yasujirōa Ozua, Tokio Sumrak cestarina kao kontekstualna elegija čovjekovih monokromatskih izleta, kao i možda njegova najmračnija značajka. Ozuov značajan odmak od vlastitog pravila od 360 stupnjeva da umjesto njega sjedne iza likova, njihova smrknuta lica zamijenjena nadasve praznom, hladnom kosom kose, majstorski je odmak od njegovog karakterističnog blokade i sastava za daleko mračniju aferu - jedan od njegovih odraza nepopustljivo stanje ključnih igrača. Tokio sumrak uzima znakove iz hollywoodskog noira sa svojim dugotrajnim sjenama i blatnjavim, nesavršenim pozornicama kako bi stvorio univerzalno nemilosrdan, u konačnici besciljni kinematografski svijet koji u svojim sumornim emocionalnim paralelama utječe na naše vlastito društvo, a ne nesrazmjernu distopiju koja bi sigurno s vremenom izgubila sjaj. Izuzetan, jako podkriveni dragulj.

21. Eureka (2000.)

Najduži pojedinačni film na ovom popisu, S’s Eureka proteže se na s- i osjećam da bi bilo neoprostivo otkriti bilo koju od njegovih radnji. Čak i za najbogatiju godinu u posljednjem kinematografskom sjećanju, Eureka još uvijek se svrstava među najfinije poteze 2000. i, zapravo, desetljeća u cjelini: Svečan, vizualno upečatljiv i jedinstven & hellip; japanski portret tuge. Samo u takvoj zemlji takva trezvenost i melankolija koja utječe na melankoliju mogla bi biti uparena s taktilnim tokom humora, lakoće i nesvjesno dobrodošlog apsurdizma - sve to utkano u uzdignuti tapiserin ljudskih osjećaja koji se jednostavno mora vidjeti. Ne čitajte nijedan sažetak - Ne gledaj u to - Samo vidi Eureka .

20. Osveta je moja (1979)

Redatelj Shohei Imamura vrhunska je figura nepristojne kinematografije. Njegovi mračni, oštećeni likovi i konfrontirano nabijene situacije artikuliraju bestidnu fascinaciju iskvarenosti ljudske duše. Osveta je moja transponuje Ryūzūo Saki-jevu priču o stvarnom serijskom ubojici Akiri Nishiguchi uz mučnu sofisticiranost: Predstavljajući duboko nasilno, sociopatno, a opet nepogrešivo stvarno ljudsko biće sa svim našim idiosinkrazijama umrežujući njegovo gnijezdo amoralnog uništenja. Imamurino koračanje doista se kosi s protokom, ali nalazim da u ovom slučaju priča odobrava produženo vrijeme izvođenja i na kraju donosi jedinstvenu metafizičku razrješnicu za takav brutalni rad - pozivanje vjetra i same zemlje na izrekli svoj posljednji sud.

19. Yojimbo (1961.)

U carstvu akcijskog kina, mali pucki za našim petama nam se jako sviđaju Yojimbo . Kurosawina umiljata upotreba lajtmotiva ubija oprugu u korak njegovih likova i djeluje kao i napetost u šatorima, kao i bilo koji Morriconeov rezultat. Oštre akcijske sekvence donekle su otupljene slabašnim dizajnom zvuka i uvažavanjem javne škripe - nešto treperi poput Mač propasti i Atentat nemaju problema - ali ono što daje u zamjenu je konstantno komično snimanje na bazi Red Harvest-Mifune, ispadajući klasičnu izvedbu koja curi fizičkom osobnošću i duhovitošću, djelujući kao kamen temeljac onog što je vjerojatno najfiniji akcijski film ikad snimljen.

18. Audicija (1999)

Audicija je film s grozničavo preciznom kontrolom vlastitog tona. Inače hit-and-miss Takashi Miike stvorio je svoje ime na plodnoj, povremeno plodnoj karijeri koja je dala život osnovnim klasicima poput Posjetitelj Q i Oko - ali malo o njegovu redateljskom stilu izvana prenosi samopouzdanje i akutnu vještinu potrebnu da se izvede nešto tako drsko izvitopereno kao Audicija . Daleko zreliji od bilo kojeg od njegovih okolnih djela, Miikeov opus brutalno učinkovito istražuje jednostavnu premisu: Krvari svaki nježni trenutak preslatko mračnom paletom i jezivim korakom koji svaku scenu postavlja na rub britve da nešto grozno pođe po krivu. Audicija predstavlja očaravajući vrhunac te beskrajno vrijedne japanske udobnosti uz žanrovsko snimanje filmova: Razotkrivajući svoju kristalno jasnu enigmu do transcendentalno šokantnog učinka. Vidjeti znači vjerovati.

17. Ran (1985)

Kurosawa najpoznatija Shakespeareova adaptacija - ako ona koja se u mom umu preda previše tla nadahnuću. King Lear je besprijekoran tekst, ali na ekranu zaostaje za tromim mljevenjem koje ne uspijeva povratiti zapanjujući osjećaj koji je prvih 85 minuta. Od početka do neshvatljivo dubokog slijeda opsade- Ran je remek-djelo: djelić kinematografske umjetnosti bez premca u Kurosawinom više nego impresivnom opusu - i nesumnjiva cipela za Top 10. Ali nakon ovog majstorski obrađenog nakupljanja i isplate Kurosawa nastavlja priču o kralju Learu na način koji prodire uz zamorno bezvoljnu i ravnu unatoč naporima savršeno izigrane negativke Lady Kaede. Prava je šteta što Ran ionako u mojim mislima rasipa toliko potencijala na vjernost - ali u najmanju ruku užareni plamen prvog poluvremena gori dovoljno svijetlo da osigura svoje mjesto u prvih 20.

16. Princeza Mononoke (1997)

Mračna fantazija Haya Miyazakija nikada nije bila posebno složena. Bilo koji film s porukom obično ga ne uspije prenijeti na sofisticiran način i kako je to lijepo rekao Orson Welles: 'Moglo bi biti napisano na glavi pribadače'. Tupa i eklatantna poruka Princeza Mononoke međutim, u srcu zvuči malo istinitije nego u umu. Miyazakijeva pažljivo konstruirana podjela između ljudi i čudovišta pokreće fascinantnu usporedbu s onim kako su drevni ljudi vidjeli naš svijet - i kako bi neizbježni krah njihovih civilizacija jednog dana mogao zrcaliti naš vlastiti. Mistika i mističnost njegovih likova srž je koja dopušta Mononoke nadići tradicionalno neustrašive zamke filmskih poruka - ubaciti njegov sveprisutni niz bez riječi, svaka akcija mu daje gravitaciju i na taj način pojačavajući filmski utjecaj onoga što se prikazuje na ekranu. Izloženi međusobni odnos govori o dubokom talentu Haya Miyazakija kao filmaša - i da je njegovo djelo više nego zasljepljujuća pobuna u kreativnosti.

15. Jesenje poslijepodne (1962)

Mislim da bih to mogao komentirati Jesensko popodne , bilo bi da izgubim dah koji sam već proveo istražujući film koji je Ozu snimio više od deset godina prije i koji je ovdje učinkovito prepravio kao svoj posljednji film. Jesensko popodne jednako je elegičan, suptilan i melankoličan - uspijeva razviti nekoliko koncepata iznesenih u prvom filmu i proširiti ih. Udaljava se od nekih elemenata originala kako bi se usredotočio na druge ideje - što omogućava rijetku priliku velikom umjetniku da utakne slične dubine u isti kalup. Ozu bi cijelu karijeru proveo snimajući vrlo slične filmove, a uspio bi svaki put iskopati nova područja ljudske interakcije, proizvodeći neke od najvećih filmova ikad snimljenih. Ostavljajući tako časno nasljeđe za sobom, čovjek je mogao završiti svoj trk kako je htio. Jesensko popodne je savršen blizu njegovog svjetlucavog opusa.

14. Prijestolje krvi (1957)

Maestralna adaptacija ako ju je ikad bilo , Prijestolje krvi uzima Shakespeareov neusporediv Macbeth i kova umjetnički tekst koji stoji sam za sebe. Kontrolirano, poražavajuće ljudsko spuštanje u ubilačku ludost Toshira Mifunea ostaje jedna od najboljih uloga čovjeka - a sam Kurosawa svoj film obilježava iznimnim slikama koje gotovo nisu na mjestu s redateljem razdvojenim od centralizirane ikonoklastičke prakse. Ipak je to slika Prijestolje krvi to ga čini tako masivnim. Tako zanosan i natprirodan. Klimaktički napad vidi jedan od najfinijih zaključaka o likovima koji su ikad stavljeni na film i cementira ga kao umjetničko djelo koje nekako u potpunosti zaobilazi impozantnu sjenu svoje roditeljske igre.

13. Tokio priča (1953)

Govoreći o znamenitostima iz 1950-ih, malo je filmova koji tako nepopustljivo vode vaše težnje filmaša kao Tokio priča . Svjetlucavi vrhunac besprijekorne filmografije Yasujirōa Ozua, uvijek u najboljem izdanju, to je film koji vježba razoružavajuće jednostavan filmski jezik za postizanje prodornih, intimnih efekata. Publika je sjedila s likovima - tihi voajeri obitelji koja polako isključuje iz svog života postupno ponižavajuću stariju generaciju. Ozu dopušta glas svim svojim likovima, sastavlja elegantne i dojmljive trenutke otkrića i samo jednom pomakne kameru tijekom punih 136 minuta. Ne postoji objektivni 'najveći' ili čak 'sjajni' film, ali onima koji odabiru što će gledati na temelju takvih stranica, moram dodati da Tokio priča je najbolje ocijenjeno djelo na Rotten Tomatoes, s nevjerojatnim prosjekom ocjena 9,7. Dovoljno je reći da je strpljiv, refleksivan pogled na život i dob neizmjerno je dirnuo mnoge i nalaže svakome tko čita ovaj popis da pokuša.

12. Požari na ravnici (1959)

Iz Kon Ichikawe, vjerojatno najzanimljivije humanističke figure poslijeratne japanske kinematografije, Požari na ravnici priča priču o jednom čovjeku izgubljenom usred izgubljene bitke u žaru Drugog svjetskog rata. To je film hrabar u svojoj samoći - koji prikazuje ratne situacije u praznom krajoliku odsutnom od života i vrvi prazninom straha, a svaki kut nosi još jednu odisejsku figuru koja treba ili pratiti ili uništavati našeg ogoljenog junaka. I, kao i kod Homerove epske pjesme, Ichikawa-in zahvat šire slike stvara gusto emotivan svijet, u kojem je naš junak dio zagonetke koji generali pokreću i motiviraju daleko od prvih crta bojišnice. To je film koji smrdi u svojoj izolaciji, nedostaje mu dom i tjera ga na amoralna djela terorom preživljavanja. Maestralni rad neobične, ali unatoč tome vitalne osobe u industriji 1950-ih.

11. Samurajska pobuna (1967)

Ključna snaga drame Masakaija Kobayashija je što joj dopušta da krčka, gotovo do greške. Njegovi pedantni sastavi i besprijekorno tempirane akcije kruže sve čvršće oko središnjeg sukoba - istiskujući svaki centimetar prostorije za disanje sve dok ne ostane samo potreba da se djeluje kao osnovno bogatstvo uvijek prisutnih ideala morala njegovih likova. U Samurajska pobuna , sam čin je pri ruci čak i nakon čitanja naslova, ali čovjek ga svira za svaku sekundu koja trpi sitne poteze prema prvom maču koji se izvlači prije nego što se konačno razriješi u gorkoj, brutalnoj i na kraju krvavoj aferi koja se nastavlja s nesmiljenim strogost Kobayashija nosi tako dobro: neusporedivu sposobnost obojeg konstruirati krajnju neizbježnost situacije njegovih likova, kao i suosjećati s njima na svakom koraku. Upravo u Samurajskoj pobuni ovaj selektivni humanizam doseže svoje najizazovnije visine - i oženio se kulminacijom karijere jednog od najvećih japanskih umjetnika.

10. Eros + masakr (1969.)

Od svih redatelja Novog vala koji su sinonim za psihoseksualnost, nitko se nikada nije poklopio s uzbudljivo uvjerenim labirintom vražje kreativnosti Yoshishige Yoshida-e. Suprotno tome, Oshima i Imamura samo se mlate na iste teme, jednu uvjerljivije od druge, a samo je Kiju uspio probiti srž njihovog egzistencijalnog promišljanja tako zapanjujuće kinematografskom bravurama. Ne-gdje je ovo očaravajuće ovladavanje psihoseksualnim narativom i estetikom koju priziva obilnije od one u Eros + masakr , Yoshidina epska prispodoba o avangardi u 215 minuta, neshvatljiva euforija vida, zvuka i opipljivog dodira ...

9. Moj susjed Totoro (1988)

Blistajući čarolijom djetinjstva, Moj susjed Totoro bezgranično je radostan film. Tek sam ga napokon otkrio u dobi od 18 godina, ali nevjerojatna ljepota i sposobnost čuda ponovno su me pozvali u mlađi um - ili možda samo manje ciničan. Često težak teret ljudskog iskustva ostavlja nas ili zahtjevnim eskapizmom ili žudnjom za kontinuiranim realizmom, ali ono što Totoro čini, što ga uzdiže iznad možda bilo koje druge animirane značajke ikad napravljene, potpuno ignorira želje svoje publike i predstavlja priču koja vam umjesto toga omogućuje da dođete do privlačan svojim bujnim vizualnim dizajnom, živahnim likovima i otkrivanjem skrivenog blaga prirode uz njegove vodice. Umjesto da privlači dijete kakvo smo nekada bili, Totoro si dopušta da iskoristi širi osjećaj avanture i nade uložene u dublju tajnu našeg planeta. Nagrada za takvu vjeru je svjetlucavi dijamant Japanimation-a: Svijetli, univerzalno pokretan i apsolutno najzanimljiviji.

8. Lice drugog (1966)

Sablasno epohalna dijagnoza modernog života kroz tiho uvježbanu metru mračne fantazije, Lice drugog istražuje iskustvo unakaženog čovjeka nakon što je njegovo čudesno novo lice počelo nadvladavati njegovu staru osobnost. Teshigaharino djelo uvijek je dovoljno nijansirano da se prikaže na dohvat ruke, dok tiho kandžira kosturnim prstima, a njegovo majstorsko djelo iz 1966. godine najbliže je otkrivanju njegove stvarne prirode: dovođenje redateljevih zloslutnih skladbi i oštrih horor slika u metropolu i pogled u urbani grad ponor s istom odvojenom vizijom koja je desetljeće kasnije tako živo oživjela Travisa Bicklea u Taksistu. Dio koji će iste godine parirati Personi i Pomrčini sekundi zbog izazovnog izazivanja želje, osobnosti i identiteta - Lice drugog vitalno je kino: Veliki trijumf Teshigaharine metode i djelo toliko čvrsto uvijeno u vlastiti besprijekoran ideja i atmosfere bilo bi kriminalno otkrivati ​​još neke njegove tajne. Pogledajte i sami ...

7. Rašomon (1950)

Jedan od mojih osobnih ulaza u svjetsku kinematografiju, Akira Kurosawa Rašomon postao je toliko sastavni dio kinematografske kulture da je pokrenut u jeziku kako bi se opisao psihološki učinak koji njegovi likovi nose: svaki od njih pruža proturječno svjedočenje o slučaju silovanja / ubojstva. Kurosawina vitalnost je u potpunosti prikazana, pionirske tehnike fotoaparata poput pucanja izravno u sunce i zakrivanje kroz nered lišća, tako da je svaki prizor u šumi bio apstrahiran kao i njegov kolega na sudu. Razoružavajuća jednostavnost Rašomonovo neodoljiva kuka zapleta rezultira prostorom za komentare o ljudskoj istini, moralu i bogato kinematografsko iskustvo koje sadrži Kurosawine čuvene pokazi bijesnog mačevanja. Dijalogu oko Rashomona nema što dodati, osim što se i dalje osjeća desetljećima ispred svog vremena. Može se samo zamisliti senzacija da ćemo to vidjeti 1950. godine.

6. Harakiri (1962)

Harakiri otprilike je jak kao i filmovi. Otvarajući otprilike toliko utjecajan kadar kako je netko mogao zamisliti, redatelj Masakai Kobayashi izrađuje fenomen koji ostaje jedan od univerzalno hvaljenih filmova svih vremena: Uvrštavanje među najsavršenije filmove na velikoj većini korisničkih web lokacija, unatoč onome što sam prvo imao pretpostavljalo se da je žalba slabila. To je mukotrpljivo strpljivo, zaobilazno nadahnuto istraživanje japanskog kodeksa časti - još uvijek trzave rane u poslijeratnoj 1962. godini kojoj Kobayashi prilazi ne samo kao zemljak, već kao čovjek. Svaka se kap krvi prolila Harakiri govori o umjetnikovoj mučnoj mržnji prema smrti i nasilju: gotovo kao da ga boli kad takvu brutalnost izloži na ekran. U današnjem svijetu takvo uvjerljivo ljudsko usmjerenje božansko je gledati i djeluje kao ključni kamen zaključka filma. Bez odanosti svih uključenih, Harakiri bio bi zaboravljen kao još jedna glumačka drama, dobro osmišljena, ali inače skromna. Harakiri danas sjedi ovdje jer je Masakai Kobayashiju stalo više nego što ste mogli zamisliti i mislim da ga, u svojoj oštroj, blaženoj eleganciji, smješta u središte najvećih filmova šezdesetih.

5. Sedam samuraja (1954.)

Najslavniji film koji je ikad izašao iz Japana, Sedam samuraja spalio je neizbrisiv trag na mediju i još uvijek ima korijene u akcijskom kinu današnjice. Kurosawina kiša prekrivena vrhuncem više fotoaparata ne pomračuje sasvim proročku dubinu opsade Ranova dvorca, ali nastavlja izvještavati o načinu na koji srezujemo sekvence akcija, čak i ako suvremeni urednici možda ne primijete da je to utjecaj. Daleko iznad njegove trajne kulturne moći leži uvjerljiva karakterizacija Sedam samuraja: Stvaranje čitavog svijeta bogatih likova potpomognuto strahovitim proširenjem Kurosawine metode na čak i najsitniji dio kako bi njegova vizija feudalnog Japana bila što obuzimajuća. Ovaj suštinski izrađen lončić maestralne akcije i svjetlećeg pripovijedanja rezultira osnovnim dijelom kina koji utječe, elektrificira i na kraju nam ostavlja hrabar i moćan filmski završetak kakav sam ikad vidio. Zaslužena glavna stvar u panteonu međunarodne kinematografije.

4. Blijedi cvijet (1964.)

Da nisu bile samo dvije riječi razbacane na popis sjajnih japanskih filmova, ime Masahiro Shinoda ne bi se uvuklo na deset metara od ovog popisa. Uzimajući u obzir njegov doprinos sjajnoj japanskoj kinematografiji, plačljiva je sramota - a misliti da je takvo remek-djelo gotovo izbjeglo istraživanje znači reći nešto o tome koliko filmova vani moli za ponovno otkrivanje. Hvaljen pri izlasku i tiho objavljen u kolekciji Criterion, Blijedi cvijet jedan je od najvećih kriminalističkih filmova svih vremena. Jednostavno promatrajući kockara i njegovu novootkrivenu ljubav kako padaju u spiralu degradacije i nepristupačnosti podstaknute očajanjem - ostaje jedan od najsmjelijih mračnih, vizionarskih djela koji se izmaknuo usnama japanskog Novog vala: onaj koji je ubojit od uokvirite jedan do kraja, a to daje jednako transcendentalan filmski efekt kao i svako manje ekstremno djelo Ozua ili Kurosawe. Shinoda nikada neće biti smatran jednim od velikana, barem od šire javnosti, ali nadam se barem da su ljudi natjerani da otkriju njegovo kino iz ovog lonca kriminalnog savršenstva: Djelo jednako sirovo i okovano kao prekomjerno stimulirane pretjerane kontrakulture, istovremeno istinski delikatne i kontrolirane kao bilo koji film koji sam ikad vidio. Njegova pedantna, čudesna i nesavjesno nadgledana. Popravi to.

3. Žena u dinama (1964.)

Ako Kiju Yoshida i njegovi Eros + masakr prvak je visoke umjetničke psihoseksualnosti - tada Hiroshi Teshigahara Žena u dinama je mitska u usporedbi. Prenesena iz proslavljenog izvornog romana dugogodišnjeg suradnika Kōbō Abea, Teshigaharina gotovo zlonamjerna metoda ovdje je i najbezobraznija i najmučnija suosjećajna. Prigušena svjetla potisnutog čovječanstva sjaje kroz pomični pijesak koji okružuje naša dva promišljena protagonista - ljude prisiljena na najprimalnije stanje bića zbog ogorčenog preživljavanja. Doista u Žena u dinama , elastičnost je podnošenje. Ništa nije sveto. Nigdje nije sigurno od okrutnih očiju gotovo sveprisutnih seljana koji osuđuju naše junake na svoju paklenu jamu. To je savršen koncept, besprijekorno filmski izveden od strane Hiroshija Teshigahare, kao i produciranje onoga za što bih tvrdio da je najučinkovitija partitura legendarnog skladatelja Toru Takemitsua. Okupljajući tri nevjerojatno samopouzdana umjetnika u istom duhu kao De Niro, Scorsese i Schrader u Vozač taksija - Žena u dinama je vlastiti, jednaki dijelovi ljudska i neizostavno zastrašujuća zvijer. Užasno, bitno umjetničko djelo.

2. Kasno proljeće (1949)

Kasno proljeće je otkriće moderne monotonije: Egzorcizam demona koje ovo mjesto i vrijeme zahtijeva ne samo da budu pod ključem, već i skriveni kao da ne postoje. Iako bolna želja za izražavanjem ovih strahota nikada nije u potpunosti razuzdana, u kutu svakog oka možemo otkriti između riječi svakog retka i često tiho zujati u središtu svake sobe. I tako za svijet tako površno zasićen zubatim osmijesima i nježnim melodijama - Ozuovim Kasno proljeće također gaji ozračje krajnjeg očaja: Strah da nas neće prihvatiti - da bi svaki izraz mogao dovesti do poraza i zato stazu najbolje nazivamo neopozivom, umjesto da riskiramo i stanemo nasred staza. Njegov temeljni kamen sukobljenih generacija vraća se u srž Kasno proljeće pažljivo obrađivana drama, ali mislim da ovdje, više od bilo kojeg drugog njegova djela (ili možda bilo kojeg filma koji su okolna desetljeća proizvela): Ozu je uspio pronaći savršen kraj. Doći do jasnog sažetka vaših tema i osjećaja vaših likova nije nimalo lak podvig, čak tim više što ćete pronaći trenutak koji se posebno srušio kao što je ovdje rođen, i zato predlažem svima u zamahu dramskog pisanja, režiranja, produkcije ili samo cinefilni štapići za kamate Kasno proljeće na vrhu njihovog popisa za nadzor. Vjerujte mi: sprat će vas.

1. Visoko i nisko (1963)

High & Low u biti je nemoguć kinematografski poduhvat. Proteže se nakon neuhvatljivog elementa s toliko konfliktnom jezgrom da se čini da nema što pronaći. Na površini mu nedostaje nijansirana, ali unatoč tome silna snaga Sedam samuraja, kao i sporo gori pakao koji bjesni u zastrašujućoj tišini na kraju Kasnog proljeća. Zapravo, High & Low kombinira oboje: gazeći tako usred svakodnevnih ljudi iz straha da ne naiđete na više bolesti, izopačenosti i ovisnosti - do više pohlepe i ljubomore i nemilosrdnog amorala oko toga što beskrajno curi iza svakog ugla ulice. To je film prestravljen onim što vidi u ljudskom stanju, nečemu što Kurosawu tako očito boli staviti na ekran - a njegova kolebljiva struja kreativne samorepresije osigurava mu časnu važnost. High & Low ima drskosti da se suprotstavi posve beznadnoj, banalnoj okrutnosti koja se skriva u svim našim srcima - koliko je cijeli svijet ružan i neodoljiv u svom zasićenju bezdušnim samoposluživanjem. Možda, napokon se okrenuvši i prepoznajući to, u tom procesu postanemo bolji ljudi. Sposobni shvatiti da se lijepo bojati, sve dok prihvaćate prisutnost neobjašnjivog. Nepovratno. Na kraju, jedina utjeha koju ćete ikada naći je oprost. Ako ćete se potruditi pogledati bilo koji film s ovog popisa: napravite ovaj.