100 najboljih filmova svih vremena

Alejandro Jodorowsky Prullansky, poznati čileansko-francuski filmski redatelj, pjesnik, dramatičar i skladatelj glazbe, jednom je rekao: Uvijek sam mislio da je od svih umjetnosti kino najcjelovitija umjetnost. Slažem se. Na više načina, kino je zapravo spoj svih drugih važnih oblika umjetnosti: slikarstva, pisanja i glazbe. Ne može biti slučajno da je kino ujedno i najmoderniji oblik umjetnosti. Uostalom, evolucija drugih umjetničkih oblika bila je neophodna da bi kinematografija nastala. Činjenica da ostaje najpopularnija umjetnička forma gotovo od trenutka kada je nastala govori vam i o njenoj snazi ​​i slabosti: lako je dostupna i stoga komercijaliziranija.

Imajući to na umu, s uzbuđenjem vam predstavljam popis The Cinemaholic’s 100 najboljih filmova svih vremena . Prije nego počnete istraživati ​​naš popis 100 najboljih filmova ikada snimljenih, podsjetimo se još jednom, da popisi po svojoj prirodi nikada nisu savršeni. Dakle, ne tvrdimo da je ovo Sveti gral popisa apsolutno najboljih filmova na svijetu. Ali ono što vas mogu uvjeriti je da je iza sastavljanja ovog popisa prošlo mnogo istraživanja. Razmatrane su tisuće filmskih naslova i raspravljalo se o svakom konačnom izboru. Siguran sam da će vam na popisu nedostajati mnogi od vaših omiljenih filmova. Mnogi od mojih favorita također nedostaju! Ali umjesto da budete frustrirani zbog toga, iskoristite ovu priliku da pogledate filmove koje niste gledali. Tko zna, možda na kraju otkrijete svoje nove favorite!

100. Cherbourški kišobrani (1964.)

Jacques Demy boji svoju romantičnu operu ublaženom, neumjerenom sofisticiranošću koja djeluje kao malo hipster. Ali ova boja nije samo ona na zidovima, odjeći i kišobranima. Također je na obrazima mlade djevojke koja je nemoguće zaljubljena dok prelazi ulicu kako bi pozdravila svog ljubavnika i njegovu odsutnost kada vidimo to lice u velu, mladu djevojku sada tuđu nevjestu. Boja ima i u načinu na koji ljudi pričaju, točnije, pjevaju jedni drugima. Ali njihovi lirski razgovori se ne rimuju kao većina pjesama. Kada je sve, od ljubavnih zanimanja do brige oko novca, prožeto nerazlučivom strašću, ne bi vam bilo od velike koristi da idete u ribolov zbog rime ili razloga. Dok su film i sva njegova melodična otkrića, potkrijepljena nezemaljskom glazbom Michela Legranda, srceparajuće romantični, sve odluke koje naši likovi donose, kao i sve u životu, definitivno nisu takve.

Za radnju tako zamorno poznatu, nakon što smo vidjeli da je temelj nebrojenih pop pjesama i sapunica, svaki kadar 'Šerbourških kišobrana', koji pršti melankolijom, primamljivo je svjež, čak nepoznat. To možete pripisati tome koliko su emocije iskrene i koliko je iskreno njihovo izražavanje. Djelujući u tako skromnoj mjeri kao što to čini, 'Kišobrani' vas uništavaju i najmanjim odsjajima. Bio sam zaprepašten koliki bi mogao biti utjecaj dvije prazne stolice, koje su jednom popunila dva ljubavnika. U Demyjevoj deliciji s ljubavlju marširamo u karnevalima ispunjenim vrpcama i konfetima, kitimo božićna drvca i darujemo jedni druge, slažući sve svoje osjećaje negdje u kutovima srca, jer koliko god teško podnositi nečiju odsutnost ili prošlost je zaboraviti, sve što možemo učiniti je živjeti u fantaziji današnjice.

99. Trainspotting (1996.)

Malo je teško objasniti filmofilima poput nas fanatizam 'Trainspottinga'. Došlo je u neko vrijeme, kada je stvarnost droge tek počela da se širi. Reklo bi se da je glamurizirala zlouporabu droga i u određenoj mjeri, to je istina. Činjenica koja je proizašla iz toga bio je pokušaj Dannyja Boylea da pokaže vrhunske i slabe strane zlouporabe droga, ne zauzimajući stranu. 'Trainspotting' je kultni film koji priča priču o četvero prijatelja i njihovom ljubavlju s ovisnošću. Nečuveno i bizarno jedine su dvije riječi koje to opisuju. Ovisnik o drogama koji želi biti čist, samo da posustane na svakom koraku zbog svoje najdublje želje da se naduva. Velikodušno predoziran humorom, film krajnjom ozbiljnošću pokušava podcrtati jednu činjenicu: Unatoč luksuzu koji život nudi, mladi ih s puno aplomba poriču. A razlozi? Nema razloga. Kome trebaju razlozi kada imate heroin?

98. Maturant (1967.)

Ah, dani mladosti! Bezbrižni i radosni. Zabava ispunjena bez razloga za brigu. Bez brige za prošlost koja je ostavljena i bez brige za budućnost koja tek dolazi. Benjamin Braddock vodio je ovaj bezbrižan život, nakon što je završio fakultet. A kad se konačno vratio u svoj rodni grad, tamo je upoznao gospođu Robinson. Plamen afere počinje gorjeti. Život se zaokrenut kad mladi Ben zamijeni seks za društvo. Postaje prevrnut kad se zaljubi u njezinu kćer. Film koji potiče na razmišljanje, u ruhu komedije, 'Diplomac' je jedan od najsmješnijih filmova ikada. S Dustinom Hoffmanom u glavnoj ulozi sadrži ikoničnu rečenicu - 'Gospođo Robinson, pokušavate li me zavesti?'

97. Dvostruki život Veronique (1991.)

Možda nijedan drugi filmaš nije razumio žene do tako duboke emocionalne dubine kao Krzysztof Kieslowski. Čovjek ih je jednostavno volio i to je pokazivao s takvom strašću i intimnošću da se ne možete ne osjećati oduševljeno njegovom sirovom emocionalnom snagom. 'Dvostruki život Veronique' mogao bi biti samo njegovo najveće umjetničko postignuće. Film govori o ženi koja počinje osjećati da nije sama i da postoji dio njenog života negdje u svijetu u drugoj duši. Veronique i Weronika dvije su identične žene koje se ne poznaju, a ipak dijele misteriozno intimnu emocionalnu vezu. Visoko stilizirana kinematografija Slawomira Idziaka oslikava film nježno melankoličnim osjećajem koji vas obavija i ne pušta. Postoje osjećaji i emocije koje teško možemo izraziti riječima, a film oživljava te neobjašnjive osjećaje zamišljene tuge i usamljenosti. 'Dvostruki život Veronique' zadivljujuće je umjetničko djelo koje prikazuje ljudsku dušu u svim njezinim prekrasnim slabostima i nježnostima.

96. Cinema Paradiso (1988.)

Mnogi ljudi gledaju na kino kao na uživanje, aktivnost dokolice, zabavu koja nema nikakve posljedice u životu. Ali ja, s vojskom gorljivih kinofila koji me gorljivo podržavaju, mogu s apsolutnim uvjerenjem izjaviti da je kino jednako potrebno životu kao što je život kinu. A 'Cinema Paradiso' je prekrasan, iako ironičan, način da izrazim svoju poantu. Uspješni filmski redatelj Salvatore se jednog dana vraća kući s vijestima da je Alfredo umro, nakon čega se vraća u svoj rodni grad na Siciliji 1950-ih. Mladi i nestašni Salvatore (nadimak Toto) otkriva trajnu ljubav prema filmovima što ga mami u seosku kino kuću Cinema Paradiso, gdje je Alfredo projekcijski snimatelj. Nakon što mu se dopadne dječak, stari buba postaje očinska figura za njega dok marljivo podučava Tota vještinama koje će biti odskočna daska za njegov filmski uspjeh.

Gledati Tota i Alfreda kako s poštovanjem razgovaraju o kinu i vidjeti kako Alfredo daje životne savjete kroz klasične filmske citate, prava je radost. Kroz Totovu priču o punoljetnosti, 'Cinema Paradiso' baca svjetlo na promjene u talijanskoj kinematografiji i umirući zanat tradicionalnog snimanja filmova, montaže i projekcije, dok istražuje san mladog dječaka o napuštanju svog malog grada i pohodu u vanjski svijet. Jedan od najboljih 'filmova o filmovima' ikada postojao.

95. Let iznad kukavičjeg gnijezda (1975.)

Jedno od onih rijetkih filmskih iskustava zbog kojih odjednom osjetite mnoštvo emocija. Djelomično je smiješno, u nekima podiže, a u nekima izravno razbija srce. To je također jedan od drugih rijetkih podviga u pojednostavljenom, učinkovitom pripovijedanju, govoreći o Randleu McMurphyju, kriminalcu koji u nadi da će izbjeći zatvorsku kaznu lažira da je psihički bolestan i izjašnjava se da nije kriv na temelju ludila. Po dolasku u mentalnu ustanovu, pobuni se protiv autoritarne medicinske sestre Ratched (koju glumi čelična Louise Fletcher) u klasičnom scenariju poredak i kaos. Film potvrđuje da doista ne postoji nitko bolji da glumi likove s udarcem i šarmom u jednakoj mjeri od samog Jacka Nicholsona, donijevši mu zasluženu nagradu Oscar za njegovu ulogu u filmu. Ono što počinje kao trajan i dirljiv film, eskalira do tragičnog, ali puna nade, nakon uznemirujućih scena koje uključuju samoubojstvo i elektrokonvulzivnu terapiju pacijenata. Film, međutim, nikada ne ispušta pažnju gledatelja i patos za likove na platnu, izazivajući iskrenu emociju i navijanje za ljudski duh koji zrači čak i pred neuzvraćenim autoritetom.

94. Pyaasa (1957.)

Prepun ideja društvenih promjena i zajedljivih komentara o dosadašnjoj zlobi i stigmama društva, 'Pyaasa' ne samo da je utjelovio zlatno doba indijske kinematografije već je bio i odraz samog indijskog buržuja. To je film koji ima suptilnu kvalitetu o sebi, gdje sve drske istine i oštre stvarnosti društva tinjaju ispod površine i čekaju da ih pozorna publika istraži i ekstrapolira. 'Pyaasa' je bezvremenski klasik ne bez razloga. Čak i nakon 60 godina od objavljivanja, ostaje relevantan u modernim vremenima, jer Indiju i dalje muče ista društvena prokletstva – korupcija, mizoginija, materijalizam – kojima se 'Pyaasa' izravno ili neizravno bavi.

93. Moderna vremena (1936.)

'Moderna vremena' je duhovit film sa snažnom porukom. Noseći Chaplinove zaštićene teme nade i siromaštva, ova se slika usredotočuje na štetne učinke strojeva i drugih oblika tehnološkog napretka na obične ljude, privlačeći u središte pozornosti tvorničkog radnika čiji život prolazi kroz mnoge obrate dok pokušava nositi se s novim svijetom. Iako je šala smiješna do suza, sve je sadržano u posudi tuge. 'Modern Times' koristi pametne, suptilne elemente da s vremena na vrijeme postavi važna filozofska pitanja. Vrhunac je jedan od najdirljivijih ikad, uključuje tužan oblik sreće i bez pravog odgovora ili rješenja. Ovaj film bi mogao biti Chaplinovo najbolje napisano djelo, a iznenađujuće je koliko su ideje koje su ovdje prezentirane i danas relevantne. Nakon što je nedvojbeno izdržao test vremena, put kojim Modern Times dijeli svoja razmišljanja vjerojatno je najbolji aspekt ovog kinematografskog trijumfa.

92. Tanka crvena linija (1998.)

Povratak Terrencea Malicka filmskom stvaralaštvu nakon 20 godina pauze obilježila je ova zadivljujuća ratna drama koja istražuje, ne rat, već emociju borbe protiv rata. Film je istinski malikovske prirode s više naglaska na vizualima nego na priči, dopuštajući vam da upijete u doživljaj. Genijalnost filma leži u Malickovoj viziji da vidi ljepotu u nečemu mračnom i krvavom poput rata. Potreban je apsolutni genij da se nešto tako brutalno i krvavo kao što je rat pretvori u takvo hipnotičko iskustvo koje nadilazi ratnu stvarnost i umjesto toga dopušta vam da se upijete u emocije njegovih likova. To je tako impresivno iskustvo koje traži od vas da osjetite ljudska bića iza oružja i bombi. To su devastirane duše poput nas, koje žude za nježnim dodirom, propuštaju toplinu daha svojih ljubavnika i žena dok se moraju nositi s najružnijim stvarnostima daleko od njih. 'The Thin Red Line' je jednostavno iskustvo kakvo nije imalo; onaj koji se mora vidjeti, osjetiti i razmisliti o njemu.

91. Blade Runner (1982.)

Završni rez 'Blade Runnera' Ridleyja Scotta, vjerujem da je najveći distopijski film ikada snimljen. Iako je Metropolis sporan izbor, treba promatrati neautentične vizuale povezane s njemačkim ekspresionističkim filmom. 'Blade Runner' je, s druge strane, više nego savršen u izgradnji svijeta koji pati od financijske nejednakosti, buma stanovništva, nedostatka bilo čega prirodnog jer se ovdje ne može vjerovati čak ni mesu. Svjetlucava rasvjeta je kontekstualno prirodna, jer je to elektronički svijet i Jordan Cronenweth ga koristi slično kao i svakodnevne svjetleće objekte u film noiru. Iako možda ne postavlja tako dalekosežna pitanja kao 'Odiseja u svemiru', ali nas tjera da se zapitamo sanjaju li androidi električne ovce.

90. Fargo (1996.)

Nasilan, smiješan, topao i brutalno intenzivan, 'Fargo' je jedan od najboljih američkih filmova 90-ih i jedna od najvećih kriminalističkih drama ikada snimljenih. Film govori o čovjeku koji unajmljuje dvojicu muškaraca da mu otmu ženu i iznude novac od svog bogatog tasta. Briljantna uporaba crnog humora braće Coen prožima film toplinom koja filmu daje vrlo osebujan ton. Taj majstorski spoj komedije, drame i nasilja čini 'Fargo' tako nezaboravnim filmskim iskustvom. Taj prekrasni početni snimak Minnesote prepune snijega, prelijepo nadopunjen zadivljujućim rezultatom postavlja ton filmu i uspostavlja osjećaj duboke tuge koji leži ispod nasilja i humora kojim je film prepun. Frances McDormand očito je zvijezda filma i krade seriju, prikazujući trudnu šeficu policije uhvaćenu u svijet zla i brutalnosti, ali uspijeva pronaći svjetlo i nadu. 'Fargo' je emocionalno sirov, brutalno intenzivan, dražesno smiješan i bolno realističan komad čistog kinematografa.

89. Eraserhead (1977.)

'Eraserhead' je udžbenički komad o atmosferskom hororu. Pričajući priču o čovjeku čudne kose koji sam pokušava podići nekakvu obitelj, ovaj film se svake minute sve više pretvara u nadrealnu noćnu moru. Koristeći zvuk i krupne planove za pružanje osjećaja klaustrofobičnog straha i usklađujući to s radnjom koja nema smisla na prvo gledanje, debi Davida Lyncha pokazao se jednim od najboljih redatelja, što je samo po sebi velika pohvala. Ono što 'Eraserhead' radi jest stvara distopijski svijet – poprskan ružnim zgradama i mehaničkim napravama umočenim u zlobno crno-bijelo – i ubacuje u njega likove koji su manje-više zbunjeni svojim okruženjem. Iako je shvatiti značenje ove slike gotovo nemoguće, moramo shvatiti da to nikada nije namjera. 'Eraserhead' stavlja u umove svoje publike osjećaj potpune nelagode, koristeći i vizualne i nadrealni stil, te pronalazi način da manipulira njihovim mislima. Samo je nekoliko slika tako lijepo strukturiranih, ali nedvojbeno prijeteće kao ova, a to je nešto što bi samo netko poput Lyncha mogao izvesti.

88. Dječaštvo (2014.)

'Dječaštvo' je dragi podsjetnik na prošle godine nesputane radosti, nepokolebljivog optimizma i brbljave nevinosti. Oslanja se na izvlačenje ljepote, radosti i emocija iz običnih života ljudi, a ne iz bilo kakvog pojačanog čina drame (kruh i maslac za većinu filmova). Fascinantno je vidjeti kako se iz scene u scenu mijenja ne samo tjelesnost likova, nego ćete primijetiti i transformaciju u njihovoj modi, frizuri, glazbi i općenito pogledima na život. 'Dječaštvo', na način na koji to čini vrlo malo filmova, nadilazi granice kinematografije i postaje maleni dio našeg vlastitog postojanja i iskustva. Linklater nas ponovno podsjeća zašto je najbolji u poslu kada je u pitanju pričanje jednostavnih priča o običnim ljudima.

87. Dani neba (1978.)

Evolucija Terrencea Malicka u potpuno kontroliranog, autoritativnog filmskog vizionara jedna je od najvećih stvari koja se ikada dogodila američkoj kinematografiji. Iz njegovih ranih radova jasno je da je očajnički želio iskočiti iz konvencionalnih granica kinematografije. Filmovi poput 'Badlands' i 'Days of Heaven' imali su naizgled jednostavne naracije, ali to su bili filmovi koji su pokušavali biti nešto više. Nešto više od same priče. Iskustvo. 'Days of Heaven' to postiže sjajnije od 'Badlands'. Mnogi ljudi često su kritizirali film zbog njegove slabe priče. Ne bih mogao reći da su potpuno pogrešni, ali priča, ionako, nije najvažniji aspekt filma. Malick ovdje koristi vizualnost filma koja stavlja naglasak na raspoloženje priče, a ne na samu priču. Njegove namjere nisu da vas učini emocionalnim koristeći tešku situaciju likova, već da vam omogući da ih promatrate, osjetite ljepotu krajolika i miris njegovog mjesta. A stvoriti takvu vrstu visceralno dirljivog iskustva nije ništa drugo do čudo.

86. Grob krijesnica (1988.)

Potresan, dirljiv film koji je jednak u svakom aspektu kojeg se možete sjetiti, s ostalim akcijskim filmovima uživo koji ističu ratni plijen. Ovaj japanski animirani film usredotočio se na užase Drugog svjetskog rata fokusirajući se na živote braće i sestara, slomio mi je srce na način na koji nijedan drugi film nije uspio, i nastavio je gaziti po komadima do samog kraja. Budući da je ratni film, on također čini čuda na ljudskom frontu, lijepo shvaćajući i razvijajući nježni odnos između Seite i Setsuko u suočavanju s nedaćama koje je bio Drugi svjetski rat. Poruka je glasna i jasna. Nijedan rat se istinski ne dobiva, a sva slava koja donosi pobjede je također popraćena naricanjem nevinih života uništenih u ratu. Pohvalio bih filmu jer nije otvoreno emocionalno manipulativan u tjeranju nas da navijamo za njegove likove; ali nemojte zabuniti, njegovo moćno i beskompromisno stajalište o ratu i travestijama koje je proživio braće i sestre sve će vas dovesti do jecajućeg nereda. TAKO je tužno. S obzirom na to, ne postoji drugi način na koji bih to imao. To je savršenstvo, u svom srcuparajućem obliku.

85. Manhattan (1979.)

Romantika u filmovima Woodyja Allena oduvijek se osjećala bolno istinito i depresivno realistično unatoč izvrsno potresnom smislu za humor kojim ih je obavio. Dok je 'Annie Hall' i dalje njegov najhrabriji film, 'Manhattan' djeluje kao zrelije djelo, umjetnički. U filmu Allen glumi dosadnog, zbunjenog Njujorčanina, nedavno razvedenog, koji izlazi sa srednjoškolkom, ali se na kraju zaljubi u ljubavnicu svog najboljeg prijatelja. Allen je malo ublažio humor za ovaj film kako bi nam omogućio da uistinu osjetimo tugu koja obuzima njegove likove što ga čini tako emocionalno iscrpljujućim iskustvom. To je samo duboko potresan portret narušenih odnosa i manjkavih ljudskih bića koja se bore sami sa sobom i svojim postojanjem, očajnički tražeći sreću koju nikada ne bi prepoznali i postigli. I upravo ovo slatko delikatno, potresno shvaćanje ljudskog stanja čini 'Manhattan' tako moćnim filmom.

84. Marketa Lazarova (1967.)

Beztjelesni krajolik iz snova češke ikone Františeka Vláčila, Marketa Lazarová, jednostavno je jedno od najnevjerojatnijih umjetničkih djela koja su izašla iz 20.^thstoljeća. Njegov avangardni pristup filmskom jeziku jedva se uklapa u granice tog često prokletog obrta fraze - jer je nešto više. Zadivljujuća fuzija vida i zvuka, nesputana konvencijama, strukturom ili bilo kojim pisanim pravilom, razulareni kinematografi su tijekom godina nabacivali filmsku formu. Za usporedbu, sve ostalo izgleda tako strogo kontrolirano - tako neprirodno i izmišljeno u izvedbi. Marketa Lazarová je sirova, visceralna i zapanjujuće dinamična. Ukratko: jest besplatno – pravi vrhunac mogućnosti istraživanja svakog inča filmskog medija. Zbog toga je među najboljim filmovima ikada snimljenim.

83. Singin’ In The Rain (1952.)

Singin’ In The Rain je najvažniji mjuzikl zlatnog doba Hollywooda. Nemoguće je zaboraviti sliku Gene Kellyja kako pleše uz uličnu svjetiljku, kada govorimo o sjajnim trenucima u kinu. Film ne samo da na divan način slavi vlastitu vještinu, već i prelazak kina od vizualnog medija do rezonantnog i poticajnog medija. Monumentalno postignuće u kinu Technicolor, Kellyin redateljski trud u početku su na zabavan način odbacili kritičari i publika. Vjerujem da relevantnost ovog klasika raste iz dana u dan, kako je jaz između vremenskih razdoblja obuhvaćenih filmom (stvarni i reel život) i sadašnjosti sve veći. Gubimo dodir s važnom erom, a ovaj film vas preplavljuje svojom nostalgijom.

82. Ne gledaj sada (1973.)

Vrlo je teško pronaći vizualno umjetničko djelo koje je hipnotično kao 'Ne gledaj sada' Nicolasa Roega. Na mnogo načina ovo remek-djelo je poput groznog patuljka na kraju. Prelijepo je obložena ekstatičnim bojama, ali skriva najgori dio života: smrt. Bez obzira na to koliko je Sutherlandov lik učinkovit, vjerujem da je ovo film vođen emocijama, jer Roeg potragu za izgubljenom ljubavlju stavlja na konačnu priču. Gotički temelj vrlo je moćna naprava za uzvikivanje važnosti veza na koje se oslanja, očinske i obiteljske ljubavi, kao i za davanje nejasnog oblika duhovima koji opsjedaju protagonista. Neka mjesta su poput ljudi, neka sjaje, a neka ne.

81. Klub boraca (1999.)

S vremena na vrijeme stigne umjetničko djelo koje definira psihu generacije. Što se kinematografije tiče, 50-e su imale 'Buntovnika bez razloga', 60-e imale su 'Diplomca', a 70-e 'Američke grafite'. Pa čak i dva desetljeća kasnije, 'Klub boraca' kao rukavica pristaje zamišljenom, nezadovoljnom etosu naše generacije protiv establišmenta. Poput mnogih sjajnih filmova, 'Klub boraca' je vrlo podijeljen i može se filozofski tumačiti na mnogo različitih načina - neki smatraju da on definira suvremenu muškost, dok drugi misle da veliča nasilje i nihilizam.

U osnovi je triler, film je ispričan iz POV-a neimenovanog protagonista koji pati od nesanice i nezadovoljan svojim monotonim poslom koji se susreće s naglim sapunačem po imenu Tyler Durden. Durden i protagonist uskoro pokreću podzemni 'Fight Club' kao način na koji nezadovoljni članovi društva iskažu svoj bijes. Ali ubrzo su Tylerovi planovi i pripovjedačevi odnosi izmaknuli njegovoj kontroli, što je dovelo do eksplozivnog vrhunca (doslovno!)

Uz vražji stav koji propagira, 'Fight Club' je također obilježje nekog asa smjera suvremene legende Davida Finchera. Tmurna paleta boja, oštra montaža i uglađena kamera nadahnuli su hordu mračnih trilera koji prate film. Prelomni film iz 1990-ih.

80. Prije zalaska sunca (2004.)

Evo istine o ljudskoj evoluciji koju vam nitko neće reći: čovječanstvo će uskoro izgubiti umijeće razgovora. Tehnološki napredak ima veliku nuspojavu: ljudi su sve manje zainteresirani za pravi razgovor - jer imaju tehnologiju iza koje se mogu sakriti. I upravo zbog toga će serija prije izdržati desetljećima koja dolaze. Niz filmova koji govore o dvoje ljudi u pravom razgovoru rijetkost su i za ovu generaciju. U budućnosti se takvi filmovi uopće neće snimati. Zato će se buduće generacije sa strahopoštovanjem i čuđenjem osvrnuti na trilogiju Prije. I neću se iznenaditi ako trilogija nađe svoje zasluženo mjesto ne samo u povijesti filma nego i u knjižnici svake filmske škole.

Među tri filma Prije, 'Prije zalaska sunca' ističe se jer je srcedrapajuće najljepši. Film koji je inherentno o najjačoj ljudskoj želji: želji da budete s nekim s kim biste mogli provesti ostatak života. Ako dobro pogledate, 'Prije zalaska sunca', u konačnici, postaje ogledalo, gledajući u koje, možete procijeniti vlastite odnose: Gdje ste pogriješili? Tko je zapravo bio taj za tebe? Koje ste prilike propustili? Što je moglo biti? To je jedan od najrjeđih rijetkih filmova gdje će vaše vlastito životno iskustvo obogatiti i nahraniti vaše iskustvo s filmom.

79. Matrix (1999.)

Genijalna, pametna ideja koju su na ekranu prikazali Wachowskijevi, rezultirajući filmom koji je mnoge gledatelje natjerao da postanu oprezni prema stvarnosti u kojoj su se našli. Istina je, jednom kad je 'Matrix' snimljen, više nije bilo povratka, promijenio se stvari. Ne samo da je film probio nešto novo u svojoj priči, već je također revolucionirao način na koji su znanstvena fantastika i akcijski filmovi zamišljeni nakon toga. Uspjeh 'Matrixa' kao filma također leži u tome kako se majstorski petlja između tema uključujući filozofiju, egzistencijalizam, pa čak i religiju, sve vrijeme noseći krinku akcijskog i znanstveno-fantastičnog filma. Neova sposobnost da manipulira simuliranom stvarnošću za izvođenje naizgled nemogućih podviga i korištenje vremena metka, akcijska tehnika koja je sada samo ikona, doprinosi domišljatosti filma. Žanr je možda prenatrpan sada, ali kada je prvi izašao, može se reći da publika nije vidjela ništa slično.

78. Sedmi kontinent (1989.)

Nazivanje 'Sedmog kontinenta' Michaela Hanekea horor filmom zvuči mi vrlo pogrešno, ali tako ga naziva većina ljudi koji su ga gledali. Teško je raspravljati s njima, jer gledanje ovog filma ostavlja osjećaj beznađa, potištenosti i straha. U vezi s obitelji koja mrzi svijet i život općenito, ovaj klasik iz 1989. zauzima hladan i distanciran stav kako bi dodatno izolirao trojicu igrača od ostatka društva, što polako, ali sigurno uzrokuje da se publika duboko osjeća kao svoje postojanje uzima mračni zaokret. Budući da je jedan od najuznemirujućih filmova koji je ikada krasio filmska platna, Hanekeov debitantski komad izruguje se gledatelju i nikad ga ne pušta. Ako ga publika naziva horor filmom, onda to radi misleći na strašni film koji nije nalik ni jednom drugom. Prekriven dvosmislenošću i realizmom, Sedmi kontinent je osobno, intimno i zastrašujuće prepričavanje istinite priče koja vas ostavlja u tišini, jer barem nekoliko minuta nakon što završi, ne možete izgovoriti niti jednu riječ.

77. Zodiac (2007.)

'Zodijak' nije vaš konvencionalni triler; spora je i više se fokusira na raspoloženje i likove nego na radnju. Postoji aura koju David Fincher toliko gradi da možete osjetiti ugođaj filma u kostima. To nije film koji će vas ostaviti sretnima kada završi. To je također film u kojem loš momak pobjeđuje, a dobri gube. I zato je tako dobro. Ne samo dobro, već moderno remek-djelo. Kad vas film uspije trzati puna dva i pol sata i ostaviti da razmišljate danima, mora da ima mnogo stvari kako treba što ne rade rutinski snimljeni trileri. Po meni, ‘Zodijak’ je Fincherov najbolji film, gdje on svojom disciplinom i rasponom vještina pokazuje zašto je ponekad manje više.

76. Magnolija (1999.)

'Magnolija' je nedvojbeno daleko najosobnije djelo Paula Thomasa Andersona. Histerična vibra koju Anderson unosi u film unosi određenu emocionalnu fluidnost u melodramu koja je tako nevjerojatno zarazna i katarzična u svojoj energiji. Radnja filma se u potpunosti odvija u dolini San Fernando s različitim međusobno povezanim likovima koji prolaze kroz različite faze u svojim životima, boreći se s vlastitim unutarnjim demonima i emocionalnim sukobima. Anderson voli te ljude, poznaje ih i razumije, ali ih bez isprike predstavlja ono što jesu; potpuno naga ljudska bića, sirova i čista, koja se suočavaju i prevladavaju svoje najdublje strahove i slabosti. Ono što 'Magnoliju' čini tako posebnom je to što je to film koji toliko govori o svom redatelju. Dajemo nam pogled u Andersonov život, mjesto kojem pripada i ljude u njegovom životu. Toliko je Andersona u cijelom filmu. Film poput 'Magnolije', da ga je režirao bilo koji drugi filmaš, osjećao bi se zastarjelom i izgledao kao proizvod svog vremena, ali s Andersonom to samo doprinosi privlačnosti filma.

75. Rosemary's Baby (1968.)

'Ružmarinina beba' mračno je, uvrnuto umjetničko djelo koje se igra s nevinošću kako bi izgradilo osjećaj užasa. U vezi sa ženom koja doživljava komplikacije tijekom trudnoće, film ide potpuno svježim putem sa svojom radnjom dopuštajući ritualnim elementima da igraju glavnu ulogu. U ovom filmu ima toliko toga za voljeti, počevši od dobro napisanih likova pa sve do udaljenog mračnog okruženja koje okružuje svaki incident koji se dogodi. U cijeloj slici uvijek postoji osjećaj napetosti, a to je djelomično zahvaljujući tihoj, dugotrajnoj kinematografiji izvedenoj usko Polanskijevim rediteljskim stilom. Mia Farrow ovdje igra najbolju ulogu u karijeri kao Rosemary Woodhouse, žena koja postaje slabija dok se bori s bolovima koji dolaze s nošenjem djeteta. Sveukupno gledano, malo tko se podudara s atmosferom koju je uhvatio ovaj film, a način na koji se uvlači u vašu kožu je zapravo nešto drugo.

74. Dobar, loš i ružan (1966.)

Zanimljivi likovi koje glume legendarni glumci, neobuzdana, brutalna puškarska akcija, zabavna glazba i intenzivna kinematografija – treći dio trilogije 'Dolari', za koji se kaže da je rođenje špageti vesterna, je popustljiva, zadivljujuća, zabavna kino u svom najboljem izdanju. Blondie or No Name (The Good), profesionalni revolveraš i Tuco (The Rugly), traženi odmetnik, stvaraju nevoljnu odanost kada svaki od njih sazna važan detalj o zalihi zlata koju je sakrio odbjegli saveznik. kojeg je Anđeoski oči (The Bad), ubojica, ugovorio da ubije. Putovanje trojca čini srž zadivljujuće radnje koja završava klasičnim zapadnjačkim pogledom. Clint Eastwood kao Blondie je slika mačizma, Lee Van Cleef kao Anđeoske oči personificirano je zlo, a Eli Wallach kao Tuco dodaje kompleksnost karaktera impulsa i bijesa jednostavnijim, ali upadljivijim glumama Dobri protiv zla dviju većih zvijezda. No uzde su zauvijek redatelj u rukama Sergia Leonea - on koristi široke dugačke kadrove i intenzivnu kinematografiju izbliza kako bi stvorio napetost u postupku. Film koji definira žanr, Quentin Tarantino, jedan od najvećih eksponenta modernog vesterna, nekoć nazivan Najboljim režiranim filmom na svijetu.

73. Putujući igrači (1975.)

Predugo je intimni, delikatno sastavljeni ep Thea Angelopoulosa bio poznat malom broju filmskih entuzijasta, a možda ga je cijenio još manje. Njegovo veličanstveno, postupno podizanje kinematografskog spomenika našem ezoteričnom, zagonetnom odnosu s vremenom razumljivo nije za svakoga. Ali za znatiželjnike među nama, poznato je da pruža utjehu, daje mudrost i daje percepciju koja pomaže u pronalaženju konstanti za koje se mogu držati u ovom univerzalno i okrutno dinamičnom svijetu. Među mnogim stvarima koje ovaj film dobiva ispravno je njegovo netaknuto razumijevanje otkrića u priči o 'Orestesu'. Mitologija povezana s tragičnom figurom zarobljena je poniznošću koja umno otupljuje, a ipak nas film uspijeva prenijeti kroz svoju gipku viziju do melankoličnog, dugotrajnog pogleda na Grčku sredine 20. stoljeća. Njegova vremenska elegancija opravdava promatranje povijesti stajanjem uz trupu: izvana prema unutra. Skloni ste osjetiti njezinu grubost i razmišljati o njenom stvaranju. To je rijetka antifašistička lekcija iz povijesti jer nam nikad ne govori što da mislimo. To nam samo pokazuje što trebamo osjećati. Angelopoulos i snimatelj Giorgos Arvanitis stavljaju nas u mjesta koja zaustavljaju srce i ispiru ih razornom zlobom tog razdoblja. 'Putujući igrači' je skroman, rijedak dragulj koji se čini kao da je spašen s ulica prepun nereda i preživio izgladnjivanje. Jednostavnije rečeno, mi to ne zaslužujemo.

72. Cache (2005.)

Michaela Hanekea često optužuju da se uvijek bavi sumornim pričama. Ta je karakterizacija potpuno nepravedna jer ono što on u biti čini je pružanje humanih uvida u tamu koja nas sve obavija, kako naše pogrešne percepcije vode do mučne izolacije i kako naše zablude smanjuju naše šanse da prevladamo spomenutu izolaciju. 'Caché' nije samo masivni, zapaljivi dokument koji ukazuje na opakost masakra na rijeci Seini 1961. i našu nečovječnost kao društva, već i poetski univerzalna studija karaktera. Georges, naš protagonist, doživljava život i njegovu prisutnost kao društvenog bića u iskrivljenom osjećaju radosti. On bježi od udobnosti povjerenja i komunikacije s drugima. Uživa u svojoj otuđenosti, baš kao što otuđuje mnoge koji mu je tako drag. Time se Haneke ruga generaciji koja želi ostati sama. Njegova kamera je na trenutke neobično udaljena, baš kao što su mnogi od nas u odnosu na našu okolinu. Ali pod njegovom kontrolom, moramo se suočiti sa svojom nepristojnošću, svojom nepažnjom, svojom stvarnošću. Jedan od najizazovnijih kinematografa koje ćete ikada vidjeti.

71. Duh košnice (1973.)

Španjolski majstor Victor Erice snimio je samo tri dugometražna filma prije nego što je otišao u mirovinu. Još uvijek živi i danas, njegovi filmovi poput El Sura, Quince 'Drvo sunca' i posebno Spirit of the Pčelinjak, njegov neodredivi debi, tjeraju nas sve da poželimo da još uvijek snima filmove. Parabalna priča o dvoje djece, jedno istražuje svoje postojanje s nevinom, često zbunjujućom fascinacijom, a drugo opsjednuto filmom 'Frankenstein' koji se igrao u njihovom lokalnom kazalištu. Njegov mistificirajući portret španjolskog srca ostavljen je u primamljivoj dvosmislenosti zbog Ericeove karakteristično neutralne režije - rijetko se upuštajući u filmsku metodu u korist tihog promatranja. Rezultirajući rad je zbunjujući, zadivljujući i ostavit će vas da se zapitate o intrinzičnoj enigmi samog života: o njegovim neodgovornim pitanjima, njegovim velikim misterijama i njihovoj zbunjujućoj neprobojnosti. Da vas ostavim potpuno uništenim ili neusporedivo dirnutim, nema sumnje da će za bilo koju krajnost 'Spirit of the Pčelinjak' biti važno iskustvo.

70. Svi predsjednikovi ljudi (1976.)

Watergate. Jedna riječ koja je spustila zavjese na predsjedništvo Richarda Nixona i natjerala ljude da shvate da se čak i osoba visokoga predsjednika može spustiti na najmanju moguću mjeru kako bi obavila svoje stvari. Dok su predsjednikovi prijatelji bili zauzeti pospremanjem nereda koji je stvorio, dva su novinara shvatila da je to. Unatoč prijetećim prijetnjama, oni su neumorno radili, tragali i za najsitnijim tragovima, a s vremena na vrijeme dovodili su u opasnost sebe u procesu kako bi ljudima donijeli činjenice. Temeljeno na istoimenoj knjizi, koju su napisali novinari, Bob Woodward i Carl Bernstein, 'Svi predsjednikovi ljudi' pronicljivo je promatranje onoga što bi pravo novinarstvo trebalo biti. Režirao ga je Alan J Pakula, film je nominiran za osam nagrada akademije, na kraju je osvojio tri i usputno izgubio najbolji film od 'Rockyja'.

69. Vojska sjena (1969.)

Mislim da je izvrsna točka za usporedbu za novopridošlice u radu Jean-Pierrea Melvillea onaj Stanleyja Kubricka. Obojica prakticiraju ekstremnu tehničku preciznost i odišu apsolutnim povjerenjem u svakom kolutu posla koji su izložili tijekom dugih i kreativno unosnih karijera. Uz to, jeftina, ali izazovna pritužba koju svatko može uložiti američkom redatelju je njegova 'bezdušnost'. Prazan prostor ljudskog izraza. Takav nije slučaj s Melvilleom. U 'Army of Shadows', Melvilleovi likovi gore gorkom iskrom očaja koja čini da svaka njihova akcija curi ljudskošću. U smrtonosnom svijetu ratnog pokreta otpora, jedan pogrešan potez može rezultirati potpunim uništenjem i upravo s prethodno spomenutom gracioznošću i virtuoznom kontrolom nad svojim kinom Melville šije sjeme potpuno vjerodostojnog, uvjerljivo mrtvog svijeta. 'Vojska sjena' jedno je od najtiših, najintrigantnijih i najmonumentalnijih djela koja su izašla iz francuske kinematografije - a propustiti tako kriminalno zanemareni klasik značilo bi sebi učiniti ozbiljnu medvjeđu uslugu.

68. Sjaj (1980.)

Svojom adaptacijom klasika Stephena Kinga, Stanley Kubrick je 1980. godine stvorio film koji je redefinirao horor žanr. Ovdje se ne rađaju samo priča ili likovi. Okruženje i način na koji je snimljena čudesno pomažu u dopuštanju da napetost koja otupljuje um prodre u umove publike. Film prati Jacka Torrencea, novoimenovanog domara u hotelu Overlook, i njegovu obitelj dok provode razdoblje potpune izolacije u tajanstvenoj zgradi. Zadivljujućim izvedbama i izvrsnom kamerom, Kubrick osigurava da sadržaj filma potone duboko u našu podsvijest. Način na koji manipulira zvukom i atmosferom je apsolutno nevjerojatan i stvara za nezaboravna dva i pol sata od kojih se kralježnica ledi. Svijet 'The Shining' je prekrasno taman, čvrsto vas steže za ovratnik tijekom cijelog trećeg čina koji oduzima dah.

67. Kineska četvrt (1974.)

Postoji film noir i neo-noir, a točno između njih dvoje sjedi Jake Gittes, uredno odjeven s oštrom fedorom kako bi pohvalio taj osmijeh na njegovom licu. Iako veliki obožavatelj Polankija, uvijek postoji nešto što ne odgovara krajnjem proizvodu njegovih filmova. Osim Kineske četvrti. Ovo revolucionarno remek-djelo ne samo da je stvorilo identitet za sebe, već ga uvijek gledaju filmaši koji posuđuju njegov stil kako bi stvorili identitet za svoj film. Polanski je mađioničar na djelu, vara nas prepoznatljivim vodećima, kao i klasičnim noir tempom i postavom. Ali onda dolazi posljednji čin Kineske četvrti, koji tako brzo ruši svaku konvenciju koja je izvorno bila vezana uz slične misteriozne filmove, da ostajete s neodoljivim osjećajem šoka i očaja. Njegov neuspjeh da pobijedi Godfather II i dalje me zbunjuje, ali nakon pola stoljeća ljudi su zaboravili Siciliju, ali nikad Kinesku četvrt.

66. Sotonin tango (1994.)

Ispovijest broj jedan: Gotovo nikad nisam vidio prostrano, veličanstveno remek-djelo Béle Tarra. Pretpostavilo bi se da bi me zaintrigirao njegov status favorita svih vremena filmofila i izvanredna reputacija koju je stekao među američkim umjetničkim krugovima i među nekim od najinformiranih filmskih kritičara diljem svijeta. Ali golema njegova trajanja (oko 432 minute) i tempo poput lorisa u kojem sam toliko uživao u Tarrovim 'Werckmeister Harmonies' djelovali su zastrašujuće. Ispovijest broj dva: 'Sátántangó' sam vidio, prvi put, u jednom dahu. Bio sam hipnotiziran njegovim pragmatičnim osjećajem za stvarni svijet i njegovim strpljivim, razboritim osjećajem za kino. Više je promatrao nego što je odražavao i više razmišljao nego što je davao uredno oblikovane izjave. Njegov mitski, sumorni realizam bio je predobar da bi bio istinit i previše brutalan da bi se mogao realizirati s takvim okom za ljepotu.

Sve što sam želio učiniti do kraja bilo je zatvoriti sve svoje prozore i obaviti se u tami jer mi je film bio poput onog luđaka u crkvi i njegovo je zapomaganje imalo previše smisla. Ispovijest broj tri: Ushićen sam što mogu izvijestiti da su mi 'Sátántangó's pronicljiva društvena i politička promišljanja počela biti jasnija jer sam im se više puta vraćao. Ljeto provedeno u gutanju romana Lászla Krasznahorkaija, koji služi kao izvorni materijal za film, bilo je posebno nezaboravno. Sve što sada mogu učiniti je nadati se da ću nastaviti ubirati dividende ove sretne nesreće.

65. Egzorcist (1973.)

'Egzorcist' Williama Friedkina savršeno je režiran. Čovjek je ozloglašen po nestalnom putu u karijeri u kojem se klasici slažu s shlockom (i često se dvije skupine ukrštaju radi nekih fascinantnih istraživanja kinematografske besramnosti). Sa svojim najboljim filmom, Friedkin je odlučio snimiti dramu koja je slučajno bila o opsjednutosti demonima: šivanje patetike za svoje složene likove i visceralno prevođenje teksta originalnog autora Williama Petera Blattyja zarobljenog između vjerovanja i osakaćenja sumnje. Krajnji rezultat dvaju prekrasnih umjetnika koji rade na vrhuncu svoje igre kako bi isporučili svjetlucavi klasik američke kinematografije: onaj koji pomračuje gotovo svaki film u svom žanru (osim možda nesvjesno užasnog 'Wake in Fright' ili slučajno obilazak Tobea Hoopera -sila Teksaški masakar motornom pilom ). Jednostavno zapanjujuće.

64. Suspiria (1977.)

Jer u svojim snovima ulazimo u svijet koji je potpuno naš - J.K.Rowling. A što ako je jedan od najizvrnutijih umova kinematografije odlučio poprskati svoju podsvijest na komad filma. Smatra se da Suspiria Darija Argenta prkosi kinematografskoj logici svojom čudno strukturiranom pričom. Ali vjerujem da je to neoekspresionističko remek-djelo koje hvata pravu bit kinematografije, a to je da se osjećamo istinski, istinski živima. Argento shvaća vrijednost prostora i stoga pokazuje veći fokus na kinematografiju i scenografiju, koji su dominantni stanovnici njegova filma. 'Suspiria' ne predstavlja samo Argentov stil već i cijeli talijanski horor, žanr koji je potaknut estetikom umjetnosti.

63. Čovjek je pobjegao (1956.)

Besprijekorno precizan i nadahnjujuće ekonomičan, oh tako rijedak jabuka Roberta Bressona pogodila je 'Čovjek je pobjegao' iz 1956. Vrhunac čovjekovih živih moći kao filmaša, prati pokušaje francuskog agenta otpora Fontainea da pobjegne iz sve opasnijeg nacističkog zatvora i pronalazi smisao u svakom pojedinom kadru. Od zapanjujuće ljudskog prikaza glavne uloge Françoisa Letterriera koji nije glumac, čiji su potopljeni obrazi i ispucale oči tako uvjerljivo izražavale poraznu težinu života u ratnom vremenu, do Bressonovog minimalizma koji uspijeva njegovati žarku prisnost između publike i rekao je očajnički muškarac: Od čestih POV-a i elegantnih kompozicija koje nisu pretjerivale tehnikama, Bressonov okolni rad se ponekad utopio. Ne bih odrezao niti jedan kadar - i stoga film služi kao apsolutno vitalan način edukacije za nadobudne filmaše: Slikati nešto tako živo i gusto, a da se uopće ne osjeća nadmoćno.

62. Ubiti pticu rugalicu (1962.)

U ovakvim vremenima, nema boljeg filma od 'Ubiti pticu rugalicu' koji bi objasnio neonacistima pravo značenje kaste, vjere i rase. Smješten u vremenske okvire rasno podijeljene Amerike, Afroamerikanac biva optužen da je prekršio skromnost bjelkinje. Na vrhuncu rasnih nepravdi, kada sud pun bijelaca laje za njegovu krv, svodi se na jedan čovjek koji će se boriti protiv njegovog slučaja. Jedan bijelac, po imenu Atticus Finch. Hrabro se borio da iznese činjenicu da su svi ljudi stvoreni jednaki na sudu, bili obojeni ili ne. Njegovi napori su uzaludni, jer je sud proglasio čovjeka krivim. No ono što gledatelju ostaje u pozadini je lekcija koju Atticus Finch usađuje u svoju djecu. Odnosno, 'nikada stvarno ne razumiješ osobu dok ne razmotriš stvari s njezine točke gledišta'. Temeljen na istoimenom bestseleru Harper Lee, 'Ubiti pticu rugalicu' jedan je od najboljih filmova svih vremena.

61. Stražnji prozor (1957.)

Ono što razlikuje remek-djelo triler filma od uobičajene kanalizacije koja se redovito gomila na nas je to što u potonjem zaokreti stižu u trenu, oslanjajući se više na naš šok nego na istinitost obrata koji stvara utisak. Ali u filmovima poput 'Rear Window', sitnice vidljive iz vremena profesionalnog fotografa L.B. Jeff Jeffries gleda kroz svoje stražnje staklo kako se nakuplja kap po kap sve dok ne poplave, zbog čega bezazleni Jeff posumnja da je muškarac koji živi preko puta dvorišta počinio ubojstvo. Hitchcock majstorski koristi svoju kameru poput iluzionističkih alata kako bi svoje gledatelje držao napetim, zavaravanim i nagađajućim sve do zapanjujućeg otkrića. Kroz Jeffovo opsesivno uhođenje subjekta koji ga zanima, Hitchcock komentira zablude voajerizma, koliko ono može biti primamljivo i sumornost usamljenog urbanog načina života koji ga vodi. Još nevjerojatnije, to je komentar o gledateljevom voajerizmu koliko i Jeffov; kao što smo zarobljeni Jeffovim zarobljenošću. Gledati kad se ne promatra je opaka radost; Hitchcock to zna, divi mu se i privlači nas time.

60. 4 mjeseca 3 tjedna i 2 dana (2007.)

Neki filmovi vas dirnu; neke vas nasmiju; neki ti slome srce. ‘4 mjeseca, 3 tjedna i 2 dana’ spadaju u posebnu kategoriju filmova: onih koji vas čine tjeskobnim i nervoznim. Kao što ste i pretpostavili, takvi su filmovi vjerojatno najrjeđi među rijetkim vrstama. Film prati dvoje prijatelja koji pokušavaju organizirati pobačaj u brutalnom Ceausescuovom komunističkom režimu u Rumunjskoj. Visceralan i beskompromisan, film vas hvata za vrat i nikad vas ne pušta. Gledanje ovog filma je kao da doživite mučan osjećaj koji imate kada nervozno čekate da netko od vaših najmilijih izađe iz operacijske dvorane nakon operacije. To nije samo realistično kino u svom najboljem izdanju; to je također jedan od filmova koji će vam najviše promijeniti živote koje ćete ikada vidjeti.

59. Prošle godine u Marienbadu (1961.)

Film Alana Resnaisa 'Last Year At Marienbad' iz 1961. je najbliže što smo dobili vizualizaciji sna, i to je učinjeno na što je moguće čudniji način. Glazba koja zauzima pozadinu za većinu izvođenja djeluje kao sedativ koji publiku dovodi u uspavano stanje. Unatoč tome, prilično je nemoguće odvojiti pogled od ekrana, jer se kroz sliku događa toliko toga, iako je samo malo prikazano. Volim razmišljati o 'Prošle godine u Marienbadu' kao film zamišljen iz podsvijesti, zbog svoje repetitivne i zbunjujuće prirode. Likovi su zbunjeni i bizarnim svijetom u koji su stavljeni. To je zreo i sofisticiran komad, a ja smatram da je srž radnje – koja uključuje muškarca i njegov odnos sa stranom ženom koju se jasno sjeća da je upoznala godinu prije, iako se ona ne sjeća istog o njemu – vrlo impresivna, originalna, strastvena, romantična, iz snova i naravno, briljantna.

58. Divlje jagode (1957.)

Jeste li ikada bili na putovanju na kojem nemate ništa bolje nego gledati kroz prozor? Neko vrijeme gledate u pogled izvana, prije nego što vam navale misli i ono što je vani sada je samo predložak – više ne zadržava vašu pažnju. Tako se događa s Isakom Borgom, protagonistom Bergmanovog klasičnog raspoloženja koji je našao svoje mjesto na bezbrojnim listama najboljih filmova svih vremena, uključujući i onu koju je sastavio Stanley Kubrick 1963. On putuje sa svojom snahom kako bi dobio diplomu doktora Jubilarisa iz njegove alma mater. Ne sviđa joj se i planira ostaviti njegovog sina. Ali našeg profesora, kojeg glumi sjajni Victor Sjöström, budućnost ne zanima. Njegove misli i kao posljedica toga, film, katapultirani brojnim ljudima na koje naiđe na svom putovanju, bacaju svjetlo samo na njegovu prošlost. Gledano kroz Bergmanov praštajući, siguran objektiv, njegova su sjećanja jednostavna, poznata i ljudska. Oni ne veličaju njegov život niti odbacuju njegova postignuća. Neuredni su, kao i većina naših i namjerno iskrivljeni. Kad konačno stigne na mjesto gdje mu je dodijeljena čast, shvaćamo da mu nagrada nikada nije trebala. Dobio ga je već u onim jagodama koje je skupljao sa svojom mezimicom iz djetinjstva, trgovcem koji ga se sjećao, teškim odnosom sa suprugom, dobrim i lošim, otkupiteljskim i neoprostivim. Kao i mi, u obliku ovog tajanstvenog, neobjašnjivo dirljivog filma.

57. Pravila igre (1939.)

Genijalna, zajedljiva komedija ponašanja Jeana Renoira uspijeva se održati iznenađujuće dobro nakon svih ovih godina, a pritom ostaje razigrana i opsjednuta kao i uvijek. I kritičari i publika su ga izbjegavali u vrijeme njegova objavljivanja, što je rezultiralo time da je Renoir nakon katastrofalne premijere izrezao značajan dio filma – dio koji je uglavnom sadržavao lik Octavea, kojeg je glumio sam Renoir. Nije iznenađujuće što je od tada porastao. Film je, u svom lukavom, autoritativnom žongliranju s likovima, temama, tonovima i ambijentom, uvijek ludo zabavan, ali nikad manje marljiv ili manje raskošno izrađen od najboljih svjetskih kinematografija iz tog razdoblja. Njegovi skrupulozno iskovani vizuali pulsiraju sofisticiranošću, ali trud se nikad ne vidi i film ostavlja zjapeći u čudu koliko ste bili duboko upleteni u njegovu vješto izgrađenu atmosferu. Snimatelj Jean Bachelet i Renoir igraju se kamerom na način koji filmu daje prozračnost, ali njihova je neumoljiva kontrola ono što ga čini konstantno intrigantnim pothvatom. Ako sve ovo nije dovoljno, trebali biste znati da je Alain Resnais jednom rekao da je film bio najnepovoljnije iskustvo koje je ikada doživio u kinu. Bilo bi teško pronaći sjajniju preporuku.

56. Treći čovjek (1949.)

Film-noir je žanr povezan s filmovima koji raskošne mračne uličice, tajnovite, zavodljive likove, osjećaj misterije i kremasto crno-bijelo za sve to. Iako su mnoge od ovih slika intrigantne i nude dobar provod, malo tko proba nešto inovativno i drugačije. Treći čovjek jedan je od najvećih film-noir ikad snimljenih, jer iznimno dobro priča svoju zapanjujuću priču, koristeći impresivne nizozemske nagibe, upečatljivo svjetlo i prekrasnu glazbu. Film ima veze s čovjekom i njegovom samostalnom istragom o ubojstvu njegova financijski dobrostojećeg prijatelja. Radnja od Treći čovjek obrubljen je romantikom, crnim humorom, preokretima i neizvjesnošću. U suštini film se može nazvati slatkom ljubavnom pričom, ali uz sve ostalo, ta zaljubljenost je prepuštena sumnji. Odigravajući majstorski napisan scenarij, magnum opus Carol Reed je onaj koji vas drži na rubu sjedala sve od svog skromnog, lakomislenog prvog čina do kraja koji bi mogao biti najpametnije finale bilo koje vaše slike' ikada vidjeti.

55. Plakovi i šaputanja (1972.)

Tragična obiteljska drama Ingmara Bergmana bavi se tugom koja je i besprijekorno očajna i grozničavo hitna. Nije strpljivo građena scena po scena i isporučena na pladnju do kraja. Natjerani ste da to udahnete od samog početka filma koji glavne igrače i njihovu okorjelu, zapaljivu tugu upoznaje s prekrasnim krupnim planovima koji njihovu zagušljivu nelagodu čine zorno vidljivom. Sve je to prekriveno nemilosrdnom obiljem crvene boje, u obliku grimiza kojim su oslikani zidovi kuće u kojoj se priča odvija. Bergman nas čini svjesnim smrada smrti koji okružuje žene s tako impozantnim smjerom da stvarna smrt nije razlog za uzbunu. Ženska inherentno nasilna čežnja učinila je sve u filmu proganjajućim, krvlju natopljenim sjećanjem u mom umu. Dosljedno fascinantni vizuali Svena Nykvista ublaženi su Bergmanovim suptilnim pisanjem i maestralno proživljenim glumačkim izvedbama. Čini se da sjajna Liv Ullman zbunjuje i oduševljava svaki put kada je kamera na njoj, dok su nepovjerljive Ingrid Thulin i Harriet Andersson toliko neokaljane u svom poslu da je invazivno doći u kontakt s njihovim osjećajima. Bergman nam ne daje jasne ideje koje bismo ponijeli kući, ali nam uskraćuje sve druge senzacije osim onih koje doživljavaju njegovi likovi. Pitamo se dokle ide njegov pristup našim emocijama i on ga proširuje na svakom koraku. U konačnici, 'Plaču i šaputanju' ne treba vjerovati, to treba živjeti.

54. Bilo jednom na zapadu (1968.)

Možda je to Morriconeova zastrašujuća partitura ili možda vizija Dellija Collija koja je ogromna poput Zapada ili možda nepokolebljiva tvrdoća koja vrvi u očima Bronsona i Fonde, a možda je to kulminacija svih ovih aspekata u gotovo svakom kadru maestra Sergia Leonea . Ako vam treba vestern koji ima i ljepotu Johna Forda i nemilosrdnu divljinu Sama Peckinpaha, onda jednostavno nema nikoga blizu Leonea. U svom magnum opusu postiže ono što mu je trebalo prije 3 filma, da stvori mistični svijet usred ničega. Iako na površini možda nema ničega duhovnog, film ima bogove. Bogovi sportske krune napunjene s 10 galona baruta i šljunkom koji gutaju s vodom. Također, izbor Henryja Fonde kao antagonista vjerojatno je bila odluka tog desetljeća, jer njegove ledeno plave oči nisu bile slične ničemu čemu je Zapad ikada svjedočio.

53. Annie Hall (1977.)

Nitko ne može tvrditi da razumije zbunjujuću, sveobuhvatnu enigmu koja je ljubav poput Woodyja Allena. I nijedan film Woodyja Allena nije ni blizu da ga prikaže u njegovoj pravoj, čudnoj slavi od ove priče o Alvyju Singeru, neurotičnom, nihilističkom komičaru u New Yorku koji se zaljubljuje u 'više od ljubavi' u šašavu, poletnu, veselu Annie Hall i zatim ispadne iz njega. Film također istražuje rodne razlike u seksualnosti kroz Alvyjev i Annie 'Jin i Jang' odnos. Na kraju, čak i Alvy prihvaća ljubav kao iracionalnu, ludu i apsurdnu, ali nužnu u životu. Korištenje više inovativnih narativnih tehnika, kao što je improvizirano razbijanje četvrtog zida, brza izmjena prošlosti i sadašnjosti kroz glatke rezove, prikazivanje u podnaslovima kako se Alvy ili Annie osjećaju dok zapravo govore nešto posve drugačije, i dodavanje ' priča u priči' kao vrhunac, podignite već zanimljivu priču. 'Annie Hall' je vjerojatno prva istinski modernistička romansa na celuloidu i nadahnula je generaciju romantičnih komedija umjesto nje. Ipak, nijedna nije tako šarmantna kao ona koju žele oponašati.

52. M (1931.)

Pojava tehnologije za snimanje glasa, fenomena za koji je masthead označavao 'The Jazz Singer' iz 1927., dovela je do apsurdne zasićenosti dijaloga u filmovima. Tehnologija je uzeta zdravo za gotovo kao izravna nadogradnja, a ne kao alat koji se koristi u sprezi s ustaljenim filmskim jezikom. Fritz Lang, čovjek koji je svoju karijeru započeo u nijemom kinu nizom maestralnih djela uključujući Destiny, Dr. Mabuse the Gambler, Die Nibelugen i iznimni Metropolis. Njegova migracija na zvuk dosegla je vrhunac u 'M' 1931. - filmu koji je, suprotno svim okolnim izvorima, uklonio gotovo svu ambijentalnu buku. Rezultat je tihi talki s izrazito beživotnom atmosferom: onaj koji tako učinkovito podupire njegovu priču. Priča o kojoj je riječ pogađa dijete ubojicu i nesposobnost njemačke vlasti da ga uhvati – formiraju vlastiti sud za klokane kako bi kaznili ubojicu. Ono što Lang ovdje komunicira je nevjerojatne zrelosti u poruci: pravda koja zaslužuje da bude zadovoljena potpuno je potkopana političkim kontekstom tog vremena - sa zabilježenom politikom eutanazije Nacionalsocijalističke stranke i sve nasilnijim idealima koji se manifestiraju kao opaki tumor na optužbama naroda . Izvedba Petera Lorrea, bogata patosom i izmučenim humanizmom, pomaže ukucati duboku prijevaru 'M' - one koja je neizmjerno dirljiva čak i do danas.

51. 12 ljutih muškaraca (1957.)

Odgovor je li dječak kriv ili ne, nikada nećemo saznati. Ali jedna stvar koju 12 Angry Men potvrđuje je da će logika uvijek prevladati intuiciju, ako postoji jedan razuman čovjek u svijetu budala. I je li glupost bolest ili samo nusproizvod neznanja? Drama Sidneyja Lumeta ne traži od vas da koristite svoj mozak preko srca, već nastojite doći do točke u kojoj možete donijeti odluku, s tim da oboje rade u tandemu. Uz zadivljujući scenarij, koji se ponosno nalazi u nastavnom planu i programu svake filmske škole diljem svijeta, kamera i inscenacija su upravo iz klasika japanskog novog vala. S nezaboravnom izvedbom glumačke ekipe, 12 Angry Men spomenik je američke kinematografije.

50. Svjetla grada (1931.)

Nema mnogo ranih filmaša koji imaju priznanje i popularnost u današnjoj kulturi kakvu Chaplin uživa. To bi moglo biti zbog mnogih razloga. Njegovi filmovi govore svakom čovjeku i ludo su urnebesni, ali više od toga, njegove priče gledaju na melankolične situacije u duhovitom svjetlu. Takav je slučaj i s njegovom vjerojatno najosobnijom slikom, 'Svjetlom grada', koja priča priču o skitnici i njegovim nastojanjima da impresionira, ali i pomogne siromašnoj slijepoj cvjećarici. On to čini ispod fasade, pretvarajući se da je bogat čovjek kako bi privukao njezinu pozornost, ali pritom upada u nevolje. Kada film nastavi biti jednako smiješan i dirljiv u današnje vrijeme kao što je bio prije više od 75 godina, to obično znači da nešto radi kako treba. 'Svjetla grada' ostavila je trag u svijetu svojim prikazom siromaštva i života tijekom teških godina depresije, koji je tako dobro izveden i osjeća se da nikad ne propušta dirnuti publiku, cijelo vrijeme im dajući nadu da će bolje sutra.

49. Dođi i vidi (1985.)

Druga polovica nevjerojatno vješte filmske ekipe, redatelj Elem Kilmov bio je oženjen Larisom Šepitko – sjajnom virtuozom iza ‘Krila’ i ‘Uspona’. Kad je tako tužno umrla u prometnoj nesreći, Kilmov je završila rad na svom iznimnom nedovršenom projektu 'Zbogom' (koji je jednostavno mogao zauzeti ovo mjesto) - i mislim da je ono što sav ovaj kontekst čini tako moćnim je način na koji čovjekova tuga krvari u svaki okvir njegovog rada. Kilmovljevo kino kipi od neizraženog bijesa i očaja: grčevito u vlastitoj ogromnoj težini emocija - a malo je filmova ikada snimljenih pulsiralo tako snažnim osjećajem kao Dođi vidjeti . Vjerojatno, najbolji ratni film ikad snimljen, njegov pakleni prikaz invazije Wehrmachta na Bjelorusiju odjekuje zaglušujućim eksplozijama, košmarnim vizualima i svijetom koji se polako gubi od života - njegove scene snimljene u prekrasnom, šupljem svjetlu. Ipak, u svoj toj muci, Kilmov pronalazi put do razumijevanja u svom transcendentalno zrelom zaključku. Možda, u svojoj predanosti promišljanju neprolaznosti života, konačno smogao snage zakopati kosti svoje pokojne supruge. Može se samo nadati.

48. Sedmi pečat (1957.)

Od prvih slika Bergmanovog kultnog dokumenta o vjeri, strahu i zadovoljstvu, na vas je bačena čarolija. Oštar, zrnasti pogled na more, obalu i na njoj hrabrog viteza i njegov sudbonosni susret s personifikacijom smrti definira jasnoću objektivnosti filma, čak i ako ostavlja prostor za stalno prisutnu zavodljivu, gotovo zastrašujuću dvosmislenost. Koristeći magnetsku izvedbu neusporedivog Maxa von Sydowa i benda glumaca koji Bergmanov zadivljujući materijal, temeljen na njegovoj predstavi, Slikanje drva, podižu na neočekivane razine, 'Sedmi pečat' u svojih mršavih 90 minuta ima utjecaj starog bajka koja se prenosi kroz generacije koja pokreće maštu daleko ekspanzivnijom nego što se ona sama može nadati da će sadržavati. Pjenušava, oštra crno-bijela Gunnara Fischera osigurava da nam se mučni intenzitet uvuče pod kožu. Fluidnost nalik na struju rezultat je naracije razvijene s uzvišenim samopouzdanjem i opipljivom ravnodušnošću. Možda je to posve jednostavna priča, koja unatoč tome skriva vrijedne ideje u svojim njedrima, ali je sašivena tako zamršenom i hrabrom tkaninom da je ne možete ne gledati iznova i iznova kako bi se pretočila u trajno sjećanje.

47. La Dolce Vita (1960.)

Fellinijev oprezno, strpljivo i poetski omekšani virtuoz u potpunosti je prikazan u njegovom dobitniku Zlatne palme koji u svom duševnom i sjenovitom glamuru bilježi način življenja koji se čini previše nedostižnim i na neki način, previše stvaran. Njegov tempo naglašava protagonistov osjećaj besciljnosti i tjera nas da se okupamo u simfonijskom rasporedu vibrantnosti života i koliko je sve to prolazno. Ovog protagonista glumi Marcello Mastroianni koji je najbolji u karijeri, koji koristi ovaj dar vremena da ispuni svoje oči neodoljivom umorom od svijeta. Dovođenje u pitanje značaja određenih dijelova 'La Dolce Vita' koji se mogu činiti lišenim filozofskog značaja ili narativne relevantnosti znači odbaciti mogućnost da dopustite da vas pikantni detalji preplave, a zatim razmišljate o posljedicama. Dok nas nebeski rezultat Nina Rote nosi u vrtoglavi svijet Rima, gledano Fellinijevim iluzornim okom, vidite samo ono što on želi da vidite i brzo postaje ono što i vi želite vidjeti.

46. ​​Psiho (1960.)

Ljudska bića se u najboljem slučaju mogu opisati kao neobična. Ljudski um koji je sposoban za mnoge zadivljujuće stvari, također je sposoban da se degenerira do izvan shvaćanja. 'Psiho' Alfreda Hitchcocka ne treba predstavljanje jer visoko drži glavu, usred bezvremenskih kina. Osim što je klasik, to je i tužan komentar lošeg morala ljudskih bića. I to nije Norman Bates! Zajedljivo držanje gospođe Bates koje je Normanov život dovelo u zastoj kroz njegovo djetinjstvo, a na kraju i odraslu dob, podsjetnik je kako ljubav može biti zagušljiva. Poznato je da je g. Hitchcock usvojio čudnu politiku za 'Psycho', što je uključivalo i nedopuštanje kasnih sudionika u film. Usvojen je kako bi se osigurala potpuna pravda pulsirajućoj sceni vrhunca filma. Triler u svom najistinitijem obliku, 'Psycho' je priča o sinu, njegovoj majci i njihovoj nezdravoj vezi posesivnosti. Hitchcock je bio tako žestoko pazio na finale, da je promovirao film ovim sloganom – Ne odajte kraj – To je jedini koji imamo!

45. Solaris (1972.)

Tarkovskyjev 'Solaris' je vrlo sličan fenomenima prikazanim u filmu. Od toga da me zbuni svojim duboko ukorijenjenim konceptom, do evolucije u entitet s kojim se ne mogu rastati, to je iskustvo koje me tjera da se zapitam o nesvjesnoj prirodi svake molekule koja čini svemir. Možda smo svjesni znanstvenih dimenzija, ali može li bilo koji instrument izračunati količinu ljubavi ili tuge koju čovjek drži u nanogramu srca? Može li išta pronaći moždanu stanicu u kojoj se nalazi nezaboravno sjećanje? Od Bachove očaravajuće glazbe u početnoj sekvenci do višegodišnje scene autoceste, Tarkovskyjevo korištenje vremena da odvoji gledatelja od funkcioniranja normalnog svijeta je maestralno. Solaris je područje u kojem vas emocije šalju da se pozabavite ludošću, ali tko ne bi osjetio kada je ludilo lijepo na dodir i dovoljno visceralno da vas oslobodi od samog sebe.

44. Schindlerova lista (1993.)

Važan film koji uvelike koristi Spielbergov njuh za dramatiku, jednako je uznemirujuće i osjetljivo iskustvo za sebe. Film je, kao i mnogi drugi na ovom popisu, majstorski tečaj nečega što volim nazvati pojednostavljenim, dojmljivim pripovijedanjem. Naracija prati Oskara Schindlera, njemačkog poslovnog čovjeka koji je spasio živote više od tisuću Židova zaposlivši ih u svojim tvornicama tijekom Holokausta. Sve tri glavne uloge, Liam Neeson kao Oskar Schindler, Ralph Fiennes kao Amon Goth i Ben Kingsley kao Itzhak Stern su u sjajnoj formi, u najiskrenijoj izvedbi. Scena posebno pred kraj filma, gdje se Schindler slomi s obzirom na to koliko je života mogao spasiti, duboko je dirljiva i ostaje urezana u moje misli kao jedna od moćnijih, srčanih scena u kinu. To što je film snimljen u crno-bijeloj tehnici, s rijetkom, povremenom upotrebom boje za simboliziranje ili isticanje elementa važnosti, pojačava doživljaj. Lako, Spielbergov najbolji film, ostaje bitno iskustvo gledanja filma.

43. Lawrence od Arabije (1962.)

Kino kao medij postaje sve veće. Uz vrhunsku tehnologiju na raspolaganju, današnji filmaši nam nude neka visceralna kinematografska iskustva. No, postoje neki filmovi snimljeni prije nego što je CGI bio u modi, čiji goli i monumentalni razmjeri nisu našli vršnjaka. Epska povijesna drama Davida Leana temeljena na životu T. E. Lawrence , jedan od najpoznatijih britanskih figura, jedan je od takvih filmova. U njemu glumi Pater O'Toole kao Lawrence i prikazuje njegove avanture na Arapskom poluotoku tijekom Prvog svjetskog rata. Odmah na početku, David Lean slika sjajnu pokretnu sliku beskonačne pustinje u svoj njezinoj slavi, uz pomoć snimatelja Freddieja Younga i zadivljujuću partituru Mauricea Jarrea. Ali ni na koji način ne žrtvuje emocije za ekstravaganciju. U svojoj srži, 'Lawrence od Arabije' je zadivljujuća studija karaktera Lawrencea – njegove emocionalne borbe s osobnim nasiljem svojstvenim ratu, njegov vlastiti identitet i njegovu podijeljenu odanost između njegove rodne Britanije i njezine vojske i njegovih novopronađenih suboraca unutar arapska pustinjska plemena. Ova zdrava kvaliteta čini 'Lawrencea od Arabije' jednim od najutjecajnijih filmova koji su ikada postojali.

42. Tragači (1956.)

Vjerojatno najveći vestern ikada snimljen, najbolji film velike karijere Johna Forda, 'The Searchers' američki je klasik, među najboljim filmovima koji su nastali iz pedesetih. Iako je u to vrijeme bio cijenjen i cijenjen, njegova razderavajuća, zapanjujuća snaga nije bila prepoznata nekoliko godina, ali je početkom sedamdesetih bio slavljen kao klasik žanra i možda najbolji vestern ikada napravljen. Zasigurno je vrijeme nagrizlo dio snage filma, ali ne onu silnu, bijesnu izvedbu Waynea, niti rasizam unutar filma koji raspiruje bijes i bijes. Pokretačka priča filma, Ethana i njegova potraga je bezvremenska, moćna danas kao i tada, možda i više zato što su mnoge suptilne točke priče sada jasne.

41. Pather Panchali (1955.)

Film koji je donio indijsku kinematografiju u svijet i dao kinu jednog od najboljih autora, Satyajita Raya. Temeljen na romanu Bibhutibhusana Bandopadhaya, 'Pather Panchali' priča priču o osiromašenoj obitelji koja pokušava proći kroz mnoge životne nedaće. Može se tvrditi da romantizira siromaštvo, budući da gledatelj svjedoči brojnim iskušenjima s kojima se obitelj suočava, zarađujući za život. Unatoč tome, gledatelju ostaju trenuci, isprepleteni glazbom maestra Ravija Shankara. Ljubazni odnos između Appu i njezine sestre Durge, sekvenca vlaka, koja je jedan od vrhunaca filma, podiže film na sasvim drugu razinu. 'Pather Panchali' je tijekom godina postao jedan od kultnih filmova i redovito se nalazi na listama najvećih filmova svih vremena, i to zasluženo.

40. Casablanca (1942.)

Kvintesencijalni američki klasični film. Možda postoji nešto toliko zarazno u njegovom šarmu da se i dalje zaljubljujete u njega, čak i svih ovih godina. Osim golemog faktora ponovnog gledanja, njegova nezaboravna ocjena (Kako vrijeme prolazi!) i iznimno citirani dijalog čine jaku argumentaciju. Jednostavno rečeno, prava je poslastica kada su svi elementi sjajnog kinematografskog iskustva prisutni u pravim količinama!

Priča je u najmanju ruku jednostavna, na trenutke gotovo na granici banalne. Ciničan čovjek slomljenog srca koji vodi najpoznatiji noćni klub u Casablanci nalazi se na raskrižju kada se žena koju je volio pojavi sa svojim mužem. Smjernice radnje ovdje su slavna tranzitna pisma, ali priča je izravno o dvoje ljubavnika smještena u pozadini ranih faza Drugog svjetskog rata i teškoj odluci s kojom se Bogartov lik suočava, da se drži ili pusti. Međutim, kao i kod mnogih filmova ovog žanra, izvedba čini svoj trik, pretvarajući 'Casablancu' u jednu od najuvjerljivijih romantičnih drama svih vremena koja je također nevjerojatno dobro odglumljena; Humphrey Bogart i Ingrid Bergman su vrhunski, a igrači poput Paula Henreida, Claudea Rainsa i Conrada Veidta izvrsno ih podržavaju.

39. Barry Lyndon (1975.)

Kada se na kino gleda kao na umjetničku formu, ne može se poreći savršenstvo Barryja Lyndona, od prekrasne kinematografije, očaravajuće scene, izvanredne glazbe do moćne režije. Kao priča, govori o životu mladog čovjeka u Europi 18. stoljeća dok se penje uz stepenice prema aristokraciji, da bi ga njegova zla sudbina odvela natrag. Slika u sebi ima neke od najboljih scena ikad snimljenih, zapanjujućim korištenjem svjetla, boja, fizičkih osobina itd. Nema boljeg načina da se sažeti život osobe nego da se na njega sagleda objektivno, a to je ono što ovaj film je napravio pomoću nepouzdanog pripovjedača. Hladan je i distanciran, rijetko daje publici priliku da osjeti protagonista. Iz ove perspektive, Barry Lyndon je raskošna studija karaktera, s bogatim likovima, realističnim dodirom i poetskim načinom prenošenja emocija. To je jednostavno kino u svom najboljem izdanju.

38. General

Jedan od najstarijih naslova na popisu, 'General', služi kao podsjetnik da mnoga moderna akcijska remek djela sjede u vrlo dugoj sjeni nitko drugi nego genij nijeme komedije Buster Keaton. Dičeći se opusom jednako impresivnim kao i Charlie Chaplin, simpatična skitnica potonjeg umjetnika mijenja mjesta s kavalkadom divno glupih likova u Keatonovu slučaju; sve okruženo nabrijanom filmskom radoznalošću koja je protezala granice medija u filmovima poput Sherlocka Jr. i Snimatelja. Sve to čak i ne spominjući njegov magnum opus, The General iz 1927.: Prati inženjera Konfederacije koji žuri upozoriti svoju stranu na napredujuće trupe Unije tijekom Američkog građanskog rata. Njegov narativ čini predložak za nedavni 'Mad Max: Put bijesa' Georgea Millera i gotovo svaki film o mačkama i mišu ikada snimljen, uz svoju urnebesnu komediju, impresivne specijalne efekte i hrabre vratolomije u kojima Keaton više dovodi svoj život u opasnost. nego jednom sve za dodvoravanje svoje voljene publike. General je i dalje jedan od, ako ne i najbolji akcijski film ikad snimljen – onaj koji se zabavlja svakom djelicom svog bića i uspijeva prizvati što više izvrsno obrađenih trenutaka epskih razmjera kako bi se suprotstavio bilo kojoj CG-opterećenoj ludariji napravljenoj danas.

37. Blow Up (1966.)

Vrijeme ? Swinging šezdesete. Mjesto? London. Grad koji zasljepljuje i zadivljuje. Živahno i glamurozno. Seks, droga i rock n roll. Sve u svemu, dan u životu Thomasa, modnog fotografa koji živi životom, pa recimo, sumnjivog morala. U danu punom događaja, dok pregledava fotografije para koje je prilično krišom snimio u parku, u njemu otkriva mrtvo tijelo. Odlazi na isto mjesto i pronalazi tijelo muškarca iz para. Uplašen, vraća se u svoj studio i pronalazi ga opljačkanog, ali s ostavljenom fotografijom, onom mrtvog tijela. Sljedećeg dana tijelo nestaje. Tko ga je ubio? I zašto je tijelo nestalo? Zašto je Thomas osjećao da ga prate? 'Blow Up' je klasična gluma redatelja Michelangela Antonionija koja je tijekom godina inspirirala mnoge filmaše, uključujući Briana De Palmu i Francisa Forda Coppolu.

36. Vječno sunce besprijekornog uma (2003.)

Vrtoglava, nadrealna epifanija ljubavi i slomljenog srca nikada nije istražena na način i do stupnja uspjeha kao što to čini 'Vječno sunce besprijekornog uma'. Bogat prekrasnim slikama i inventivnim rezultatom sličnim soundtracku u stilu tihog doba, nemoguće je sve objasniti o 'Eternal Sunshine of the Spotless Mind'. Nema sumnje da je film prožet narativom koji je teško pratiti - iako je zapravo jednostavan kada ga počnete pratiti - to je jedan od onih filmova koji se bogato nagrađuje jednostavno zato što se ne možete spriječiti da padnete u nesvijest zbog vrlo promišljenog koncepta i duboko dirljiv film da jest. Ali prava zvijezda emisije je njen pisac, Charlie Kaufman , koji je u obliku 'Vječnog sunca besprijekornog uma' mogao vrlo dobro napisati najbriljantniji scenarij ikada u povijesti kinematografije. Film koji nije samo jedinstven na svoj način, već i beskrajno ponovno gledan s nečim novim što se može pronaći u svakom gledanju.

35. Taksist (1976.)

U 'Taxi Driver', Martin Scorsese nam u Travisu Bickleu daje jednog od najporemećenijih, nevjerojatnih, ali hirovitih protagonista našeg vremena. Film ga prati dok postaje taksist kako bi se izborio sa svojom nesanicom i gleda kako ga polako svladava svo ludilo u gradu oko njega. Pravi način na koji Taksist pobjeđuje kao film je način na koji se uspije ušuljati do vas, polako prolazeći kroz ljigavost i užas koji kao da vrijeđa Travisa Bicklea. Po tome s pravom zaslužuje svoju distinkciju kao psihološki triler više nego drama, često radeći na više razina od samo dvije. Nekima je film možda uznemirujuće gledanje, zbog svoje mračne teme, još mračnijeg tretmana i pregršt nasilja, ali za gledatelje koji su spremni gledati mimo njega, to je ništa drugo nego briljantan pokušaj razumijevanja dijela filma. ljudske psihe koja najčešće proizlazi iz oblika budnosti. Mislim, tko ne razmišlja o tome da se uzdignemo prema nekorektnosti našeg vremena i da to vratimo? To je ona duboko ukorijenjena fantazija o ispunjenju želja s kojom se 'Taksist' poigrava na vrlo učinkovit način. Film se danas naširoko smatra jednim od najvažnijih filmova ikad snimljenih i upoznao je svijet sa silom koja je bila Scorsese.

34. Putovi slave (1957.)

Prije nego što je Stanley Kubrick krenuo istraživati ​​neobjašnjive aspekte društva koji ne samo da su nadilazili vrijeme, već i očekivanja gledatelja od samih sebe, napravio je ovaj zanimljiv ratni komad koji svrstavam uz bok 'Dođi i vidi'. Za razliku od potonjeg, Paths of Glory svoj srceparajući prikaz WW-a izvlači iz iste plitkosti čovječanstva, koja je dominirala Kubrickovim posljednjim djelima. U Kubrickovom svijetu demoni nisu prekriveni krvlju i blatom, već medaljama i ponosom, a pakao zadire u najsvetije mjesto, sud. U vrijeme kada je industrija usvojila atraktivnu 3 traku, Kubrickova monokromatija oslikala je rat jednom nijansom. Tijela, krpe, barake, dim, pepeo, sve zakamuflirano uobičajenim prizorom uznemirujuće agonije.

33. Tri boje: crvena (1994.)

Najtužniji dio umjetnikove smrti je kada pomislite da je njihov konačni rad njihov najveći ikad. To je bio slučaj s poljskim autorom Krzysztofom Kieslowskim i njegovim posljednjim filmom 'Crveno'. Kieslowski je već najavio povlačenje iz filma nakon premijere filma u Cannesu 1994., ali njegova tragična smrt gotovo dvije godine nakon što je najavio povlačenje to ga čini još dubljim tužnim. 'Crveno' je posljednji dio njegove vrlo hvaljene trilogije 'Tri boje' i govori o mladoj ženi koja naiđe na starca nakon što je automobilom slučajno udarila njegovog psa. Starac je umirovljeni sudac, odvojen od života i bilo kakvih emocija i vrijeme provodi špijunirajući druge ljude. Između njih dvoje razvija se nevjerojatna veza s suptilnim romantičnim prizvucima. ‘Crveno’ govori o prilikama i slučajnostima koje nas svakodnevno pogađaju i našem neuspjehu da prepoznamo ljepotu i značaj toga. Postoji neobjašnjiv osjećaj melankolije koji se provlači kroz film o tragediji ljudske sudbine i vremena te o tome kako smo mi kao ljudi u svijetu na ovaj ili onaj način povezani. 'Red' je nevjerojatan podvig u stvaranju filmova i jednostavno je jedan od najvećih filmova ikada snimljenih.

32. Blago Sierra Madre (1948.)

Kao što ime govori, lov na blago često povezujemo s pulsirajućom avanturom i adrenalinom koji je povezan s njom. Ali postoji vrlo malo priča koje govore o emocijama koje ljudi proživljavaju dok kreću na put do tog zlata. Često se kaže da nevolje otkrivaju vaš pravi karakter. 'The Treasure Of Sierra Madre' priča priču u kojoj žudnja za zlatom donosi neugodne promjene u likovima, što u konačnici rezultira njihovom individualnom pustošom. Dok je fokus na pohlepi koja kvari savjest, gledatelju ostaje proučavanje ljudskog karaktera u nepovoljnim situacijama. Tragična priča o pohlepi i izdaji, ovaj film osvojio je nagradu Akademije za najbolju režiju, najbolji adaptirani scenarij i najboljeg sporednog glumca. Tijekom godina, ovo je postalo kultni klasik za ljubitelje kina diljem svijeta.

31. Pulp Fiction (1994.)

Pulp fiction, pojam koji označava časopise ili knjige u kojima se najviše ističu nasilje, seks i kriminal. Ovi elementi učinili su da se časopisi prodaju kao vruće palačinke. Tarantino je uzeo te elemente, spojio ih oko tri priče i stvorio narativ koji je bio ni manje ni više nego filmski genij. Jedan od najunikatnijih filmova o pop kulturi koji su snimljeni, gledatelj se upoznaje sa svijetom mafijaškog ubojice Vincenta Vege, njegovog partnera u kriminalu i motoluka Julesa Winnfielda, gangsterove supruge Mie Wallace, boksača Butcha Coolidgea i oduševljava se njegov stilski tretman kriminala i nasilja. Jedan od najvažnijih aspekata filma koji je pridonio njegovom uspjehu bila je izvedba Samuela L Jacksona. Kao ubojica Jules Winnfield koji citira biblijske stihove kao punchline, bio je fenomenalan. Jedan od najvećih filmova ove ere, 'Pulp Fiction', postao je udžbenik za nadobudne filmaše diljem svijeta.

30. Bitka za Alžir (1966.)

Malo je filmova nosilo teret politike na način koji obogaćuje njihov kinematografski učinak, ali prepuštaju prozvanom zapaljivom talijanskom maestru Gillu Pontecorvu da preuzme žarište francuskog kolonijalnog ugnjetavanja Alžira kasnih 50-ih i pretvori ga u nešto posve uvjerljivo. Još uvijek dalekovidne paralele koje Pontecorvo zadivljujuće neutralno promatranje terora i terorizma koje su počinile obje strane danas povlači čini iskustvo 'Bitke za Alžir' fascinantnim intelektualnim izazovom za naše razumijevanje crno-bijelog ratovanja, a-la Miklósove hladnoće. Jancsóova neizbrisiva filmografija. Štoviše, njegove tehnike montaže filmskih žurnala orijentir su u filmskoj komunikaciji i, po mom mišljenju, daleko su jače koristile mahnitu tehniku ​​rezanja Nouvelle Vaguea od mnogih njegovih istraživačkih masheada. Jednom viđen, nikad zaboravljen- 'Bitka za Alžir' jednostavno je temeljni komad svjetske kinematografije.

29. Dobri momci (1990.)

Redatelj je san stvoriti filmsku epohalu za razdoblje u kojem se snima. Ali Martinu Scorseseu to je navika. Za svako desetljeće u kojem je bio A-Lister, snimio je film koji se smatra jednim od najvećih u tom razdoblju. Snimio je 'Taxi Driver' 1970-ih, 'Raging Bull' 1980-ih, 'Goodfellas' 1990-ih, 'The Departed' 2000-ih i 'The Wolf Of Wall Street' 2010-ih. A upravo je gangsterska drama iz 1990. zasnovana na istinitoj priči o mafijaškom suradniku Henryju Hillu postala jedno od mjerila u žanru. Film, koji Hill pripovijeda u prvom licu, opisuje njegov uspon i pad kao dio njujorške mafije od 1955. do 1980. Za razliku od sve gangsterske ekstravagancije u 'Kumu' ili 'Scarfaceu', 'Goodfellas' se bavi autentične pojedinosti svakodnevnog gangsterskog života, usredotočujući se na Hillov odnos sa suprugom Karen koliko i na njegove podvige s kolegama iz bande. Ali Scorsese koristi sve strelice u svom tobolcu trikova kako bi ovu aferu učinio primamljivom, poput ovaj legendarni snimak dugog praćenja , neki nezaboravni dijalog i eksplozivan čin Joea Pescia kao Tommyja DeVita, Hillovog burnog suradnika. Kad je riječ o žanru kriminala, 'Goodfellas' je dobar koliko god može.

28. Raging Bull (1980.)

Martin Scorsese poznat je po tome što u svojim filmovima prikazuje priče o slomljenim, manjkavim, često samodestruktivnim protagonistima. I često je pretraživao anale povijesti kako bi pronašao svoje pale heroje u istinitim pričama. 'Razjareni bik' životna je priča legendarnog boksača Jakea LaMotte, čiji su autodestruktivni i opsesivni bijes, seksualna ljubomora i životinjski apetit, zbog kojih je postao prvak u ringu, uništili njegov odnos sa suprugom i obitelji. Film je u cijelosti snimljen u crno-bijeloj tehnici, kako bi istinski dočarao doba u koje je smješteno i mračno, depresivno raspoloženje koje je definiralo. Scorsese je očekivao da će to biti njegov konačni projekt. Stoga je bio mukotrpno zahtjevan u stvaranju filmova. Jednako predan bio je i Robert De Niro, koji glumi u naslovnoj ulozi. Dobio je 60 kilograma i zapravo je trenirao kao boksač. On upija kratko spojene manire LaMotte s vatrenim savršenstvom dok se potpuno utapa u karakter. Za svoje muke dobio je zasluženu nagradu. Ovo je najveći trijumf Scorsese-De Nira. Intenzivan, moćan magnum opus.

27. Kum: II dio (1974.)

U povijesti drugih filmova poznato je da je nekoliko filmova doraslo slavi prvoga, a da ih u nekim aspektima nadmašuje. Ako se napravi popis takvih filmova, 'Kum: Drugi dio' bit će njegov krunski dragulj. Živjeti u skladu s ostavštinom prvoga bio je mamutski zadatak sam po sebi, ali ovaj nastavak sage 'Kum' ne samo da je u tome uspio, već je i proširio svoju ostavštinu kako bi postao dio najveće američke priče o organiziranom kriminalu ikada ispričane. Film predstavlja dva paralelna narativa; jedan se bavi Michaelom Corleoneom kao novim šefom 'obiteljskog posla' Corleonea, drugi prikazuje izvrsnog Roberta De Nira kao mladog Vita Corleonea i njegov uspon na vlast. Dvije su priče vješto utkane, pružajući primamljivu priču koja ne popušta ni jednom gledatelju. Al Pacino ovdje radi neke od svojih najboljih radova, a njegov novootkriveni pogled praktički prožvače krajolik svaki put kada se pojavi na ekranu. Jedan od onih gotovo savršenih filmova koji se mogu gledati bez obzira na vrijeme, mjesto i zadnje gledanje, a ipak završite u potpunoj podložnosti i strahopoštovanju prema njemu. Ako je I. dio sveti oltar, II. dio je kruh i vino.

26. A Clockwork Orange (1971.)

Prvo što vam vjerojatno padne na pamet kada se zamoli da jednom riječju opišem ovaj film je 'uznemirujuće'. Jedini film na popisu koji se usuđujem ponovno pogledati, uhvatio sam sebe kako sam se više puta trgnuo dok sam gledao ovaj film. 'A Clockwork Orange' društveni je komentar u svom najbeskompromisnijem obliku, pružajući jasne slike od kojih se čovjek možda nikada neće oporaviti. Mračan je, izokrenut i ne pruža iskupljenje onima koji ga traže u filmu s vjerojatno najcrnjim prikazom distopije u društvenom smislu. I u tome, vjerujem, leži uspjeh filma u prenosu uznemirujuće poruke kući. Nekonvencionalan na bilo koji način koji možete zamisliti, pruža nam protagoniste koji su zlobni do srži i prepuštaju se djelima ultranasilja i silovanja; komentira društveno političko stanje stvari na najgrublji način koji možete zamisliti, dovodi vas u stanje zbunjenosti dok je Alex DeLarge (kojeg glumi karizmatični Malcolm McDowell) podvrgnut neljudskim načinima preuređivanja i završava ostavljajući publiku u daleko od svih stvari koje ovo uznemirujuće iskustvo čini da se osjećate odjednom. Uistinu, djelo kubrickovskih razmjera.

25. Vrtoglavica (1958.)

Priča o 'Vertigu' ide ovako - bivši detektiv Scotty (James Stewart) pati od akrofobije zbog incidenta koji se dogodio na dužnosti. Prilazi mu stari prijatelj da pripazi na svoju ženu Madeleine za koju vjeruje da je opsjednuta. U početku skeptična, Scottie ubrzo postaje autodestruktivno opsjednuta lijepom damom, za koju se čini da je mnogo više nego što ona to dopušta. Briljantnost Alfreda Hitchcocka leži u činjenici da njegovi najveći filmovi, uzbudljivi za gledanje prvi put, kao da otvaraju novi sloj razumijevanja gledatelju pri svakom uzastopnom pogledu. Naravno, na letimičan pogled, 'Vrtoglavica; je dobro osmišljena misterija psihološkog ubojstva. Ali dok ga gledate iznova i iznova, njegove teme o muškoj agresiji i izgradnji ženske slike u umu muškarca počinju se razvijati poput kutije beskonačnosti i gutati vas. Vjerojatno najfinije ostarjeli film ikad snimljen, o sporom sjaju Vrtoglavice svjedoči činjenica da se film, nakon otvaranja mješovitim kritikama, smatra jednim od najvećih filmova ikada snimljenih. Remek djelo majstora trilera.

24. Hirošima, ljubavi moja (1959.)

Rođen iz uma francuskog vizionara s lijeve obale Alaina Resnaisa, 'Hiroshima mon amour' je film koji plače transcendentalnom snagom. Njegova priča o vremenu isprepletena s sjećanjem i ožiljcima oboje koja se dogodila u Hirošimi tijekom Drugog svjetskog rata, ispričana kroz dvoje ljudi - jednog Francuza, jednog Japanca - dok pokušavaju spojiti prevladavajuću poruku o razaranju koje je tamo izazvalo. Osim što se od takve ludosti ne može ništa dobiti, intelektualno ili emocionalno. To je djelo prožeto međunarodnom tugom - seže dalje od samog sukoba i do istine i represije koje progone ljudska bića svaki dan. Kroz odjek atomske eksplozije, nalazimo mali dio onoga što nije u redu sa nama samima. Činjenica da Resnais jednostavno razumije ovu nedodirljivu zbrku, umjesto da je pokušava popraviti, čini 'Hiroshima mon amour' jednim od velikih remek-djela kinematografije.

23. At Random Balthazar (1966.)

Pusto remek-djelo Roberta Bressona vježba je osjećaja. Odmiče se od definiranja jasnog protagonista ili središnje teme osim ako ne računate čudesnu silu prirode koja je Baltazar, a ako film uzmete u obzir, ne činite. Ali ako mu dopustite da vam bude točka pristupa emocionalnom i tematskom krajoliku filma, teško se iz njega vratiti nenagrađen. Baltazarov osebujan, mršav i hladan vizualni stil izgleda gotovo glamurozno u retrospektivi; njegova mirna krhkost umotana u rezignirani, posebno mudar osjećaj kontrole. Čak i njegova opipljiva iskrenost skriva proučeni napor da se malo suzdrži, da u svojoj jednostavnosti postavljanja i karaktera nahrani bogatstvo koje je publici prepušteno da otkrije i, u nekim slučajevima koji oduzimaju dah, zamisli. Budući da glumci tako malo govore o svojoj nevolji, doživljavamo nasumične, nerazumne činove okrutnosti i osjećamo zagušljivu tugu za ih. U obliku u kojem čak i najuspješniji umjetnici imaju za cilj samo pojačati čula gledatelja prilagođavajući se isprobanom, Bressonove slike pružile su mi lirski predložak na kojem mogu temeljiti veličinu svog suosjećanja, čak i procijeniti koliko je to suosjećanje svjesno. .

Sve me to vraća na prvobitnu misao. Pridavanje značaja svakom trenutku u 'Baltazaru' ne ovisi o tome pretpostavljamo li njegov sadržaj alegorijama društvene ili čak političke prirode, već o načinu na koji nas čine osjetiti uživajući u njihovoj složenosti i tihosti, umjesto da se oslanjaju na bezumnu ekspoziciju kojoj većina filmova pribjegava. Savršeno je logično, dakle, da protagonist bude istoimeni magarac.

22. Andrej Rubljov (1966.)

Vjerujem da je ‘Andrej Rubljov’ najveći primjer koncepta kiparstva u vremenu ruskog autora Andreja Tarkovskog. Velik dio njegovog potonjeg rada bio je apstraktan, jer se bavio nevjerojatno osobnim temama i vizualizacijom, koja je bila raštrkana kroz vremenska razdoblja. S 'Andrejom Rubljovom' Tarkovsky je uhvatio samo vrijeme, a zatim ga pogladio najdubljim nijansama umjetničke duše. Tarkovsky je vjerojatno jedini filmaš koji je mogao postići najveće postignuće u prikazivanju umjetničke represije. On istražuje opresivne režime Rusije koji su jednako autohtoni u toj zemlji kao i njezina duboka literatura koja je iznenađujuće dovela u pitanje najuvjerljivija pitanja koja se tiču ​​duhovnog i metafizičkog. Mnoge kasnije osobine Tarkovskog, uključujući snimanje toka prirode, mogu se uočiti na putovanju Andreja Rubljova. To je film koji vas snima, razbija i tjera na razmišljanje - kako tijekom filma tako i dugo nakon što su tituli završili.

21. Avantura (1960.)

Što mislite o nerazjašnjenoj misteriji? Ili nedovršena priča? Tražite li zatvaranje tako da ga očajnički tražite? Ili prihvaćate činjenice i onda idete dalje? Nije li to život? Kompromis i ići dalje? Film koji je Michelangelu Antonioniju donio priznanje diljem svijeta, 'L'Avventura' je priča o nestanku mlade žene tijekom putovanja jahtom obalom Sicilije. Potraga za njom spaja njenog bivšeg ljubavnika i najboljeg prijatelja i počinje uznemirujuća veza. Iako je priča satkana oko potrage za nestalom ženom, njezina je prava svrha konstruirati narativ, a da se ne usredotočuje na neki veliki događaj i da ipak može osvojiti publiku. Pravi motivi središnjih likova nikada nisu do kraja objašnjeni i kako film završava, gledatelj je prisiljen prihvatiti da neki događaji ostaju nerazjašnjeni, baš kao i život. Neupitno remek djelo!

20. Bez daha (1960.)

Mnogo prije nego što se Quentin Tarantino probio na američku indie scenu svojim divljim maveričkim pristupom stvaranju filmova koji je pojačao fokus na stil nad suštinom, postojao je čovjek po imenu Jean Luc-Godard koji je neustrašivo preuzeo tradicionalne kinematografske gramatike i neoprezno ih prekršio. dolje, redefinirajući i oblikujući filmove na način na koji to danas vidimo s filmom pod nazivom 'Breathless'. Možda niti jedan drugi film nije uspio uhvatiti prolazno ludilo mladosti na način kao što to čini 'Breathless' sa svojom nepromišljenom energijom i opojnom vibrom. Otkačena upotreba skokova uzbuđuje inherentnu ludost premise dok vas Godard žestoko odbacuje laktom od svojih likova, tražeći da se usredotočite na fragmentirane aspekte priče umjesto na priču u cjelini. 'Breathless' je jedan od najvažnijih filmskih debija u povijesti kina i iako nastavlja polarizirati kinofile i kritičare, ne može se poreći utjecaj koji ima na modernu kinematografiju.

19. Sedam samuraja (1958.)

Akira Kurosawa jedan je od najoriginalnijih, najutjecajnijih i najreferentnijih redatelja koji su ikada živjeli. Roger Ebert je jednom rekao o Kurosawi. Moglo bi se tvrditi da je ovaj najveći redatelj dao posao akcijskim herojima sljedećih pedeset godina i da nije mogao biti istinitiji. 'A Fistful Of Dollars' Sergea Leonea, za koji se kaže da je iznjedrio žanr špageti vesterna, inspiriran je Kurosawinim 'Yojmboom'. Naš trenutni ulazak također je tehnička i kreativna prijelomnica i inspirirala je bezbroj izravna prepričavanja, kao i mnogi vizualni element u modernom kinu . Epska drama opisuje priču o sedam ronin (samuraji bez gospodara) koji uzimaju oružje kako bi obranili siromašnu civilizaciju u kojoj više nema mjesta za njih od napada razbojnika u Japanu iz 16. stoljeća, što kulminira žestokom vrhunskom bitkom. No briljantnost 'Sedam samuraja' leži u činjenici da priča mnoštvo dobro osmišljenih priča koje se protežu u različitim žanrovima unutar glavne drame. U cijelom filmu prisutni su elementi akcije, avanture, romantike i punoljetstva. Sastoji se i od likova bogato razvijenih poput rijetkog odrezaka, koji će kasnije postati dio više žanrova. Zaista inspirativno umjetničko djelo.

18. Drvo života (2010.)

'Drvo života' je najviši oblik kina: ono jednostavno ne priča priču, već ima za cilj promijeniti vaš život. To je film za koji će vam trebati vremena da naraste, a kada se to dogodi, bit će vam teško ne razmišljati stalno o njemu. Filmska pjesma izvanrednog opsega i ambicije, 'Drvo života' ne traži samo od publike da promatra, već i razmišlja i osjeća. Najjednostavnije rečeno, to je priča o putovanju pronalaženja sebe. U svom najsloženijem obliku, to je meditacija o ljudskom životu i našem mjestu u velikoj shemi stvari. Nije važno u koju vjeru vjerujete ili vjerujete li uopće u viši entitet. Pravi osjećaj čuđenja u filmu proizlazi iz magije koja je sam život. Najljepši aspekt filma je to što s vremenom postaje sve bolji, poput finog vina.

17. Izbliza (1990.)

Pokojni veliki iranski autor Abbas Kiarostami često je vidio ljepotu i poeziju u najapsurdnijim svjetovnim epizodama ljudskih života. S varljivo jednostavnim zapletima i naturalističkim postavkama, Kiarostami je istraživao univerzalne teme koje su neprimjetno nadilazile kulturne barijere zbog vrste čovječanstva u koju je njegovo kino inherentno bilo umotano. 'Close Up' je vjerojatno njegovo najdovršenije djelo i jedno od najoriginalnijih, inventivnijih djela filmske umjetnosti ikada proizvedene. Film ima oblik dokumentarne fikcije koja prikazuje stvarno životno suđenje čovjeku koji je glumio iranskog filmskog redatelja Mohsena Makhmalbafa. Glumačka postava uključuje ljude koji su zapravo bili uključeni u suđenje, glumeći sebe u filmu. 'Close Up' je zapanjujuće istraživanje ljudskog identiteta viđenog očima običnog čovjeka koji se bori sa sobom i svojim životom te iz očajničke tuge i istinske ljubavi prema kinematografskoj umjetnosti stupa u cipele svog idola kako bi znati kakav je osjećaj biti istinski živ, cijenjen i poštovan. Ovo je snimanje filma najvišeg reda.

16. Jeanne Dielman, 23, Quai Du Commerce, 1080 Bruxelles (1975.)

Ovaj francuski avangardni film s Delphine Seyrig u glavnoj ulozi nije samo filmsko iskustvo. Bliže je vježbi – testu i utječe na vas na način na koji je malo koji drugi film učinio prije ili poslije. Neovisni komad fokusira se na tri dana u životu usamljene, problematične domaćice, dok prolazi kroz svoj strogi raspored ispunjen svakodnevnim kućanskim poslovima. Ona je majka i udovica koja u večernjim satima obavlja seksualni rad za gospodu kako bi zaradila za život. Problemi nastaju kada se drugog dana njezina rutina malo poremeti, što dovodi do svojevrsnog domino efekta koji se očituje u satima nakon nje. Jeanne Dielman uvlači u svoj spori i meditativni svijet s Akermanovim prepoznatljivim redateljskim potpisom, koji uključuje dijegetsku atmosferu i hipnotičku auru koju donosi smirena, suptilna i strpljiva osobnost remek djela, što je bolno slavlje monotonije postojanja.

15. Rashomon (1950.)

Jedno od najnekonvencionalnijih i najeksperimentalnijih filmova za svoje vrijeme, 'Rashomon' promatra majstora kako radi, izlažući se svojim vještinama pripovijedanja. Pojednostavljeno rečeno, to je prikaz incidenta koji se dogodio kroz četiri izrazito različita gledišta, gledišta optuženih, žrtava i onih koji tvrde da su očevici. Doista se ističe po svim tehničkim osnovama gotovo besprijekornom montažom i majstorskom režijom, ali film osigurava svoje pobjede na tematskim pitanjima kojima se bavi; pitanja o postojanju apsolutne istine. Je li istina doista tako objektivna i nepravedna kako je netko predstavlja ili je s njom povezana neka subjektivnost? Obično je objektivan ili se barem široko smatra takvim, a naizgled nema drugih verzija. Ovaj film ga propituje na način da i sam gledatelj ostaje ogorčen pitanjima, često komentirajući kako ljudi ponekad nisu potpuno iskreni ni prema sebi. Tematski je složen koliko god može, a naizgled jednostavan koliko želite.

14. Stalker (1979.)

Zadržavajući svoje manje potomke, koji uključuju iznimno uspješnu televizijsku seriju 'Westworld', podalje, 'Stalkerov' kolosalni utjecaj na vizualno pripovijedanje ne može se precijeniti. Ideje – filozofske, duhovne i znanstvene – kao i njihovo spretno, slavno kinematografsko istraživanje u 'Stalkeru' našle su svoje dojmove na mnogim znanstveno-fantastičnim filmovima koji će uslijediti nakon njega. U radu filmaša poput Terrencea Malicka nije toliko klizanje, izazivanje transa i povremeno, apstraktno kretanje ili pobuđujuća upotreba monokromatske sepije izvan Zone i utisnutih boja na lokacijama u Estoniji. i Lav Diaz, da spomenemo samo neke, ali trajnu strpljivost i poniznost. Uvelike predajući filozofsku vladavinu publici, Tarkovsky ostavlja toliko prostora gledateljima da sami otkriju više metafizičkih aspekata filma da se čak i njegova doslovna i vizualna poezija bez premca čini plodom naše izmišljotine koliko i njegova. i njegovih suradnika'. Pa ipak, film ostaje povučen, vodeći nas u nedokučive misterije uma i srca, a mi ih nikada ne razotkrijemo, jer pravi put nikada nije pravi.

13. Fanny i Alexander (1982.)

Gotovo 35 godina nakon prvog izdanja, Bergmanov posljednji redateljski film jednako je fascinantan za seciranje kao što je to bilo za kritičare diljem svijeta u to vrijeme za koje se činilo da se svi muče kako bi se čulo njihovo mišljenje o njemu. Ova su mišljenja bila mnogo više podijeljena nego danas, ali mjesto filma u Bergmanovoj filmografiji još uvijek je teško definirati. To je drugačije, po tonu, strukturi i čistoj veličini, bilo čemu što je Bergman učinio do tog trenutka. Ali to je također nedvojbeni spoj svih njegovih tematskih i vizualnih instinkata isprepletenih u ovoj tapiseriji jedne obitelji iz ranih 1900-ih u Švedskoj koja potvrđuje život. Čini se da njegova slikovita bujnost privlači svu vašu pažnju pri prvom gledanju sa svojim duboko imerzivnim varijacijama crvene, zelene i blage, tople žute koje čine tako opojnu paletu boja da njezina odsutnost – kada je sve umotano u bijelo, crno i oštro plavo – izgleda kazneno. Bergmanove pomno izrađene kronike zrače poletom obiteljskog piknika i posjeduju poznatost ljudskih veza koje desetljećima drže na okupu iskrena, krhka ljubav. U ovom velikodušno montiranom prikazu života, rođenje i smrt su slučajni. U malom svijetu ovi likovi, kao i većina nas, obitavaju, obimne radosti su sve čemu se čovjek može nadati i dovoljne su im, kao što bi nama trebale biti. Je li sve to iluzija? Gledajući kako ovaj divovski ansambl radi takva čuda, netko bi mogao i pomisliti. Ako jest, vjerujte mi, ne želite da se razbije.

12. Apokalipsa sada (1979.)

Postoje ratni filmovi koji prikazuju zamršenost ratovanja (poput 'Enemy At The Gates'), neki drugi koji vrijeđaju i preziru pojam toga (kao što je 'Pijanist'), a tu je i odvažni 'Apocalypse Now', koji ne nudi mišljenje ili zaključak, ali umjesto toga ogoljava grafički prikaz strahota rata uz veličanje vojnika koji u njemu sudjeluju. Do danas bijesne debate je li 'Apocalypse Now' pro-ratni ili antiratni. Volite ili mrzite; sigurno je da ćete ga zapamtiti. Jedna od najproblematičnijih produkcija u povijesti Hollywooda, finalni rez scenarista i redatelja Francisa Forda Coppole završio je njegovo tehnički najsjajnije djelo. Ogoljena premisa je jednostavna - satnik Willard mora prekinuti kraj s ekstremnom predrasudama pukovnika Kurtza koji je ušao na neprijateljski teritorij i otišao u AWOL. Ali Willardovo iscrpljujuće putovanje preko mučnih vijetnamskih bojišta (uzdignuto zadivljujućom kinematografijom Vittoria Storara) ostaje urezano u umove daleko nakon što se krene. Uz jednu nezaboravnu scenu za drugom i definitivne izvedbe Martina Sheena kao Willarda, Marlona Branda kao Kurtza i Roberta Duvalla kao 'napalmskog entuzijasta' potpukovnika Kilgorea, 'Apocalypse Now', kako je Coppola ispravno rekao, nije o Vijetnamu. Vijetnam je.

11. 400 udaraca (1959.)

'The 400 Blows' Françoisa Truffauta pravo je umjetničko djelo koje proizlazi iz stvarne boli. Zaista iskreno i duboko osobno djelo, Truffaut je posvetio film svom duhovnom ocu i međunarodno priznatom filmskom teoretičaru Andréu Bazinu. Izrazito autobiografske prirode, Truffautovo je djetinjstvo bilo problematično, a to se vrlo jasno odražava u filmu. Izvana, film govori o maloljetničkoj i adolescentnoj delinkvenciji koja je često vođena zanemarivanjem društva i roditelja. Pogledajte malo dublje, i naći ćete film o nadi; nadam se da je i intenzivno i terapeutsko. Antoine Doinel, protagonist, na neki je način oštar prikaz samog društva, društva koje skriva vlastite neuspjehe iza pravila, kazni i presuda. Film teče poput rijeke i vodi publiku na putovanje nade, očaja, empatije, pa čak i čistog bijesa. Ako ste ikada poželjeli vidjeti kako izgleda remek-djelo, ne tražite dalje od 'The 400 Blows'.

10. Mulholland Drive (2001.)

David Lynch nije filmaš. Čovjek je sanjar. A 'Mulholland Drive' je najveći san koji je ikada sanjao. San koji obuhvata svaku emociju koja obuhvaća ljudsko postojanje. Teško je objasniti ili opisati film kao što je 'Mulholland Drive' jer je ovo film o iskustvu i onome što iz njega uzimate, a ne radnja vođena konvencionalnom pričom koja vas hrani odgovorima s kojima biste rado mogli ponijeti kući. Lynch je često izjavljivao da je njegova vizija filma u osnovi izgrađena na brojnim idejama i osjećajima. I to postaje ulaz za razumijevanje filma tako složenog i slojevitog poput 'Mulholland Drivea'. To je labirint snova, ambicija, želja i noćnih mora. Lynch zna što nas najviše užasava i što nas dovodi do potpunog ludila. I upravo ovaj uznemirujuće intimni odraz ljudske podsvijesti čini 'Mulholland Drive' tako duboko mučnim umjetničkim djelom. Onaj koji vas obavija osjećajem topline i nježnosti prije nego što prosiječe vašu lubanju.

9. Kradljivci bicikala (1948.)

Jednostavnost je vrhunska sofisticiranost – Leonardo Da Vinci. Jedan od najtežih zadataka u stvaranju filmova je shvatiti kada završiti svoj film. Završetak u Bicycle Thieves toliko je tonski sinkroniziran s početkom, jer krećemo od Antonija, svakodnevnog čovjeka koji izlazi iz gomile do Antonija, svakodnevnog čovjeka, koji se raspršuje u gomili. Život u poslijeratnom Rimu pretvorio se svakodnevnicu u borbu, i jedva da je bilo ikoga tko bi se izvukao iz te močvare bijede. Malo je filmova koji pružaju introspekciju tako duboku kao Kradljivci bicikala. To je film koji će vam razbiti srce u komadiće, a opet će vas inspirirati da živite život punim plućima. Rijetko kada je film tako jednostavan u svojoj premisi tako briljantno učinkovit u svojoj poruci. Gotovo je nemoguće zaboraviti film nakon što ga pogledate. Iako je najveće postignuće filma u tome koliko je inspirirao brojne neovisne filmaše, koji do danas kao svoju inspiraciju navode 'Kradljivce bicikala'.

8. Tokijska priča (1953.)

'Tokyo Story' je ono čemu teži svaki filmaš koji želi ispričati smislenu priču. Očito, svi oni nisu uspjeli! Nema boljeg primjera filma koji epsku priču prikazuje na tako jednostavan, ali maestralan, efektan i nezaboravan način. S 'Tokyo Story', Yasujiro Ozu postigao je nešto što je san svakog živućeg filmaša: zauvijek ostati u srcu i umu publike. Svatko tko je vidio 'Tokyo Story' znat će o čemu govorim. Film govori priču o ostarjelom, tradicionalnom japanskom paru koji posjećuje svoju djecu u Tokiju samo da bi došao do grube spoznaje da su njihova djeca previše zauzeta svojim životima da bi se brinula za njih i da su se silno udaljila od njih, kulturno i emocionalno . Ono što je također sjajno u vezi s filmom je njegova univerzalna tema s kojom se svatko, bilo gdje, može povezati. Ozuov filmski stil također osigurava da ste zadubljeni u priču koja nudi dubok uvid u promjenu ljudske psihe s promjenjivim vremenima. Jednostavno briljantno!

7. In the Mood For Love (2000)

'In the Mood For Love' jednostavno je najveća ljubavna priča ikada snimljena. Razdoblje. To je tako lako mogla biti predstava ili čak poezija. S prekrasnim, zadivljujućim slikama i izvrsnom glazbom koja prodire dušu, 'In The Mood For Love' priča složenu priču o dvije jednostavne osobe. Dvije osobe koje prolaze kroz strah i mamac zaljubljivanja; a jednom zaljubljena, čista bol što je ostaviš nepotpunom. 'In the Mood for Love' prikazuje ljubav u njenom najranjivijem obliku. I pritom otkriva vlastitu ranjivost i koliko smo bespomoćni pred ljubavlju. Rijetko koji film tako podcijenjen i tako rezerviran ima takav utjecaj nakon gledanja.

Nisam siguran je li redatelj Wong-Kar-Wai namjeravao snimiti film koji je snimio, s obzirom na to da je film uglavnom snimao bez scenarija. Ako pogledate povijest, umjetnička djela koja najviše definiraju su sretne nesreće. Među njih ubrojite 'In the Mood For Love'.

6. 8 1/2 (1963.)

Broj osam i pol u filmografiji talijanskog maestra, ovaj vrući, slatki ep fantazija, noćnih mora i previše zamućene stvarnosti nalik je keksima – odlučno apsurdnog oblika i pečenog na način koji ne dozvoljava da ga se u potpunosti proždire. jedan potez. Njegova zastrašujuća, nemirna kamera nadopunjuje Fellinijevu svjesnu viziju filmaša koji pokušava kanalizirati mnoga promjenjiva iskustva koja je doživio tijekom svog života u čvorovima u svom novom filmu. Koliko god bio poluautobiografski, '8 1/2' prolazi kraj svoje publike sa svom svojom zanosnom složenošću netaknutom tako radikalnim tempom, da sam se zatekao kako pokušavam dekonstruirati njegove oštroumno komponirane slike kako bih pronašao svoje mjesto u Fellinijeva visoka specifičnost, ali nikada nije mogao čvrsto sletjeti na tlo.

Iskorištavajući zasjenjenu gravitaciju Marcella Mastroiannija, Fellinijeva čista električna energija može biti neodoljiva. Držite se svoje percepcije određenog trenutka i prepoznajete njegovo sparno bogatstvo samo da biste otkrili da je redatelj prešao na drugu lepršavu, ljupko staloženu sekvencu. Njegove ideje o umjetnicima i njihovoj zbunjujućoj, smiješnoj opsjednutosti samim sobom mogu se činiti zastarjelim – ili još gore, irelevantnima – ali smjelosti njihove konstrukcije i izraza nikada ne gubimo na umu. Opčini nas i zavarava, nikad nam ne dopušta da skinemo pogled s njega, a onda nam izmiče kroz prste dok nam sine da ga nikada nismo imali u rukama. Fellini se ne razlikuje puno od vidovite Maye u filmu koja kao da zna što svi misle: vještinu koju njezina pomoćnica pripisuje telepatiji. Kada naš protagonist Guido ispituje asistenticu kako to radi, on jasno napominje: To je djelomično trik, a dijelom stvarno. Ne znam, ali događa se. Ne postoje riječi kojima bi se mogao opisati film.

5. Osoba (1966.)

Mislim da se slobodno može reći da je 'Persona' sama razbila kino. Budući da je na površini horor film, klasik Ingmara Bergmana iz 1966. više je studija individualnog identiteta nego bilo što drugo. Koristeći se inovativnim tehnikama montaže, oštrim kutovima kamere, hladnim izrazima, impresivnim dijalozima i sjajnom režijom, ovaj film na što savršeno dvosmisleniji način priča priču o poznatoj glumici koja gubi glas i medicinskoj sestri koja se brine o njoj. u osamljenoj kući, gdje se njihove osebujne osobnosti polako počinju stapati jedna s drugom. Budući da je redateljev najcinematičniji pothvat, 'Persona' se trudi da izokrene svako konvencionalno pravilo filmskog stvaralaštva kako bi pokušao donijeti svježe i očaravajuće iskustvo. Uz neke od najboljih glumačkih ostvarenja ikada postavljenih na celuloid, atmosfera filma pomaže nam da cijenimo pitanja koja imamo o njemu tako što pametno prebacujemo fokus na zanat koji se stavlja u igru. Jednostavno ne postoji ništa poput 'Persone', a to bi vrlo lako mogla biti činjenica.

4. Kum (1972.)

Vjerojatno najutjecajniji film ikada snimljen. Jedna od najrjeđih adaptacija koja je zapravo bolja od izvornog materijala - u ovom slučaju istoimeni roman Maria Puza - film je izdržao kroz vijekove i klasik je u pravom smislu riječi koji postaje sve bolji sa svakim gledanje. Film prikazuje mafijašku obitelj pod Don Vitom Corleoneom i fokusira se na tranziciju njegova sina dok preuzima obiteljski posao nakon patrijarhove smrti. Bez sumnje, izvedbe su jedna od glavnih prednosti ovog filma, a velikani, uključujući Marlona Branda kao Vita Corleonea i Al Pacina kao Michaela Corleonea, redefiniraju glumačke standarde svojim izvedbama. Sve ostalo, posebno scenarij i kinematografija koja postavlja raspoloženje i rezultat, očekivano su A-rate i definiraju žanr. S pravom, ne postoji filmski film koji nije pogledao ovo remek-djelo filma. To je oltar gdje se idemo moliti.

3. Građanin Kane (1941.)

Sveti gral američke kinematografije. 'Građanin Kane' definirao je gotovo svaki aspekt koji obuhvaća kinematografsku umjetnost. Film koji je prekršio bezbrojne filmske konvencije samo da bi stvorio nove. Od svojih revolucionarnih tehničkih detalja, uključujući osvjetljenje, zvuk i vizuale, do vrlo inovativnog stila pripovijedanja, 'Građanin Kane' je promijenio način na koji su filmovi napravljeni. Film je duboko duboka studija karaktera koja poprima oblik misteriozne drame u otkrivanju istine o životu zagonetnog izdavačkog tajkuna čija je posljednja riječ izazvala zanimanje novinara. On kreće na putovanje, istražujući ljudsko biće koje je svojedobno započelo svoj život s sirovim ambicijama i željama, ali će uskoro podleći zavodljivoj moći pohlepe i autoriteta. 'Građanin Kane' neizmjerno je snažno umjetničko djelo koje zadivljuje u istraživanju dubokih tema i bilježi beskrajno složene emocionalne aspekte ljudskog života.

2. Ogledalo (1975.)

Je li umjetnost ikad mogla biti toliko osobna da se ne može razlikovati od njezina tvorca? To je pitanje koje me je sinulo kada sam prvi put vidio 'Ogledalo' Andreja Tarkovskog. Ovo je umjetničko djelo u kojem se umjetnik u potpunosti predaje svom radu da ne razlikujete njega od posla koji radi. Gotovo kao da je Tarkovsky udahnuo cijeli film. Autori su stvarali svoja remek-djela, mijenjajući i oblikujući kinematografiju onako kako ga vidimo danas, ali Tarkovsky je napravio korak dalje od toga i postigao nedostižno; dajući život svojoj umjetnosti. 'The Mirror' samo diše kino. Mogli ste vidjeti Tarkovskog, njegovu obitelj, kulturu u kojoj je odrastao. Zapravo, uspjeli ste vidjeti sebe u tome, svoju majku i postoji onaj osjećaj Deja Vua koji vam pada na pamet, gledajući ova mjesta. Gotovo kao da ste bili tamo, možda u životu ili u snu izgubljeni negdje. A za umjetnika da stvori nešto što je osobno i intimno je nešto što se uistinu ne može opisati. To je film koji potvrđuje ono što smo oduvijek znali: kino je najveća umjetnička forma.

1. 2001.: Odiseja u svemiru (1967.)

Kao i svaki drugi unos na ovom popisu, '2001' je također lekcija iz filmskog stvaralaštva. Nekoliko filmaša, uključujući Christophera Nolana i Denisa Villeneuvea, govorilo je o tome kako im je film bio inspiracija. Dakle, da, film je tehničko čudo. Ali nije to razlog zašto je film bio na vrhu ove liste toliko sjajnih filmova. Sjedi na vrhu jer je to film koji se usudio otići na mjesto gdje nijedan film prije nije prošao. Dovraga, nitko nije ni znao da postoji takvo mjesto na koje bi kino mogao ići. I ako je ikada filmska umjetnost zahtijevala razlog ili dokaz koji bi potvrdio da je njezina svrha postojanja mnogo više od obične zabave, onda je ovdje: potpuno uvjerljiva i krajnje mitska, '2001: Odiseja u svemiru'.

Stanley Kubrick je gotovo svim svojim filmovima proširio horizonte kinematografije. S '2001: Odisejom u svemiru' dao je i novo značenje onome što kino može postići. Većina filmaša koristi kino kao medij za pričanje priče. Ali Kubrick je koristio kino za ispitivanje. Što je pitao? Sve, od Boga do svrhe našeg postojanja. Iako je '2001: Odiseja u svemiru' sam po sebi vrlo inteligentan znanstvenofantastični film, on je i mnogo više. Vjerujem da je to film koji je više filozofska potraga za utvrđivanjem postoji li Bog. Razgovarajte o visokom ciljanju!