100 najboljih filmova svih vremena

Alejandro Jodorowsky Prullansky, poznati čileansko-francuski filmski redatelj, pjesnik, dramatičar i glazbeni skladatelj, jednom je rekao: 'Oduvijek sam mislio da je kino od svih umjetnosti najcjelovitija umjetnost.' Slažem se. Na više načina, kino je zapravo spoj svih ostalih važnih umjetničkih oblika: slikanja, pisanja i glazbe. Ne može biti slučajno da je kino ujedno i najmodernija umjetnička forma. Napokon, evolucija drugih oblika umjetnosti bila je neophodna da bi kino moglo postojati. Činjenica da ostaje najpopularnija umjetnička forma gotovo od trenutka kada je postojala govori vam i o njezinoj snazi ​​i slabosti: lako je dostupan i stoga je komercijaliziraniji.

Imajući to na umu, uzbuđen sam što ću vam predstaviti popis The Cinemaholic’s 100 najboljih filmova svih vremena . Prije nego što započnete s istraživanjem našeg popisa top 100 filmova ikad snimljenih, podsjetimo se opet da popisi po svojoj prirodi nikada nisu savršeni. Dakle, ne tvrdimo da je ovo Sveti gral liste apsolutno najboljih filmova na svijetu. Ali ono što vas mogu uvjeriti jest da je mnoštvo istraživanja prošlo iza sastavljanja ovog popisa. Razmatrane su tisuće filmskih naslova i raspravljalo se o svakom konačnom odabiru. Siguran sam da ćete na popisu pronaći mnoge svoje omiljene filmove. Nedostaju i mnogi moji favoriti! No, umjesto da se frustrirate zbog toga, iskoristite ovu priliku i pogledajte filmove koje niste vidjeli. Tko zna, možda na kraju otkrijete svoje nove favorite (e)!

100. Kišobrani iz Cherbourga (1964.)

Jacques Demy svoju romantičnu operu oslikava nježnom, neumjerenom sofisticiranosti koja izgleda pomalo hipsterski. Ali ova boja nije samo ona na zidovima, odjeći i kišobranima. Također je na obrazima mlade djevojke nevjerojatno zaljubljene dok prelazi ulicu kako bi pozdravila svog ljubavnika i njegovu odsutnost kad vidimo to lice u velu, mladu djevojku koja je sada tuđa mladenka. Ima boja i u načinu na koji ljudi razgovaraju, ili točnije, pjevaju jedni drugima. Ali njihovi se lirski razgovori ne rimuju kao većina pjesama. Kad je sve, od ljubavnih zanimanja do zabrinutosti oko novca, prožeto nerazlučivom strašću, ne bi vam bilo od velike koristi ako idete u ribolov na rimu ili razlog. Iako su film i sva njegova melodijska otkrića, potkrijepljena nezemaljskom glazbom Michela Legranda, zaista romantični, sve odluke koje donose naši likovi, kao i sve u životu, definitivno nisu tako.

Za radnju koja je tako dosadno poznata, kad je vidio da je osnova bezbrojnih pop pjesama i sapunica, svaki kadar filma 'Kišobrani iz Cherbourga', prepun melankolije, primamljivo je svjež, čak i nepoznat. To možete pripisati koliko su emocije iskrene i koliko je njihov izraz iskren. Djelujući na skromnim mjerilima kao i do sada, 'Kišobrani' vas uništavaju i najmanjim odrazima. Zapanjio sam se koliko bi znatan mogao biti utjecaj dviju praznih stolica, koje su jednom napunila dva ljubavnika. U Demyjevoj nježnoj deliciji marširamo karnevalima ispunjenim vrpcama i konfetama, ukrašavamo božićna drvca i darujemo jedni druge, uvlačeći sva svoja osjećanja negdje u kutke srca, jer bez obzira koliko je nečija odsutnost teško podnijeti ili prošlost je zaboraviti, sve što možemo učiniti je živjeti u današnjoj fantaziji.

99. Trainspotting (1996.)

Malo je teško objasniti cinephile poput nas o fanatizmu 'Trainspottinga'. Dogodilo se to u vrijeme kada je stvarnost droga tek počela tonuti. Netko bi rekao, da je glamurozirao zlouporabu droga i donekle je istina. Činjenica koja je proizašla iz toga bio je pokušaj Dannyja Boylea da pokaže visoke i najniže razine zlouporabe droga, ne zauzimajući stranu. 'Trainspotting' je kultni film koji govori o četvorici prijatelja i njihovih pokušaja s ovisnošću. Nečuveno i bizarno jedine su dvije riječi kojima se to opisuje. Ovisnik o drogama koji želi ići čist, samo da bi posustao na svakom koraku zbog svog najdubljeg poriva da se povisi. Velikodušno predoziran humorom, film pokušava krajnje ozbiljno podvući činjenicu: unatoč raskoši koju život nudi, mladi ih uskraćuju. A razlozi? Nema razloga. 'Kome trebaju razlozi kad imate heroin?'

98. Diplomac (1967)

Ah, dani mladosti! Bezbrižno i radosno. Zabava ispunjena ničim za brinuti. Bez brige za prošlost, koja je ostala iza nas, i bez brige za budućnost, koja tek dolazi. Benjamin Braddock vodio je ovaj bezbrižan život, nakon što je završio fakultet. A kad se napokon vratio u svoj rodni grad, tamo je upoznao gospođu Robinson. Plamen afere počinje gorjeti. Život se zaobilazi kad mladi Ben pogreši seks zbog druženja. Postaje vrtoglava, kad padne na njezinu kćer. Film koji izaziva razmišljanja, u ruhu komedije, 'Diplomac' jedan je od najsmješnijih filmova ikad. U glavnoj ulozi Dustin Hoffman, pojavljuje se kultna linija - ‘Gospođo Robinson, pokušavate li me zavesti?’

97. Dvostruki život Veronique (1991.)

Možda nijedan drugi filmaš nije žene razumio tako duboko u emocionalnu dubinu kao što je to činio Krzysztof Kieslowski. Čovjek ih je jednostavno volio i pokazivao je to s takvom strašću i prisnošću da se ne možete ne zaljubiti u njegovu sirovu emocionalnu snagu. 'Dvostruki život Veronique' mogao bi biti samo njegovo najveće umjetničko ostvarenje. Film govori o ženi koja počinje osjećati da nije sama i da dio nje živi negdje na svijetu u drugoj duši. Veronique i Weronika dvije su identične žene koje se ne poznaju, a ipak dijele tajanstveno intimnu emocionalnu vezu između sebe. Visoko stilizirana kinematografija Slawomira Idziak-a film slika nježno melankoličnim osjećajem koji vas obavija i ne uspijeva propustiti. Postoje osjećaji i emocije koje je stvarno teško pretočiti u riječi, a film daje život onim neobjašnjivim osjećajima zamišljene tuge i samoće. 'Dvostruki život Veronique' zapanjujuće je umjetničko djelo koje prikazuje ljudsku dušu u svim njezinim prekrasnim slabostima i nježnosti.

96. Kino Paradiso (1988.)

Mnogi ljudi vide kino kao prepuštanje, razonodu, zabavu koja nema nikakvih posljedica u životu. Ali ja, s vojskom gorljivih cinefila koji će me usrdno podržati, mogu s apsolutnim uvjerenjem tvrditi da je kino životu jednako potrebno kao i život kinematografiji. A ‘Cinema Paradiso’ je prekrasan, ako i ironičan način da iznesem svoje stajalište. Uspješni filmski redatelj Salvatore vratio se jednog dana kući vijestima da je Alfredo umro, nakon čega se vratio u svoj rodni grad na Siciliju 1950-ih. Mladi i nestašni Salvatore (nadimka Toto) otkriva trajnu ljubav prema filmovima koja ga mami u seosku filmsku kuću Cinema Paradiso, gdje je Alfredo projekcionist. Nakon što se dječaku oduševio, stari bub mu postaje očinska figura dok mukotrpno podučava Tota vještinama koje bi bile odskočna daska za njegov filmski uspjeh.

Gledati Totoa i Alfreda s pijetetom kako razgovaraju o kinu, a gledati Alfreda kako daje životne savjete kroz klasične filmske citate, puka je radost. Kroz Totoovu priču o punoljetnosti, 'Cinema Paradiso' baca svjetlo na promjene u talijanskoj kinematografiji i umiruću trgovinu tradicionalnim filmskim stvaralaštvom, montažom i prikazivanjem istražujući san dječaka da napusti svoj gradić i krene u svijet van. Jedan od najboljih 'filmova o filmovima' koji je ikad postojao.

95. Jedan let iznad kukavičjeg gnijezda (1975)

Jedno od onih rijetkih filmskih iskustava zbog kojeg odjednom osjetite mnoštvo emocija. Dijelom je smiješno, u nekima uzdiže, a u drugima puca srce. To je također jedan od ostalih rijetkih podviga u pojednostavljenom, učinkovitom pripovijedanju priča, govoreći o Randleu McMurphyju, kriminalcu koji se u nadi da će izbjeći zatvor, pretvara da je mentalno bolestan i negira krivnju zbog neuračunljivosti. Po dolasku u mentalnu ustanovu, pobunjuje se protiv autoritarne medicinske sestre Rached (koju glumi čelična Louise Fletcher) u klasičnom scenariju reda protiv kaosa. Film utvrđuje da doista nema nikoga tko bolje glumi likove s šarmom u jednakoj mjeri od samog Jacka Nicholsona, donoseći mu zasluženu oskarovsku pobjedu za njegovu izvedbu u filmu. Ono što započinje kao trajni i srčani film, eskalira do tragičnog, premda nadajućeg završetka, nakon uznemirujućih scena koje uključuju samoubojstvo i elektrokonvulzivnu terapiju pacijenata. Film, međutim, nikada ne prepušta pozornost gledatelja i patetiku prema likovima na ekranu, izazivajući istinske emocije i navijanje za ljudski duh koji zrači čak i pred nesretnim autoritetom.

94. Pyaasa (1957.)

Gust idejama o društvenim promjenama i oštrim komentarima na dosadašnju zlobu i stigme društva, 'Pyaasa' nije samo oličio zlatno doba indijske kinematografije, već je bio i odraz same indijske buržoazije. To je film koji ima suptilnu kvalitetu o sebi, gdje se sve drske istine i surove stvarnosti društva tinjaju ispod površine ispod čekajući da ih pažljiva publika istraži i ekstrapolira. 'Pyaasa' je bezvremenski klasik ne bez razloga. Čak i nakon 60 godina izlaska, i dalje je relevantan u moderno doba, jer Indiju i dalje muče iste društvene kletve - korupcija, mizoginija, materijalizam - kojima se 'Pyaasa' izravno ili neizravno obraća.

93. Moderna vremena (1936)

‘Moderna vremena’ šaljivi je film sa snažnom porukom. Noseći Chaplinove zaštitne teme nade i siromaštva, ova se slika usredotočuje na štetne učinke koje strojevi i drugi oblici tehnološkog napretka imaju na obične ljude, izvlačeći u središte pozornosti tvorničkog radnika čiji život prolazi kroz mnoge zavoje i preokrete dok pokušava nositi se s novim svijetom. Iako je šamar šaljivo smiješan, sve je sadržano u posudi tuge. 'Moderna vremena' koriste pametne, suptilne elemente za postavljanje važnih filozofskih pitanja svako malo. Vrhunac je jedan od najdirljivijih ikad, uključuje tužan oblik sreće i nema stvarnog odgovora ili rješenja. Ovaj film možda je Chaplinovo najbolje napisano djelo i iznenađuje koliko su ovdje predstavljene ideje relevantne i danas. Nakon što je nesumnjivo podnio test vremena, put koji Moderna vremena kreće dijeleći svoja razmišljanja vjerojatno je najbolji aspekt ovog kinematografskog trijumfa.

92. Tanka crvena linija (1998)

Terrence Malick Povratak filmskom stvaralaštvu iz dvadesetogodišnje stanke obilježila je ova prekrasno zapanjujuća ratna drama koja istražuje, ne rat, već emocije borbe protiv rata. Film je uistinu malick-ian, s više naglaska na vizualnim stvarima nego na priči, dopuštajući vam da se upijete u njegovo iskustvo. Genij filma leži u Malickovoj viziji viđenja ljepote u nečem tako mračnom i krvavom poput rata. Potreban je apsolutni genij da se nešto tako brutalno i krvavo poput rata pretvori u takvo hipnotičko iskustvo koje nadilazi ratnu stvarnost i umjesto toga omogućuje vam uživanje u osjećajima njegovih likova. To je tako obuzimajuće iskustvo koje traži da osjećate ljude iza pištolja i bombi. To su uništene duše poput nas, koje žude za nježnim dodirom, nedostaje im toplina daha njihovih ljubavnika i supruga, dok se moraju nositi s najružnijom stvarnošću koja je daleko od njih. 'Tanka crvena linija' jednostavno je iskustvo kakvo nema nijedno drugo; onaj koji se mora vidjeti, osjetiti i razmišljati o njemu.

91. Trkač oštricom (1982)

Posljednji rez 'Blade Runnera' Ridleyja Scotta, vjerujem da je najveći distopijski film ikad snimljen. Iako je Metropolis diskutabilan izbor, treba promatrati neautentične vizuale povezane s njemačkim ekspresionističkim kinom. S druge strane, 'Blade Runner' više je nego savršen u izgradnji svijeta koji pati od financijske nejednakosti, porasta stanovništva, nedostatka bilo čega prirodnog jer se ovdje ne može vjerovati ni mesu. Svjetlucava rasvjeta kontekstualno je prirodna, jer je to elektronički svijet i Jordan Cronenweth koristi ga slično kao i svakodnevni osvjetljavajući objekti u film noir. Iako možda neće postaviti tako dalekosežna pitanja poput 'Svemirske odiseje', ali nas tjera da se zapitamo sanjaju li 'androidi zaista električne ovce'.

90. Fargo (1996)

Nasilan, smiješan, topao i brutalno intenzivan, 'Fargo' je jedan od najboljih američkih filmova 90-ih i jedna od najvećih kriminalističkih drama ikad snimljenih. Film govori o čovjeku koji unajmi dvojicu muškaraca da otmu suprugu i iznude novac od svog bogatog tasta. Sjajna upotreba mračnog humora braće Coen prožima film zrakom topline koji daje vrlo prepoznatljiv ton filmu. Upravo ovaj maestralni spoj komedije, drame i nasilja čini 'Fargo' tako nezaboravnim filmskim iskustvom. Taj prekrasni početni snimak snijega ispunjene Minnesote, predivno upotpunjen ukletom ocjenom, daje ton filmu i uspostavlja osjećaj duboke tuge koji leži ispod nasilja i humora u kojem je film prepun. Frances McDormand očito je zvijezda filma i krade show, prikazujući trudnu šeficu policije uhvaćenu u svijetu zla i brutalnosti, ali uspijeva pronaći svjetlo i nadu. 'Fargo' je emocionalno sirov, brutalno intenzivan, zapanjujuće smiješan i bolno realan komad čistog zakivajućeg kina.

89. Gumica (1977)

‘Gumica’ je udžbenik o atmosferskom užasu. Ispričavajući priču o čovjeku čudne kose koji pokušava sam podići svoju obitelj, ovaj film svake se minute pretvara u nadrealnu noćnu moru. Koristeći zvuk i krupne planove kako bi pružio osjećaj klaustrofobičnog straha i uskladio to sa zapletom koji nema puno smisla pri prvom gledanju, debi Davida Lyncha pokazuje se jednim od najboljih majstora redatelja, što je samo po sebi velika pohvala. Ono što 'Eraserhead' čini je stvaranje distopijskog svijeta - poprskana ružnim zgradama i mehaničkim izumljavanjima umočenim u opake crno-bijele - i u njega ubacuje likove koje okolina manje-više zbunjuje. Iako je shvatiti da je 'značenje' ove slike gotovo nemoguće, mora se shvatiti da to nikada nije namjera. ‘Eraserhead’ u svijest svoje publike postavlja osjećaj krajnje nelagode, koristeći se i vizualnim i nadrealnim stilom, te pronalazi način da manipulira njihovim mislima. Samo je šačica slika tako lijepo strukturirana, ali nesumnjivo prijeteća kao ova, a to je nešto što bi samo netko poput Lyncha mogao izvesti.

88. Dječaštvo (2014.)

'Dječaštvo' je dragi podsjetnik na prošle godine nesputane radosti, nepokolebljivog optimizma i pupoljka nevinosti. Oslanja se na izvođenje ljepote, radosti i osjećaja iz uobičajenog života ljudi, a ne iz bilo kojeg pojačanog dramskog djela (kruh i maslac za većinu filmova). Fascinantno je vidjeti kako se od scene do scene mijenjaju ne samo tjelesnost likova, već ćete primijetiti i promjenu njihove mode, frizure, ukusa u glazbi i općenito perspektive o životu. 'Dječaštvo', na način na koji to vrlo malo filmova radi, nadilazi granice kinematografije i postaje maleni dio našeg vlastitog postojanja i iskustva. Linklater nas ponovno podsjeća zašto je najbolji u poslu kad treba pričati jednostavne priče o običnim ljudima.

87. Dani neba (1978)

Evolucija Terrencea Malicka u potpuno kontrolirani, autoritativni filmski vizionar jedna je od najvećih stvari koje su se ikad dogodile američkoj kinematografiji. Iz njegovih ranih djela jasno je da je očajnički želio iskočiti iz konvencionalnih granica kinematografije. Filmovi poput 'Badlands' i 'Days of Heaven' imali su naizgled neposredne narative, ali to su bili filmovi koji su pokušavali biti nešto više. Nešto više od same priče. Iskustvo. ‘Dani neba’ to postižu sjajnije od ‘Badlandsa’. Mnogi su ljudi često kritizirali film zbog njegove slabe priče. Ne bih mogao reći da su u potpunosti u krivu, ali priča, u svakom slučaju, nije najvažniji aspekt filma. Ono što Malick ovdje radi jest da koristi vizualnost kina koja naglašava raspoloženje priče, a ne samu priču. Njegova namjera nije da vas učini emocionalnima koristeći nevolje likova, već da vam omogući da ih promatrate, osjetite ljepotu krajolika i miris njegovog mjesta. A stvoriti takvu vrstu visceralno dirljivog iskustva nije ništa drugo do čudo.

86. Grob krijesnica (1988)

Dirljiv, dirljiv film koji je ravan u svim aspektima kojih se možete sjetiti, dok ostali akcijski filmovi uživo ističu ratni plijen. Ovaj japanski animirani film usredotočio se na strahote Drugog svjetskog rata usredotočujući se na živote braće i sestara, slomio mi je srce na način na koji to nije uspio niti jedan film i još uvijek je tapkao po komadima do samog kraja. Budući da je ratni film, on također čini čuda na ljudskoj fronti, prekrasno ostvarujući i razvijajući nježni odnos između Seite i Setsukoa suočen s nedaćama iz Drugog svjetskog rata. Poruka je glasna i jasna. Nijedan rat nije istinski pobijeđen, a svu slavu koja je za sobom nosila pobjede prati i vapaj nevinih života uništenih u ratu. Pozdravio bih film jer nije bio otvoreno emocionalno manipulirajući i natjerao nas da navijamo za njegove likove; ali nemojte pogriješiti, njegovo moćno i beskompromisno stajalište o ratu i tragikama koje su prošli braća i sestre svest će vas na jecajući nered. TAKO je tužno. Kad se to već kaže, nema drugog načina na koji bih to želio. To je savršenstvo, u svom najsretnijem obliku.

85. Manhattan (1979)

Romansa u filmovima Woodyja Allena uvijek se osjećala bolno istinito i depresivno realno unatoč slasno potresnom smislu za humor kojim ih obavija. Iako 'Annie Hall' ostaje njegov najsmjeliji film, 'Manhattan' umjetnički dolazi kao zrelije djelo. U filmu je Allen glumio dosadnog, zbunjenog Njujorčanina, nedavno se razveo, hodajući sa srednjoškolkom, ali na kraju se zaljubio u ljubavnicu svog najboljeg druga. Allen je malo ublažio humor za ovaj film kako bi dopustio da uistinu osjetimo kako tuga obuzima njegove likove što ga čini tako emocionalno iscrpljujućim iskustvom. To je samo duboko potresan portret lepršavih odnosa i mana ljudi koji se bore sa sobom i svojim postojanjem, očajnički tražeći sreću koju nikada ne bi prepoznali i postigli. I upravo ta slatko nježna, potresna spoznaja ljudskog stanja čini 'Manhattan' tako moćnim filmom.

84. Marketa Lazarova (1967.)

Netjelesna slika snova češke ikone Franti & scaron; ek Vláčil, Marketa Lazarová, jednostavno je jedno od najnevjerojatnijih umjetničkih djela koja su izašla iz 20^thStoljeća. Njegov avangardni pristup filmskom jeziku jedva se uklapa u granice tog često prokletog obrata fraza - jer to je nešto više. Zapanjujuća fuzija vida i zvuka, neograničena konvencijom, strukturom ili bilo kojim zapisanim pravilom, nemilosrdni znanstvenici kinematografije šamarali su filmsku formu tijekom godina. Za usporedbu, sve ostalo izgleda tako strogo kontrolirano - tako neprirodno i izmišljeno u izvršenju. Marketa Lazarová je sirova, visceralna i zapanjujuće dinamična. Ukratko: to je besplatno - pravi vrhunac mogućnosti istraživanja svakog centimetra kinematografskog medija. Po tome spada među najveće filmove ikad snimljene.

83. Singin ’in the Rain (1952)

Singin ’In The Rain najvažniji je mjuzikl Zlatnog doba Hollywooda. Nemoguće je zaboraviti sliku Genea Kellyja kako pleše uz uličnu svjetiljku, kada govorimo o sjajnim trenucima u kinu. Film ne samo da slavi vlastitu stručnost, već i prolazak kina iz vizualnog medija u rezonirajući i poticajni. Monumentalno postignuće u kinu Technicolor, Kellyjev redateljski napor u početku je zabavno odbacivao kritičari i publika. Vjerujem da je važnost ovog klasika iz dana u dan sve jača, jer jaz između vremenskih razdoblja obuhvaćenih filmom (stvarnim životom i kolutovima) i sadašnjosti sve više raste. Gubimo vezu s važnom erom, a ovaj vas film roji svojom nostalgijom.

82. Ne gledaj sada (1973)

Vrlo je teško pronaći vizualni umjetnički rad koji je hipnotičan poput Nicolasa Roega 'Ne gledaj sada'. Po mnogo čemu je ovo remek-djelo poput odvratnog patuljka na kraju. Prekrasno je prekriven ekstatičnim bojama, ali sadrži najgori dio života: smrt. Bez obzira na to koliko je Sutherlandov lik učinkovit, vjerujem da je ovo film vođen emocijama, jer Roeg potragu za izgubljenom ljubavlju stavlja iznad konačne priče. Gotički temelj vrlo je moćan uređaj za uzvikivanje važnosti veza na koje se oslanja, veze očinske i obiteljske ljubavi, kao i davanja neodređenog oblika duhovima koji progone glavnog junaka. 'Neka su mjesta poput ljudi, neka sjaje, a neka ne'.

81. Fight Club (1999.)

Svako malo stigne umjetničko djelo koje definira psihu generacije. Što se kina tiče, pedesete su imale 'Pobunjenika bez razloga', 60-e su imale 'Maturanta', a 70-e su imale 'Američke grafite'. Pa čak i dva desetljeća kasnije, ‘Fight Club’ poput rukavice pristaje zamišljenom, nezadovoljnom, etiografskom etosu naše generacije. Poput mnogih sjajnih filmova, i 'Fight Club' vrlo je podjeljiv i filozofski ga se može interpretirati na mnogo različitih načina - nekima je to definiranje suvremene muškosti, dok drugi misle da veliča nasilje i nihilizam.

U osnovi triler, iz POV-a se govori o filmu o neimenovanom protagonistu koji pati od nesanice i nezadovoljan svojim monotonim poslom koji se križa s nabrijanim proizvođačem sapuna po imenu Tyler Durden. Durden i glavni junak uskoro započinju podzemni 'Klub boraca' kao način da nezadovoljni članovi društva iskažu bijes. Ali uskoro Tylerovi planovi i pripovjedačevi odnosi izmiču mu kontroli, što dovodi do eksplozivnog vrhunca (doslovno!)

Zajedno s držanjem vraga koji se brine, 'Fight Club' također je obilježje nekog as smjera suvremene legende Davida Finchera. Sumorna paleta boja, oštra montaža i glatka obrada kamere nadahnuli su gomilu mračnih trilera koji prate film. Prijelomni film devedesetih.

80. Prije zalaska sunca (2004.)

Evo istine o ljudskoj evoluciji koju vam nitko neće reći: Čovječanstvo će uskoro izgubiti vještinu razgovora. Tehnološki napredak ima veliku nuspojavu: ljudi su sve manje zainteresirani za uspostavljanje stvarnih razgovora - jer imaju tehnologiju iza koje se trebaju skrivati. I upravo zato će se serija Prije držati desetljeća koja slijede. Serija filmova koji govore o dvoje ljudi koji su u stvarnom razgovoru rijetkost su čak i za ovu generaciju. U budućnosti se takvi filmovi uopće neće snimati. Zato će se buduće generacije sa strahopoštovanjem i čuđenjem osvrtati na trilogiju Before. I neću se iznenaditi ako trilogija nađe svoje zasluženo mjesto ne samo u povijesti filma, već i u knjižnici svake filmske škole.

Među tri filma Prije, ističe se ‘Prije zalaska sunca’ jer je najdirljiviji. Film koji inherentno govori o najjačoj ljudskoj želji: želji da budeš s nekim s kim bi mogao provesti ostatak života. Ako pažljivo pogledate, ‘Prije zalaska sunca’ u konačnici postaje zrcalo, gledajući u koje možete prosuditi vlastite odnose: Gdje ste pogriješili? Tko je zapravo bio 'taj' za vas? Koje ste prilike propustili? Što je moglo biti? To je jedan od najrjeđih rijetkih filmova gdje će vaše vlastito iskustvo u životu obogatiti i nahraniti vaše iskustvo s filmom.

79. Matrica (1999.)

Genijalna, pametna ideja koju su na ekranu iznijeli Wachowski, rezultirala je filmom zbog kojeg su mnogi gledatelji postali oprezni prema stvarnosti u kojoj su se našli. Istina je, kad je napravljena 'Matrica', povratka više nije bilo, ona se promijenila stvari. Ne samo da je film u svojoj priči otkrio nešto novo, već je i revolucionirao način na koji su nakon toga začeti znanstvena fantastika i akcijski filmovi. Uspjeh filma 'Matrica' ​​također leži u tome kako se maestralno prebacuje između tema, uključujući filozofiju, egzistencijalizam, pa čak i religiju, sve vrijeme noseći krinku akcije i znanstveno-fantastičnog filma. Neoova sposobnost da manipulira simuliranom stvarnošću za izvođenje naizgled nemogućih podviga i upotreba 'vremena metaka', akcijske tehnike koja je sada ništa manje od ikonične, dodaje filmskoj domišljatosti. Možda je žanr sada pretrpan, ali kad je prvi izašao, sigurno je reći da publika nije vidjela ništa slično.

78. Sedmi kontinent (1989.)

Nazvati filmom 'Sedmi kontinent' Michaela Hanekea horor filmom zvuči mi vrlo pogrešno, ali tako ga naziva većina ljudi koji ga je vidio. S njima je teško raspravljati, jer gledanje ovog filma ostavlja čovjeka koji se osjeća beznadno, potišteno i prestrašeno. Imajući veze s obitelji koja mrzi svijet i život općenito, ovaj klasik iz 1989. zauzima hladan i udaljen stav kako bi dodatno izolirao trojicu igrača iz ostatka društva, što polako, ali sigurno, kod publike duboko osjeća prema njima kao prema njihovom postojanje uzima mračni zaokret. Kao jedan od najnemirljivijih filmova koji je ikad okitio srebrni ekran, Hanekeov prvijenac izruguje gledatelja i nikad ga ne pušta. Ako ga publika naziva horor filmom, onda to čini misleći na zastrašujući film koji nije sličan nijednom drugom. Prekriveni dvosmislenošću i realizmom, Sedmi kontinent je osobno, intimno i zastrašujuće prepričavanje istinite priče koja vas ostavlja u tišini, jer barem nekoliko minuta nakon što završi, postanete nesposobni izgovoriti niti jednu riječ.

77. Zodijak (2007.)

‘Zodijak’ nije vaš konvencionalni triler; usporenog je tempa i više se fokusira na raspoloženje i likove nego na zaplet. Postoji aura koju David Fincher gradi toliko da možete osjetiti raspoloženje filma u svojim kostima. Nije film koji će vas ostaviti sretnima kad završi. To je također film u kojem loš momak pobjeđuje, a dobar gubi. I zato je tako dobro. Ne samo dobro, već i moderno remek-djelo. Kad vas film uspije trzati puna dva i pol sata i ostaviti da danima razmišljate, sigurno je ispravio mnoge stvari koje rutinski stvoreni trileri nemaju. Po mom mišljenju, 'Zodijak' je Fincherov najbolji film, gdje on svojom disciplinom i nizom vještina pokazuje zašto ponekad 'manje je više'.

76. Magnolija (1999.)

'Magnolija' je nesumnjivo najosobnije djelo Paula Thomasa Andersona. Histerična atmosfera koju Anderson ulijeva u film unosi određenu emocionalnu fluidnost u melodramu koja je tako nevjerojatno zarazna i katarzična u svojoj energiji. Film se u cijelosti odvija u dolini San Fernando, a različiti međusobno povezani likovi prolaze kroz različite faze u svom životu, boreći se za rješavanje vlastitih unutarnjih demona i emocionalnih sukoba. Anderson voli te ljude, poznaje ih i razumije ih, ali predstavlja ih kao da su nepristojni oni koji su; oštro gola ljudska bića, sirova i čista, koja se suočavaju i prevladavaju svoje najdublje strahove i slabosti. Ono što ‘Magnoliju’ čini tako posebnom jest to što je to film koji toliko govori o svom filmašu. Dajemo pogled u Andersonov život, mjesto kojemu pripada i ljude u njegovom životu. U cijelom filmu ima toliko puno Andersona. Film poput 'Magnolije', da ga je režirao bilo koji drugi filmaš, osjećao bi se zastarjelo i činio bi se gotovo kao proizvod svog vremena, ali s Andersonom to samo pridonosi privlačnosti filma.

75. Rosemaryina beba (1968)

‘Ružmarinova beba’ je mračno, izvitopereno umjetničko djelo koje se poigrava nevinošću kako bi izgradilo osjećaj užasa. Vezan za ženu koja se tijekom trudnoće suočava s komplikacijama, film zaokružuje potpuno svjež put sa svojom radnjom dopuštajući ritualnim elementima da igraju glavnu ulogu. O ovom filmu ima toliko toga za voljeti, počevši od dobro napisanih likova pa sve do udaljenog okruženja za razmišljanje koje okružuje svaki incident koji se dogodi. U cijeloj slici uvijek postoji osjećaj napetosti, a to je dijelom i zahvaljujući tihoj, dugotrajnoj kinematografiji izvedenoj u uskom redateljskom stilu Polanskog. Mia Farrow ovdje ima najbolju izvedbu u karijeri kao Rosemary Woodhouse, žena koja postaje slabija dok se bori s bolovima koji dolaze s nošenjem djeteta. Sveukupno, atmosferi koju je zabilježio ovaj film poklapa se malo tko drugi, a način na koji vam upada u kožu zapravo je nešto drugo.

74. Dobri, zli i ružni (1966)

Zamamni likovi koje glume legendarni glumci, neobuzdana, brutalna puščana radnja, zakačivanje glazbe i intenzivna kinematografija - treći dio Trilogije ‘Dolari’, za koji se kaže da je rođenje vesterna špageta, snishodljiv je, zadivljujući, u najboljem slučaju zabavlja kinematografiju. Blondie ili No Name (The Good), profesionalni revolveraš, i Tuco (The Ugly), traženi odmetnik, čine nevoljnu odanost kada svaki saznaju važan detalj o zalihi zlata koju skriva odbjegli saveznik. kojeg Angel Eyes (The Bad), ubojicu, ugovorno ubijaju. Putovanje trija tvori srž zapleta koji završava klasičnim zapadnjačkim pogledom. Clint Eastwood u ulozi Blondie slika je mačizma, Lee Van Cleef u ulozi Angel Eyes personificiran je, a Eli Wallach u ulozi Tucoa dodaje složenost karaktera impulsa i bijesa jednostavnijim, ali još razmetljivijim djelima Good Vs Evil dviju većih zvijezda. No uzde su zauvijek režiser u rukama Sergija Leonea - on koristi opsežne duge kadrove i intenzivnu kinematografiju izbliza kako bi stvorio napetost u postupku. Film koji definira žanr Quentin Tarantino, jedan od najvećih eksponenata modernog vesterna, nekada nazvan 'Najbolje režiranim filmom na svijetu'.

73. Putujući igrači (1975)

Predugo je intimni, nježno sastavljeni ep Thea Angelopoulosa bio poznat nekolicini filmskih entuzijasta, a možda ga je cijenilo još manje. Njegovo veličanstveno, postupno postavljanje filmskog spomenika našem ezoteričnom, tajnovitom odnosu s vremenom, razumljivo je, nije za svakoga. Ali za znatiželjnike među nama poznato je da pruža utjehu, daje mudrost i dar percepciji koja pomaže u pronalaženju konstanti za koje se treba držati u ovom univerzalno i okrutno dinamičnom svijetu. Među mnogim stvarima koje ovaj film postiže ispravno je njegovo netaknuto shvaćanje otkrića u priči o 'Orestu'. Mitologija povezana s tragičnom figurom zarobljena je umom omamljujućom poniznošću, a opet, film nas uspijeva prenijeti kroz svoju gipku viziju do melankoličnog, dugotrajnog pogleda na Grčku sredinom 20. stoljeća. Njegova privremena elegancija opravdava gledanje povijesti stojeći pored trupe: izvana unutra. Skloni ste oboje osjetiti njezinu grubost i odraziti se na njezino stvaranje. Rijetka je antifašistička lekcija iz povijesti jer nam nikad ne govori što da mislimo. To nam samo pokazuje što da osjećamo. Angelopoulos i snimatelj Giorgos Arvanitis smještaju nas u mjesta koja zaustavljaju srce i ispiraju ih razornom surovošću razdoblja. 'Putujući igrači' skroman je, rijedak dragulj koji se osjeća kao da je spašen s ulica prepunih nereda i preživio od gladi. Jednostavnije rečeno, mi to ne zaslužujemo.

72. Predmemorija (2005.)

Michaela Hanekea često optužuju da se uvijek bavio sumornim narativima. Ta je karakterizacija potpuno nepravedna jer ono što on u suštini čini jest pružanje humanog uvida u tamu koja nas sve obavija, kako naše manjkave percepcije vode do mučne izolacije i kako naše zablude smanjuju šanse da prebrodimo spomenutu izolaciju. 'Caché' nije samo masivan, prljav dokument koji ukazuje na opakost masakra na rijeci Seini 1961. i našu nehumanost kao društvo, već i poetski univerzalnu studiju likova. Georges, naš glavni junak, doživljava život i njegovu prisutnost kao društveno biće u iskrivljenom osjećaju radosti. Bježi od udobnosti povjerenja i komunikacije s drugima. Uživa u svojoj otuđenosti, baš kao što otuđuje i toliko onih koji ga drže tako dragog. Time se Haneke ruga generaciji koja želi ostati sama. Njegova je kamera ponekad neobično udaljena, baš kao što je toliko nas u odnosu na okolinu. Ali u njegovoj kontroli, moramo se suprotstaviti svojoj nepristojnosti, svojoj nepromišljenosti i svojoj stvarnosti. Jedno od najizazovnijih djela kina koje ćete ikada vidjeti.

71. Duh košnice (1973)

Španjolski majstor Victor Erice snimio je samo tri igrana filma prije odlaska u mirovinu. Još uvijek živi i danas, njegovi filmovi poput El Sur-a, Dunja 'Sunčano drvo', a posebno Spirit of the Beehive, njegov neodredivi debi, zbog kojih svi želimo da još uvijek snima filmove. Parabilna priča o dvoje djece, jedno istražujući svoje postojanje s nevinom, često zbunjujućom fascinacijom, a drugo opsjednuto filmom 'Frankenstein' koji je igrao u njihovom lokalnom kazalištu. Njegov mistificirajući portret španjolskog srca ostavljen je u primamljivoj dvosmislenosti u karakterističnom neutralnom smjeru Erice - rijetko se upuštajući u kinematografsku metodu u korist tihog promatranja. Rezultirajuće djelo zbunjuje, zaokuplja i ostavit će vas da se zapitate o nužnoj zagonetci samog života: njegovim neodgovornim pitanjima, velikim misterijama i njihovoj zbunjujućoj nedostupnosti. Ako vas ostavimo potpuno shrvane ili neusporedivo dirnute, nema sumnje da će bilo koje krajnje 'Duh košnice' biti važno iskustvo.

70. Svi predsjednikovi ljudi (1976.)

Watergate. Jedna riječ koja je spustila zavjese pred predsjedništvom Richarda Nixona i natjerala ljude da shvate da se čak i osoba predsjednikovog stasa može sagnuti u najmanjoj mogućoj mjeri da svoje stvari završi. Dok su predsjednički prijatelji bili zauzeti čišćenjem nereda koji je stvorio, bilo je dvojice novinara koji su odahnuli. Unatoč prijetećim prijetnjama, neumorno su radili, provodili čak i najsitnije tragove, a ponekad su u procesu stvarali opasnost kako bi ljudima donijeli činjenice. Na temelju istoimene knjige koju su napisali novinari Bob Woodward i Carl Bernstein, 'Svi predsjednički ljudi' pronicljivo je zapažanje onoga što istinsko novinarstvo treba biti. Režirao ga je Alan J Pakula, nominiran je za osam nagrada akademije, na kraju je osvojio tri i usput izgubio najbolju sliku od 'Rockyja'.

69. Vojska sjena (1969)

Mislim da je izvrsna usporedba koju treba napraviti za novopridošlice u djelu Jean-Pierrea Melvillea Stanley Kubrick. Oboje prakticiraju krajnju tehničku preciznost i odišu apsolutnim povjerenjem u svaki kolut posla koji su proveli u dugim i kreativno unosnim karijerama. To je rečeno, jeftina, ali izazovna žalba koju svatko može podnijeti američkom redatelju njegova je 'bezdušnost'. Slobodno mjesto ljudskog izraza. Takav slučaj nije s Melvilleom. U ‘Vojsci sjena’ Melvilleovi likovi izgaraju gorkom iskrom očajanja koja svaku njihovu radnju cijedi čovječanstvom. U smrtonosnom svijetu pokreta Ratni otpor jedan lažni potez može rezultirati potpunim uništenjem i Melville sa spomenutom gracioznošću i virtuoznom kontrolom nad svojim kinematografom šiva sjeme posve vjerodostojnog, uvjerljivo mrtvog svijeta. 'Vojska sjena' jedno je od najtiših, intrigantnih i monumentalno najutjecajnijih djela koja će izaći iz francuske kinematografije - a ako propustite takav kriminalno zanemareni klasik, bilo bi to što biste sebi učinili tešku medvjeđu uslugu.

68. Sjaj (1980)

Svojom adaptacijom klasika Stephena Kinga, Stanley Kubrick stvorio je 1980. film koji je nastavio redefinirati horor žanr. Ovdje se ne plaše samo priča ili likovi. Okoliš i način snimanja sjajno pomažu u dopuštanju nesnalažljive napetosti da prodre u umove publike. Film prati Jacka Torrencea, novoimenovanog skrbnika u hotelu The Overlook, i njegovu obitelj dok provode razdoblje krajnje izolacije u tajnovitoj zgradi. Kroz zapanjujuće performanse i izvrsnu kameru, Kubrick osigurava da sadržaj filma duboko zaroni u našu podsvijest. Način na koji manipulira zvukom i atmosferom apsolutno je nevjerojatan i stvara nezaboravna, kao i hladna kralježnica dva i pol sata. Svijet 'The Shining' prekrasno je mračan, čvrsto vas stežući za ovratnik tijekom cijelog trećeg čina koji oduzima dah.

67. Kineska četvrt (1974)

Tu je film noir i neo-noir, a točno između njih dvoje sjedi Jake Gittes, uredno odjeven u oštru fedoru kako bi pohvalio tu smiješku na njegovom licu. Iako je veliki ljubitelj Polankija, uvijek postoji nešto što se ne podudara s krajnjim proizvodom njegovih filmova. Osim Kineske četvrti. Ovo osnovno remek-djelo nije samo stvorilo identitet za sebe, već ga uvijek gledaju filmaši koji posuđuju njegov stil kako bi stvorili identitet za svoj film. Polanski je mađioničar na poslu, zavarajući nas prepoznatljivim tragovima, kao i klasičnim noir koračanjem i postavljanjem. Ali onda dolazi posljednji čin Kineske četvrti, koji tako brzo ruši svaku konvenciju koja je prvotno bila vezana uz slične misteriozne filmove, a vi ostajete s prevladavajućim osjećajem šoka i očaja. Neuspjeh da pobijedi Kum II još me uvijek zbunjuje, ali nakon pola stoljeća ljudi su zaboravili Siciliju, ali nikada Kinesku četvrt.

66. Satan Tango (1994.)

Ispovijest broj jedan: gotovo nikad nisam vidio prostrano, čudesno remek-djelo Béle Tarr. Netko bi pretpostavio njegov najdraži cinefilski status i izvanrednu reputaciju koju je stekao među američkim krugovima umjetničkih kuća, a među najinformiranijim filmskim kritičarima širom svijeta zainteresirao bih. Ali silna neizmjernost njegovog trajanja (oko 432 minute) i tempo poput lorisa u kojem sam toliko uživao u Tarrovim 'Werckmeister Harmonies' činili su se zastrašujućim. Ispovijest broj dva: ‘Sátántangó’ sam prvi put vidio u jednom potezu. Hipnotizirao me pragmatičan osjećaj za stvarni svijet i strpljiv, razborit osjećaj za kino. Više je promatrao nego što je odražavao i promišljao, nego što je davao lijepo oblikovane izjave. Njegov mitski, sumorni realizam bio je predobar da bi bio istinit i previše brutalan da bi se realizirao s takvim očima za ljepotu.

Sve što sam želio učiniti do kraja bilo je zatvoriti sve prozore i zaviti se u tamu, jer mi je film bio poput onog luđaka u crkvi i njegovo je plakanje imalo previše smisla. Ispovijest broj tri: Ushićen sam što mogu izvijestiti da su mi pronicljiva društvena i politička razmišljanja „Sátántangóa“ počela da postaju jasna kad sam joj se više puta vraćao. Ljeto provedeno u proždiranju romana Lászla Krasznahorkaija, koji djeluje kao izvorni materijal za film, bilo je posebno nezaboravno. Sve što sada mogu je nadati se da ću i dalje ubirati dividende ove sretne nesreće.

65. Egzorcist (1973)

'Egzorcist' Williama Friedkina savršeno je režiran. Čovjek je zloglasan zbog neravnomjernog karijernog puta u kojem klasika pada u nesvijest (a često i dvije skupine prelaze zbog nekih fascinantnih istraživanja filmske bestidnosti). Sa svojim najboljim filmom, Friedkin je odlučio snimiti dramu koja se upravo dogodila o demonskom posjedovanju: šivanje patetike za njegove složene likove i visceralno prevođenje teksta izvornog autora Williama Petera Blattyja zarobljenog između vjerovanja i sakaćenja sumnje. Krajnji rezultat dvaju prekrasnih umjetnika koji rade na vrhu svoje igre kako bi isporučili svjetlucav klasik američke kinematografije: Jedan koji pomračuje gotovo svaki film u njegovom žanru (bar možda nesvjesno užasavajući 'Wake in Fright' ili bezobzirni tour-de Tobea Hoopera) -sila Teksaški masakar motornom pilom ). Jednostavno zapanjujuće.

64. Suspiria (1977)

'Jer u svojim snovima ulazimo u svijet koji je potpuno naš vlastiti' - J.K.Rowling. A što bi bilo kad bi jedan od najskrivenijih umova kina odlučio poprskati svoju podsvijest na komad filma. Smatra se da Suspiria Darija Argenta svojom čudno strukturiranom pričom prkosi filmskoj logici. Ali vjerujem da je to neoekspresionističko remek-djelo koje bilježi istinsku bit kinematografije, a to je da se osjećamo istinski, istinski živima. Argento razumije vrijednost svemira i stoga pokazuje veći fokus na kinematografiju i scenografiju, koji su dominantni stanovnici njegova filma. 'Suspiria' ne predstavlja samo Argentov stil, već i čitav talijanski horor, žanr potaknut estetikom umjetnosti.

63. Izbjegli čovjek (1956)

Besprijekorno precizan i nadahnuto ekonomičan, tako rijetki bulseye Roberta Bressona zadivljen je filmom 'Čovjek pobjegao' iz 1956. godine. Vrhunac čovjekovih živih moći kao filmaša, prati pokušaje francuskog agenta otpora Fontainea da pobjegne iz sve opasnijeg nacističkog zatvora i pronalazi smisao u svakom pojedinačnom kadru. Od zapanjujuće ljudskog prikazivanja voditeljstva ne-glumca Françoisa Letterriera, čiji su upali obrazi i izbijene oči tako uvjerljivo izražavale poraznu težinu života u ratu, do Bressonovog minimalizma koji je uspio njegovati prisnu intimu između publike i rečenog očajnika : Od čestih POV-ova i elegantnih kompozicija koje nisu pretjerivale u tehnikama, Bressonovo djelo oko njega ponekad se utopilo. Ne bih odsjekao niti jedan kadar - i stoga pokret služi kao apsolutno važan način obrazovanja za nadobudne filmaše: naslikajte nešto tako živo i gusto, a da se nikad ne osjeća prepotentno.

62. Ubiti pticu rugalicu (1962)

U vremenima poput ovih nema boljeg filma od filma „Ubiti pticu rugalicu“ koji objašnjava neonacistima pravo značenje kaste, vjere i rase. Smješten u vremenske crte rasno podijeljene Amerike, Afroamerikanac je optužen za kršenje skromnosti bijelke. Na vrhuncu rasne nepravde, kada sud pun bijelaca ganja njegovu krv, svodi se na to da se jedan čovjek bori protiv svog slučaja. Jedan bijelac, po imenu Atticus Finch. Hrabro se borio da iznese činjenicu da su svi ljudi jednaki na sudu, bili oni obojeni ili ne. Njegov je napor uzaludan, jer sud muškarca proglašava krivim. No ono što gledatelju ostaje unatrag je lekcija koju Atticus Finch ulijeva svojoj djeci. Odnosno, ‘nikad stvarno ne razumiješ osobu dok stvari ne razmotriš s njezine točke gledišta’. Temeljen na istoimenom bestseleru Harper Lee, 'To Kill A Mockingbird' jedan je od najvećih filmova svih vremena.

61. Stražnji prozor (1957)

Ono što razlikuje triler-film remek-djela od tekuće kanalizacije koja nas redovito gomila, jest to što u ovom potoku zaokreti dolaze munjevito, počivajući više na našem šoku nego na istinitosti uvijanja da bi utjecali. No, u filmovima poput 'Stražnji prozor', sitnice očite iz vremena profesionalnih fotografa u invalidskim kolicima L.B. 'Jeff' Jeffries gleda iz svog stražnjeg prozora nakupljaju se kap po kap dok ne poplave, što čini bezazlenog Jeffa sumnjom da je muškarac koji živi preko dvorišta počinio ubojstvo. Hitchcock majstorski koristi svoj fotoaparat poput alata iluzionista kako bi gledatelje držao napetima, zavaranima i nagađanjima sve dok se čeljust ne spusti. Kroz Jeffovo opsesivno vrebanje svoje teme koja zanima, Hitchcock komentira zablude voajerizma, koliko to može biti primamljivo i sumornost usamljenog urbanog načina života koji do njega dovodi. Još nevjerojatnije, to je jednako komentar o voajerizmu gledatelja kao i Jeffov; kao što smo zarobljeni Jeffovim zarobljavanjem. Gledanje kad se ne gleda je opaka radost; Hitchcock to zna, divi mu se i uvlači nas u to.

60. 4 mjeseca 3 tjedna i 2 dana (2007)

Neki vas filmovi pokreću; neki vas nasmiju; neki vam slome srce. ‘4 mjeseca, 3 tjedna i 2 dana’ pripadaju posebnoj kategoriji filmova: onima koji vas čine tjeskobnima i nervoznima. Kao što ste pretpostavili, takvi su filmovi vjerojatno najrjeđa rijetka pasmina. Film prati dvojicu prijatelja koji pokušavaju organizirati pobačaj u brutalnom komunističkom režimu Ceausescua u Rumunjskoj. Visceralan i beskompromisan, film vas uhvati za otpatke vrata i nikad vas ne pušta. Gledanje ovog filma je poput doživljaja uništavanja crijeva koje imate kad nervozno čekate da netko od vaših najmilijih izađe iz operacijskog kazališta nakon operacije. To nije samo realistična kinematografija u svom najboljem izdanju; to je također jedan od filmova koji vam mijenjaju život ikada ćete vidjeti.

59. Prošla godina u Marienbadu (1961)

Film Alana Resnaisa iz 1961. 'Prošle godine u Marienbadu' je najbliže vizualizaciji sna, i to na što čudniji način. Glazba koja zauzima pozadinu većine vremena izvođenja djeluje kao sedativ koji publiku dovodi u uspavano stanje. Unatoč tome, prilično je nemoguće skrenuti pogled s ekrana, jer se toliko toga događa na cijeloj slici, iako se prikazuje samo malo. Volim razmišljati o ‘Prošloj godini u Marienbadu’ kao film zamišljen iz podsvijesti, zbog svoje repetitivne i zbunjujuće prirode. Likovi su zbunjeni zbog bizarnog svijeta u koji su i oni stavljeni. Riječ je o zrelom i sofisticiranom komadu, a nalazim da je srž radnje - koji uključuje muškarca i njegovu vezu sa neobičnom ženom koje se on sjeća dobro upoznao godinu ranije, premda se ne sjeća istog o njemu - vrlo impresivan, originalan, strastven, romantičan, snovit i, naravno, sjajan.

58. Divlje jagode (1957)

Jeste li ikad bili na putovanju gdje nemate ništa bolje od pogleda kroz prozor? Neko vrijeme promatrate pogled izvana, prije nego što vam navale misli i ono što je vani sada je samo predložak - više vam ne zadržava pažnju. Tako se događa s Isakom Borgom, glavnim junakom Bergmanovog klasičnog raspoloženja koji je svoje mjesto pronašao na bezbroj svih najboljih filmova, uključujući onaj koji je 1963. godine sastavio Stanley Kubrick. Putuje sa svojom snahom kako bi dobio diplomu 'doktora Jubilarisa' iz njegove alma mater. Ne sviđa joj se i planira napustiti sina. Ali našeg profesora, kakvog je glumio briljantni Victor Sjöström, budućnost ne zanima previše. Njegove misli i kao posljedica toga, film, katapultiran od strane mnogih ljudi s kojima se susreće tijekom putovanja, bacaju svjetlost samo na njegovu prošlost. Gledano kroz Bergmanovu oproštajnu, sigurnu leću, njegova su sjećanja jednostavna, poznata i ljudska. Ne veličaju njegov život ili ne odbacuju njegova postignuća. Oni su neuredni, poput većine naših i namjerno iskrivljeni. Kad napokon stigne na mjesto gdje mu se ukazuje čast, shvatimo da mu nikad nije trebala nagrada. Već ga je dobio u onim jagodama koje je sakupljao s dragom iz djetinjstva, trgovcem koji ga se sjećao, teškim odnosima sa suprugom, dobrima i zlima, otkupljivima i neoprostivima. Kao i mi, u obliku ovog tajanstvenog, neobjašnjivo dirljivog filma.

57. Pravila igre (1939)

Genijalna, zafrkavajuća komedija manira Jeana Renoira uspijeva se iznenađujuće dobro održati nakon svih ovih godina, a pritom ostaje razigrana i ukleta kao i uvijek. U izdanju su ga se klonili i kritičari i publika, što je rezultiralo time da je Renoir nakon katastrofalne premijere izrezao značajan dio filma - dijela koji je uglavnom sadržavao lik Octave, koju je glumio sam Renoir. Otada teško iznenađuje njezin rast u stasu. Film je u svom lukavom, autoritativnom žongliranju likovima, temama, tonovima i postavkama uvijek delirično zabavan, ali nikada ništa manje marljiv ili manje raskošno izrađen od najboljih svjetskih kinematografija iz tog razdoblja. Njegova skrupulozno iskovana slika pulsira sofisticirano, ali napor se nikad ne vidi i film vas ostavlja razjapljenim u čudu koliko ste duboko upleteni u njegovu vješto izgrađenu atmosferu. Kinematograf Jean Bachelet i Renoir igraju se s kamerom na način koji filmu daje prozračnost, ali njihova neumoljiva kontrola čini ga neprestano intrigantnim pothvatom. Ako sve ovo nije dovoljno, trebali biste znati da je Alain Resnais jednom rekao da je film jedno od najljepših iskustava koje je ikad doživio u kinu. Bilo bi teško pronaći blistaviju preporuku.

56. Treći čovjek (1949)

Film-noir žanr je povezan s filmovima koji obiluju mračnim uličicama, tajnim, zavodljivim likovima, osjećajem tajanstvenosti i kremastom crno-bijelom koja sve to presvlači. Iako su mnoge od ovih slika intrigantne i dobro se zabavljaju, malo njih pokušava nešto inovativno i drugačije. Treći čovjek jedan je od najvećih film-noira koji je ikad snimljen, jer iznimno dobro priča svoju zapanjujuću priču, koristeći impresivne nizozemske nagibe, upečatljivu svjetlost i prekrasnu glazbu. Film ima veze s čovjekom i njegovom samostalnom istragom ubojstva njegova financijski dobrostojećeg prijatelja. Radnja Treći čovjek obložena je romantikom, mračnim humorom, preokretima i neizvjesnošću. U svojoj srži film se može nazvati slatkom ljubavnom pričom, ali uz sve ostalo ubačeno u tu zaljubljenost ostaje sumnja. Reprodukujući maestralno napisan scenarij, magnum opus Carol Reed drži vas na rubu sjedala sve od svog skromnog, laganog prvog čina do kraja koji bi mogao biti najpametnije finale bilo koje slike koju ' ikad ću vidjeti.

55. Plač i šapat (1972)

Tragična obiteljska drama Ingmara Bergmana bavi se tugom koja je i besprijekorno očajna i grozničavo hitna. Nije strpljivo građena scena po scenu i isporučena na pladnju do kraja. Natjerani ste da ga udahnete od samog otvaranja filma koji glavne igrače i njihovu otvrdlujuću, zapaljivu tugu upoznaje s raskošnim planovima iz kojih je njihova neugodna nelagoda živo vidljiva. Sve je to prekriveno nemilosrdnom mnoštvom crvene boje, u obliku grimizne boje kojom su oslikani zidovi kuće u kojoj se priča odvija. Bergman nas osvijesti zbog smrada smrti koji žene okružuje tako impozantnim smjerom da stvarna smrt nije razlog za uzbunu. Nasilna žudnja žena učinila je da sve u filmu bude sjećanje, natopljeno krvlju, u mom umu. Stalno fascinantni vizualni prikazi Svena Nykvista ublaženi su Bergmanovim suptilnim pisanjem i majstorski proživljenim predstavama glumaca. Svijetla Liv Ullman čini se da mistificira i očarava svaki put kad je kamera na nju, dok nevjerljive Ingrid Thulin i Harriet Andersson toliko su neokaljane u svom poslu da im se čini invazivnim doći u kontakt s njihovim osjećajima. Bergman nam ne daje jasne ideje koje bismo mogli ponijeti kući, ali uskraćuje nam sve druge senzacije osim onih koje doživljavaju njegovi likovi. Pitamo se dokle ide njegov pristup našim osjećajima i on ga proširuje na svakom koraku. U konačnici, ‘Krikovima i šapatima’ nije za vjerovati, već za život.

54. Bilo jednom na zapadu (1968)

Možda je to Morriconeov ukleti rezultat ili možda vizija Delli Colli koja je ogromna poput Zapada ili možda nepokolebljivi pijesak koji vrvi u očima Bronsona i Fonde i možda je vrhunac svih ovih aspekata u gotovo svakom kadru maestro, Sergio Leone . Ako vam treba vestern koji ima i ljepotu Johna Forda i nemilosrdnu divljinu Sama Peckinpaha, tada jednostavno nema nikoga blizu Leonea. U svom magnum opusu postiže ono za što su mu prethodno trebala 3 filma, da stvori mistični svijet usred ničega. Iako na površini možda nema ništa duhovno, film ima bogove. Bogovi sportske krune napunjene s 10 litara baruta i zrnom koje progutaju vodom. Također, uloga Henryja Fonde za antagonista vjerojatno je bila odluka tog desetljeća, jer njegove ledeno plave oči nisu bile slične ničemu što je Zapad ikada vidio.

53. Annie Hall (1977)

Nitko ne može tvrditi da razumije zbunjujuću, sveobuhvatnu enigmu koja je ljubav poput Woodyja Allena. I niti jedan film Woodyja Allena ne može se prikazati u njegovoj istinskoj, neobičnoj slavi od ove priče o Alvyju Singeru, neurotičnom, nihilističkom komičaru u New Yorku koji se zaljubio u 'više od ljubavi' s nesretnom, lepršavom, razdraganom Annie Hall i zatim ispada iz nje. Film također istražuje rodne razlike u seksualnosti kroz vezu Alvy's i Annie 'Yin and Yang'. Na kraju, čak i Alvy prihvaća ljubav kao 'iracionalnu i ludu i apsurdnu', ali nužnu u životu. Korištenje više inovativnih narativnih tehnika, poput improviziranog razbijanja četvrtog zida, brze izmjene prošlosti i sadašnjosti kroz glatke rezove, prikazujući u titlovima kako se Alvy ili Annie osjećaju dok zapravo govore nešto posve drugačije, i dodavanje ' priča u priči 'kao vrhunac, podižu već angažiranu priču. 'Annie Hall' vjerojatno je prva uistinu modernistička romansa o celuloidu i umjesto nje nadahnula je generaciju romantičnih komedija. Nijedna nije tako šarmantna kao ona koju ipak žele oponašati.

52. M (1931)

Početak tehnologije snimanja glasa, fenomen za koji je masthead bio ‘Pjevač jazza’ 1927. godine, doveo je do apsurdnog zasićenja dijaloga u filmovima. Tehnologija se uzimala zdravo za gotovo kao izravna nadogradnja, umjesto kao alat koji se koristi zajedno s etabliranim filmskim jezikom. Fritz Lang, čovjek koji je započeo karijeru u nijemoj kinematografiji nizom majstorskih djela, uključujući Destiny, dr. Mabusea Kockara, Die Nibelugen i izuzetnu Metropolis. Njegova migracija na zvuk dosegla je vrhunac u filmu 'M' iz 1931. godine - filmu koji je, suprotno svim okolnim izvorima, uklonio gotovo svu ambijentalnu buku. Rezultat je tihi talki s nadmoćno beživotnom atmosferom: onaj koji tako učinkovito podupire njegov narativ. Dotična priča napada napadača djeteta ubojicu i nesposobnost njemačke vlade u njegovom hvatanju - formirajući vlastiti sud klokana da kazni ubojicu. Ono što Lang ovdje priopćava nevjerojatne je zrelosti u poruci: Pravda koja zaslužuje biti potpuno urušena političkim kontekstom tog vremena - zabilježenom politikom eutanazije Nacional-socijalističke stranke i sve nasilnijim idealima koji se očituju kao opaki tumor na optužbama ljudi . Izvedba Petera Lorrea, bogata patetikom i izmučenim humanizmom, pomaže kući ubiti duboku prijevaru 'M'-a koja se neizmjerno kreće i do danas.

51. 12 bijesnih muškaraca (1957.)

Odgovor je li dječak kriv ili ne, nikada nećemo saznati. Ali jedno što 12 Angry Men potvrđuje jest da će logika uvijek prevladati nad intuicijom, ako postoji jedan zdrav čovjek usred svijeta budala. A je li glupost bolest ili samo nusprodukt neznanja? Drama Sidneya Lumeta ne traži da mozak koristite preko srca, već nastojite doseći točku u kojoj možete donijeti odluku, oboje radeći u tandemu. Zajedno sa scenarijem za zakivanje, koji ponosno ulazi u nastavni plan i program svake filmske škole diljem svijeta, snimanje kamera i postavljanje scena upravo su izvan japanskog klasika Novog vala. Ponašajući se nezaboravnim nastupom ansambla, 12 Angry Men spomenik je američke kinematografije.

50. Svjetla grada (1931)

Nema puno ranih filmaša koji imaju prepoznavanje i popularnost u današnjoj kulturi u kojoj Chaplin uživa. To bi moglo biti iz mnogih razloga. Njegovi filmovi razgovaraju sa svakim i urnebesno su smiješni, ali i više od toga, njegove priče na melankolične situacije gledaju u šaljivom svjetlu. Takav je slučaj s vjerojatno njegovom najosobnijom slikom, 'Gradska svjetla', koja govori o skitnici i njegovim naporima da impresionira, kao i da pomogne siromašnoj slijepoj cvjetnici. To čini pod fasadom, pretvarajući se da je bogat čovjek kako bi privukao njezinu pažnju, ali pritom nailazi na probleme. Kad film i danas bude jednako smiješan i dirljiv kao i prije više od 75 godina, to obično znači da nešto radi kako treba. 'Gradska svjetla' ostavila su traga u svijetu svojim prikazom siromaštva i života tijekom teških godina depresije, koji je tako dobro izveden i smatrao je da nikada ne uspijeva pokrenuti publiku, cijelo vrijeme pružajući im nadu u bolje sutra.

49. Dođi i vidi (1985.)

Potonja polovica nevjerojatno vješteg filmskog tima, redatelj Elem Kilmov bio je oženjen Larisom Shepitko - sjajnom virtuozom iza 'Krila' i 'Uspona'. Kad je tako tužno umrla u prometnoj nesreći, Kilmov je završio rad na svom iznimnom nedovršenom projektu 'Zbogom' (koji je jednostavno mogao zauzeti ovo mjesto) - i mislim da ono što sve ovo čini toliko snažnim jest način na koji čovjekova tuga krvari svaki kadar njegova djela. Kilmovo kino kipi od neiskazanog bijesa i očaja: Hulking u vlastitoj ogromnoj težini osjećaja - a malo je filmova ikad snimljenih pulsiralo s tako snažnim osjećajem kao Dođi vidjeti . Vjerojatno, najbolji ratni film koji je ikad snimljen, njegov pakleni prikaz invazije Wehrmachta na Bjelorusiju odjekuje zaglušujućim eksplozijama, košmarnim vizualima i svijetom koji se polako iscrpljuje životom - njegove scene snimljene u prekrasnom, šupljem svjetlu. Ipak, u svoj toj muci Kilmov pronalazi put do razumijevanja u njezinom transcendentalno zrelom zaključku. Možda, u svojoj predanosti promišljanju o prolaznosti života, napokon pronalazi snagu da zakopa kosti svoje pokojne supruge. Može se samo nadati.

48. Sedmi pečat (1957)

Već od prvih slika Bergmanovog ikonskog dokumenta o vjeri, strahu i zadovoljstvu baca se čarolija na vas. Oštri, zrnasti pogled na more, obalu i na njemu hrabrog viteza i njegov sudbonosni susret s personifikacijom smrti definira jasnoću cilja filma, čak i ako ostavlja prostor za zavodljivu, gotovo zastrašujuću dvosmislenost da bude stalno prisutna. Koristeći magnetsku izvedbu neusporedivog Maxa von Sydowa i grupe glumaca koji Bergmanov zapanjujući materijal, temeljen na njegovoj predstavi 'Slikarstvo drveta', podižu na neočekivane razine, 'Sedmi pečat' u svojih oskudnih 90 minuta utječe na stara bajka koja se prenosila generacijama i koja pokreće maštu daleko širu nego što se ona sama može nadati da će je sadržati. Svjetlucava, svježa crno-bijela Gunnar Fischer osigurava da nam intenzivnost drljanja uđe pod kožu. Tečnost poput struje rezultat je pripovijesti koja se odvija s uzvišenim samopouzdanjem i opipljivom ravnodušnošću. Možda je to posve jednostavna priča, koja unatoč tome u svojim grudima skriva vrijedne ideje, ali ušivena je tkaninom tako zamršenom i odvažnom, da je ne možete ponovno pogledati kako bi se pretočila u trajno sjećanje.

47. La Dolce Vita (1960)

Fellinijev oprezno, strpljivo i poetski omekšani virtuoz u potpunosti je prikazan u njegovom dobitniku Zlatne palme koji u svom duševnom i sjenovitom glamuru bilježi način života koji se čini previše neuhvatljiv i na neki način daleko previše stvaran. Njegov tempo naglašava osjećaj besciljnosti glavnog junaka i prisiljava nas da se okupamo u simfonijskom rasporedu živosti života i koliko je sve to prolazno. Ovog protagonista glumi najbolji u karijeri Marcello Mastroianni, koji koristi taj dar vremena kako bi mu oči ispunio neodoljivom svjetskom umornošću. Preispitivanje značaja nekih dijelova 'La Dolce Vita' koji se mogu činiti lišenima filozofske važnosti ili narativne relevantnosti jest odbacivanje mogućnosti da se prepustite pikantnim detaljima da vas preplave, a zatim sagledaju posljedice. Dok nas nebeski rezultat Nino Rota uvodi u vrtoglavi svijet Rima, gledano kroz Fellinijevo iluzorno oko, vidite samo ono što on želi da vi vidite i to brzo postaje ono što i vi želite vidjeti.

46. ​​Psiho (1960)

Ljudska bića se u najboljem slučaju mogu opisati kao neobična. Ljudski um koji je sposoban za mnoge zapanjujuće stvari, također je sposoban degenerirati se do neshvatljivog. 'Psiho' Alfreda Hitchcocka ne treba predstavljati jer drži glavu visoko, usred bezvremenih kina. Osim što je klasik, to je i tužan komentar na propali moral ljudi. I nije da vam smeta Norman Bates! Kaustično držanje gospođe Bates koje je Normanov život pretvorio u propast kroz njegovo djetinjstvo i na kraju odraslu dob podsjetnik je na to kako ljubav može gušiti. Poznato je da je gospodin Hitchcock usvojio neobične politike za 'Psiho', koje su uključivale i ne dozvoljavanje kasnih ulaska u film. Usvojen je kako bi se osigurala puna pravda prema sceni pulsirajućeg vrhunca filma. Triler do najistinitijeg oblika, 'Psiho' je priča o sinu, njegovoj majci i njihovoj nezdravoj vezi posesivnosti. Hitchcocka su tako žestoko čuvali oko finala, da je film promovirao na sljedeći red - 'Ne dajte kraj - to je jedini koji imamo!'

45. Solaris (1972)

‘Solaris’ Tarkovskog prilično je poput fenomena prikazanih u filmu. Od zagonetke svojim duboko ukorijenjenim konceptom do evolucije u entitet s kojim se ne mogu rastati, to je iskustvo koje me tjera da se zapitam o zaboravnoj prirodi svake molekule koja čini svemir. Možda smo svjesni znanstvenih dimenzija, ali može li bilo koji instrument izračunati količinu ljubavi ili tuge koju ima netko u nanogramu srca? Može li išta pronaći moždanu stanicu u kojoj se nalazi nezaboravna uspomena? Od Bachove čarobne glazbe u uvodnom nizu do višegodišnje autoceste, Tarkovsky je iskoristio vrijeme da odvoji gledatelja od funkcioniranja normalnog svijeta. Solaris je područje u kojem vas osjećaji šalju s ludošću, ali tko ne bi volio kad je ludost lijepo dodirnuti i dovoljno visceralna da vas oslobodi vlastitog ja.

44. Schindlerov popis (1993.)

Važan film koji u velikoj mjeri koristi Spielbergov njuh za dramsko, jednako je uznemirujuće i osjetljivo iskustvo za sebe. Film je, kao i mnogi drugi na ovom popisu, masterclass u nečemu što volim nazvati pojednostavljenim, dojmljivim pripovijedanjem. Pripovijest prati Oskara Schindlera, njemačkog poduzetnika koji je spasio živote više od tisuću Židova zaposlivši ih u svojim tvornicama tijekom holokausta. Sva trojica, Liam Neeson kao Oskar Schindler, Ralph Fiennes kao Amon Goth i Ben Kingsley kao Itzhak Stern u sjajnoj su formi, okrećući se u najiskrenijim nastupima. Scena posebno pred kraj filma, u kojoj se Schindler raspada s obzirom na to koliko je još života mogao spasiti, duboko se miče i ostaje mi u sjećanju kao jedna od najmoćnijih scena koja daje srce u Kinu. To što je film snimljen u crno-bijeloj tehnici, uz rijetku, povremenu upotrebu boja za simboliziranje ili isticanje važnog elementa, pojačava iskustvo. Lako, najbolji Spielbergov film, ostaje neophodno iskustvo gledanja filma.

43. Lawrence od Arabije (1962)

Kino kao medij postaje sve grandioznije. S najmodernijom tehnologijom na raspolaganju, današnji filmaši nude nam neka visceralna kinematografska iskustva. No, postoje neki filmovi snimljeni prije nego što je CGI bio u modi, čija silna i monumentalna razmjera nisu pronašli vršnjaka. Epska povijesna drama Davida Leana zasnovana na životu T. E. Lawrence , jedna od najpoznatijih britanskih figura, jedan je od takvih filmova. U njemu glumi Pater O’Toole kao Lawrence i bilježi njegove pustolovine na Arapskom poluotoku tijekom Prvog svjetskog rata. Od samog početka, David Lean slika sjajnu pokretnu sliku beskrajne pustinje u punom sjaju, uz pomoć kinematografa Freddiea Younga i zadivljujuće partiture Mauricea Jarrea. Ali to ni na koji način ne žrtvuje osjećaje za ekstravaganciju. U svom srcu, 'Lawrence of Arabia' zapanjujuća je karakterna studija Lawrencea - njegove emocionalne borbe s osobnim nasiljem svojstvenim ratu, vlastitim identitetom i podijeljenom odanošću rodne Britanije i vojske i novoosnovanih drugova unutar arapska pustinjska plemena. Ova korisna kvaliteta čini film 'Lawrence Of Arabia' jednim od najutjecajnijih filmova koji su ikad postojali.

42. Tragači (1956)

Vjerojatno najveći vestern ikad snimljen, najbolji film velike karijere Johna Forda, 'The Searchers' američki je klasik, među najfinijim filmovima koji su nastali iz pedesetih. Iako su se u to vrijeme divili i poštovali, njegova razarajuća, zapanjujuća snaga nekoliko godina nije bila prepoznata, ali početkom sedamdesetih bio je proglašen klasikom žanra i možda najfinijim vesternom ikad napravljenim. Zasigurno je vrijeme nagrizlo snagu nekih filmova, ali ne onu visoku, bijesnu izvedbu Waynea, kao ni rasizam u filmu koji potiče bijes i bijes. Pokretački narativ filma, Ethan i njegova potraga su bezvremenski, danas jednako snažni kao i tada, možda i više jer su toliko suptilne točke priče sada jasne.

41. Pather Panchali (1955.)

Film koji je indijsku kinematografiju donio u svijet i kinematografiji dao jednog od najboljih autora, Satyajit Raya. Temeljen na romanu Bibhutibhusana Bandopadhaya, 'Pather Panchali' priča priču o siromašnoj obitelji, koja pokušava napredovati kroz brojne životne nedaće. Može se tvrditi da ono romantizira siromaštvo, jer gledatelj svjedoči mnogim iskušenjima s kojima se obitelj suočava, zarađujući za život. Unatoč tome, gledatelji ostaju trenuci prošarani glazbom maestra Ravija Shankara. Nježni odnos između Appu i njezine sestre Durge, slijed vlakova koji je jedan od vrhunaca filma, film odvodi na sasvim drugu razinu. 'Pather Panchali' s godinama je postao jedan od kultnih filmova i redovito se pojavljuje na popisima najvećih filmova svih vremena, i to zasluženo.

40. Casablanca (1942)

Vrhunski američki klasični film. Postoji možda nešto toliko zarazno u njegovom šarmu da ga se još uvijek zaljubite, čak i svih ovih godina stoga. Osim neizmjernog faktora ponovne gledljivosti, njegov nezaboravan rezultat (Kako vrijeme prolazi!) I dijalog koji se može nadasve citirati čine jak slučaj. Jednostavno rečeno, poslastica je kada su svi elementi sjajnog kinematografskog iskustva prisutni u baš pravim količinama!

Priča je u najmanju ruku jednostavna, s vremena na vrijeme gotovo na granici s banalnim. Ciničan, slomljenog srca koji vodi najpoznatiji noćni klub u Casablanci nađe se na raskrižju kada se dama koju je volio pojavi sa svojim mužem. Uređaji radnje ovdje su čuvena prolazna pisma, ali priča je točno o dvoje ljubavnika postavljenim u pozadini ranih faza Drugog svjetskog rata i teškoj odluci s kojom se suočio Bogartov lik, o vješanju ili puštanju. Međutim, kao i kod mnogih filmova ovog žanra, ovrha čini trik, pretvarajući 'Casablancu' u jednu od najzanimljivijih romantičnih drama svih vremena koja je također nevjerojatno dobro odglumljena; Humphrey Bogart i Ingrid Bergman vrhunski su, a podržavaju ih igrači poput Paula Henreida, Claudea Rainsa i Conrada Veidta.

39. Barry Lyndon (1975)

Kad na kino gledate kao na umjetničku formu, ne može se poreći savršenstvo Barryja Lyndona, od prekrasne kinematografije, očaravajućih postavki, izvanredne glazbe do moćne režije. Kao priča govori o životu mladića u Europi iz 18. stoljeća dok se penjao stubama prema aristokraciji, da bi ga njegova loša sudbina odvela dolje. Slika u sebi sadrži neke od najvećih scena ikad snimljenih, pri čemu se svjetlost, boje, tjelesne značajke itd. Odbijaju od čeljusti. Ne postoji bolji način da se saže život osobe nego da se objektivno sagleda, a to je ono ovaj je film izveo pomoću nepouzdanog pripovjedača. Hladno je i udaljeno, a publici rijetko daje priliku da osjeća protagonista. Iz ove perspektive, Barry Lyndon je raskošna studija karaktera, s bogatim likovima, realističnim dodirom i poetskim načinom prenošenja osjećaja. Jednostavno je kino u svom najboljem izdanju.

38. General

Jedan od najstarijih naslova na popisu, 'General' služi kao podsjetnik da mnoga moderna akcijska remek-djela sjede u vrlo dugoj sjeni, a baca ih nitko drugi doli tihi komični genije Buster Keaton. Ponašajući se tako impresivnim opusom kao čak i Charlie Chaplin, simpatični skitnica potonjeg umjetnika trguje mjestima s kavalkadom divno glupih likova u Keatonovom slučaju; svi okruženi čekinjavom filmskom radoznalošću koja je protezala granice medija u pokretima poput Sherlocka mlađeg i Snimatelja. Sve to, a da se ni ne spominje njegov magnum opus, General iz 1927. godine: Nakon inženjera Konfederacije koji je žurio upozoriti svoju stranu na napredovanje trupa Unije tijekom američkog građanskog rata. Njegova pripovijest čini predložak za nedavni film 'Mad Max: Fury Road' Georgea Millera i gotovo svaki film o mački i mišu koji je ikad snimljen, trajan svojom urnebesnom komedijom, impresivnim specijalnim efektima i bravuroznim vratolomijama zbog kojih Keaton više dovodi život u opasnost nego jednom za pohvalu njegove ljubavne publike. General ostaje jedan od, ako ne i najfiniji akcijski film koji je ikad snimljen - onaj koji se zabavlja svakim trunkom svog bića i uspije sazvati što više vrhunski obrađenih trenutaka epskih razmjera kako bi se nadmetao s bilo kojom današnjom mahom opterećenom CG-om.

37. Blow Up (1966.)

Vrijeme ? Razmahanih šezdesetih. Mjesto? London. Grad koji zasljepljuje i blješti. Živahna i glamurozna. Seks, droga i rock n roll. Sve u svemu, dan u životu Thomasa, modnog fotografa koji živi život, pa recimo sumnjivog morala. U danu punom događaja, prolazeći kroz fotografije para koji je prilično tajno zarobio u parku, u njemu otkriva mrtvo tijelo. Odlazi na isto mjesto i pronalazi da je tijelo muškarac iz para. Uplašen, vraća se u svoj studio kako bi ga pronašao razorenog, ali s jednom fotografijom mrtvog tijela. Sljedeći dan tijelo nestaje. Tko ga je ubio? I zašto je tijelo nestalo? Zašto je Thomas osjećao da ga slijede? 'Blow Up' razredni je čin redatelja Michelangela Antonionija koji je tijekom godina nadahnuo mnoge filmaše, uključujući Briana De Palmu i Francisa Forda Coppolu.

36. Vječno sunce besprijekornog uma (2003)

Vrtoglava, nadrealna epifanija ljubavi i slomljenog srca nikada nije istražena na način i do stupnja uspjeha s kojim to postiže 'Vječno sunce besprijekornog uma'. Bujna s prekrasnim slikama i inventivnom notom sličnom zvučnom zapisu iz tihog doba, nemoguće je objasniti sve o ‘Vječnom suncu besprijekornog uma’. Nema sumnje da je film slojevit s teško slijedivim narativom - iako je zapravo jednostavan kad ga jednom počnete pratiti - jedan je od onih filmova koji obilato nagrađuje jednostavno zato što se ne možete zaustaviti da ne padnete u nesvijest nad vrlo promišljenim konceptom i duboko potresnim film da je. Ali prava zvijezda emisije je njezin pisac, Charlie Kaufman , koji je u obliku 'Vječnog sunca besprijekornog uma', možda vrlo dobro napisao najsjajniji scenarij ikad u povijesti filma. Film koji je ne samo jedinstven na svoj način već ga je i beskrajno moguće gledati s nečim novim što se može naći u svakom gledanju.

35. Taksist (1976.)

U 'Taksistu' Martin Scorsese daje nam jednog od najnemećenijih, malo vjerojatnih, a ipak hirovitih protagonista našeg doba u Travisu Bickleu. Film ga prati dok postaje taksist kako bi se izborio sa svojom nesanicom i gleda ga kako ga polako svladava sve ludilo u gradu oko njega. Pravi način na koji Taksist pobjeđuje kao film je kako uspijeva prikrasti vam se, polako se probijajući kroz ljigavost i užas koji se čini da pogađa Travisa Bicklea. U tome s pravom zarađuje svoju razliku kao psihološki triler više od drame, često radeći na više razina nego samo na dvije. Film za neke možda predstavlja uznemirujući sat zbog svoje tamne tematike, još mračnijeg tretmana i pregršt nasilja, ali za gledatelje koji su voljni pogledati mimo njega, nije ništa drugo do sjajan pokušaj razumijevanja dijela ljudska psiha koja najčešće proizlazi iz oblika budnosti. Mislim, tko ne razmišlja o tome da se uzdigne do nekorektnosti našeg vremena i vrati je? To je ta duboko ukorijenjena fantazija o ispunjavanju želja s kojom se 'Taksist' igra na vrlo učinkovit način. Film se danas smatra jednim od najvažnijih filmova ikad snimljenih i predstavio je svijetu silu koja je bila Scorsese.

34. Putovi slave (1957)

Prije nego što je Stanley Kubrick krenuo u istraživanje neobjašnjivih aspekata društva koji ne samo da su nadilazili vrijeme, već i očekivanja gledatelja od njih samih, napravio je ovaj ratni komad za zakivanje koji svrstavam uz bok 'Dođi i vidi'. Za razliku od potonjeg, Paths of Glory izdvaja svoje srceparajuće izdanje WW-a iz iste plitkosti čovječanstva, koja je dominirala Kubrickovim posljednjim djelima. U Kubrikovom svijetu demoni nisu prekriveni krvlju i blatom, već medaljama i ponosom, a vrag se upušta u najsvetije mjesto, dvor. U vrijeme kada je industrija prihvatila atraktivnu 3 traku, Kubrickov monokromni rat naslikao je jednom nijansom. Tijela, krpe, vojarne, dim, pepeo, sve zakamuflirano zajedničkim prizorom mučne muke.

33. Tri boje: crvena (1994)

Najtužniji dio umjetnikove smrti je kad pomislite da je njihovo konačno djelo njihovo najveće ikad. To je bio slučaj s poljskim autorem Krzysztofom Kieslowskim i njegovim posljednjim filmom 'Crveno'. Kieslowski je već najavio povlačenje iz filma nakon premijere filma u Cannesu 1994. godine, ali to je njegova tragična smrt gotovo dvije godine nakon što je najavio umirovljenje, što ga čini još dubljim tugom. 'Crveno' je posljednji dio njegove hvaljene trilogije 'Tri boje', a govori o mladoj ženi koja naiđe na starca nakon što je automobilom slučajno udarila njegovog psa. Starac je umirovljeni sudac, odvojen od života i bilo kakvih emocija i vrijeme provodi špijunirajući druge ljude. Između njih dvoje razvija se nevjerojatna veza s suptilnim romantičnim prizvucima. ‘Crveno’ govori o šansama i slučajnostima koje nas svakodnevno pogađaju i našem nepriznavanju ljepote i značaja toga. Neobjašnjiv je osjećaj melankolije koji se provlači kroz film o tragediji ljudske sudbine i vremena i o tome kako smo svi kao ljudi na svijetu na neki ili onaj način povezani. 'Crveno' je nevjerojatan podvig u stvaranju filmova i jednostavno je jedan od najvećih filmova ikad snimljenih.

32. Blago Sierre Madre (1948)

Kao što i samo ime govori, potragu za blagom često povezujemo s pulsirajućom pustolovinom i adrenalinom povezanim s njom. No, vrlo je malo priča koje govore o osjećajima koje ljudi prolaze dok kreću na put da bi došli do tog zlata. Često se govori da nedaća otkriva vaš istinski karakter. ‘The Treasure Of Sierra Madre’ priča priču u kojoj žudnja za zlatom donosi neukusne promjene u likovima, što u konačnici rezultira njihovom individualnom pustoši. Iako je fokus na pohlepi koja kvari savjest, promatraču ostaje proučavanje ljudskog karaktera u nepovoljnim situacijama. Tragična priča o pohlepi i izdaji, ovaj je film osvojio akademiju za najboljeg redatelja, najbolje adaptirani scenarij i najboljeg sporednog glumca. Tijekom godina ovo je postalo kultni klasik za ljubitelje filmova širom svijeta.

31. Pulp fikcija (1994.)

Celulozna fikcija, pojam koji se označava u časopisima ili knjigama koji ističu vrh nasilja, seksa i kriminala. Ovi su elementi natjerali časopise da se prodaju poput vrućih palačinki. Tarantino je uzeo ove elemente, spojio ih oko tri priče i stvorio narativ koji je bio ništa manji od filmskog genija. Jedan od najjedinstvenijih filmova o pop kulturi koji je snimljen, gledatelj se upoznaje sa svijetom mafijaškog napadača Vincenta Vege, njegovog partnera u zločinu i motociklu Julesa Winnfielda, gangsterove supruge Mie Wallace, boksača Butcha Coolidgea i oduševljava se njegov moderan tretman zločina i nasilja. Jedan od najvažnijih aspekata filma koji je pridonio njegovom uspjehu bila je izvedba Samuela L Jacksona. Kao ubojica Jules Winnfield koji biblijske stihove citira kao udarne crte, bio je fenomenalan. Jedan od najvećih filmova ove ere, 'Pulp Fiction' postao je udžbenik za ambiciozne svjetske filmaše.

30. Bitka kod Alžira (1966)

Rijetki su filmovi nosili teret politike na način da obogaćuju njihov filmski učinak, ali prepušteno je tačno zapaljivom talijanskom maestru Gillu Pontecorvu da uzme još uvijek tinjajuću bljesku kasnih 50-ih godina francuskog kolonijalnog ugnjetavanja alžirskog naroda i pretvori ga u nešto krajnje uvjerljivo. Još uvijek predviđajuće paralele koje danas izvrsno neutralno promatra Pontecorvo terorizam i terorizam koje su počinile obje strane čine doživljavanje 'bitke za Alžir' fascinantnim intelektualnim izazovom našem razumijevanju crno-bijelog ratovanja, a la laktavom hladnoćom Miklósa Jancsóova neizbrisiva filmografija. Štoviše, njegove su tehnike uređivanja vijesti orijentir u filmskoj komunikaciji i po mom su mišljenju daleko snažnije koristile mahnite tehnike rezanja Nouvelle Vague od mnogih njezinih istraživačkih masthedova. Jednom viđen, nikad zaboravljen - 'Bitka za Alžir' jednostavno je osnovni dio svjetske kinematografije.

29. Goodfellas (1990)

San je redatelja stvoriti filmski epohalni period u kojem je nastao. Ali za Martina Scorsesea to je navika. Svakog desetljeća bio je A-Lister, snimio je film za koji se smatra da je jedan od najvećih u tom razdoblju. Napravio je 'Taksista' 1970-ih, 'Raging Bull' 1980-ih, 'Goodfellas' 1990-ih, 'The Departed' 2000-ih i 'The Wolf Of Wall Street' 2010-ih. A to je gangsterska drama iz 1990. koja se temelji na istinitoj priči o mafijaškom suradniku Henryju Hillu koja je postala jedno od mjerila u žanru. Film, koji je u prvom licu ispričao Hill, bilježi njegov uspon i pad kao dio njujorške mafije od 1955. do 1980. Za razliku od sve gangsterske ekstravagancije u 'Kumu' ili 'Scarfaceu', 'Goodfellas' se bavi autentične sitnice svakodnevnog gangsterskog života, usredotočujući se na onoliko pozornosti na Hillov odnos sa suprugom Karen koliko i na njegove podvige s drugovima iz bande. Ali Scorsese koristi sve strelice u svom drhtaju trikova da ovu aferu učini primamljivom ovaj legendarni snimak dugog praćenja , neki nezaboravni dijalog i eksplozivan čin Joea Pescija kao Tommyja DeVita, burnog Hillova suradnika. Što se tiče žanra zločina, ‘Goodfellas’ je onoliko dobar koliko i dobiva.

28. Bijesni bik (1980)

Martin Scorsese poznat je po tome što u svojim filmovima prikazuje priče slomljenih, manjkavih, često autodestruktivnih protagonista. A često je pretraživao anale povijesti kako bi pronašao svoje pale junake u istinitim pričama. 'Bijesni bik' životna je priča legendarnog boksača Jakea LaMotte, čiji su autodestruktivni i opsesivni bijes, seksualna ljubomora i animalistički apetit, zbog kojih je postao prvak u ringu, uništili njegov odnos sa suprugom i obitelji. Film je u potpunosti snimljen u crno-bijeloj tehnici, kako bi uistinu prikazao doba u koje je postavljen i mračno, depresivno raspoloženje koje je definirao. Scorsese je očekivao da će ovo biti njegov konačni projekt. Stoga je bio vrlo zahtjevan u svom filmskom stvaralaštvu. Jednako je posvećen bio i Robert De Niro, koji glumi u naslovnoj ulozi. Dobio je 60 kilograma i zapravo je trenirao kao boksač. Kratko spojene manire LaMotte upija vatrenim savršenstvom dok se potpuno uranja u karakter. Dobio je zasluženo za svoje nevolje. Ovo je najveći trijumf Scorsese-De Nira. Intenzivan, moćan magnum opus.

27. Kum: II. Dio (1974)

U povijesti drugih obroka malo je filmova koji su ispunili slavu prvog, a u nekim aspektima ih nadilaze. Ako se napravi popis s takvim filmovima, 'Kum: II. Dio' bit će njegov krunski dragulj. Ispunjavanje naslijeđa prvog samo je za sebe bio mamutski zadatak, ali ovaj nastavak sage 'Kum' ne samo da je uspio u tome, već je proširio i svoje naslijeđe kako bi postao dio najveće američke priče o organiziranom kriminalu ikad ispričane. Film predstavlja dvije paralelne pripovijesti; jedan koji se bavio Michaelom Corleoneom kao novim šefom Corleoneove 'obiteljske tvrtke', drugi koji je izvrsnog Roberta De Nira predstavio kao mladog Vita Corleonea i njegov uspon na vlast. Dvije su priče vješto ispletene, pružajući primamljivu pripovijest koja gledatelja niti jednom ne popušta. Al Pacino ovdje radi neka od svojih najboljih djela, njegov novootkriveni pogled gotovo prežvakava scenografiju svaki put kad se pojavi na ekranu. Jedan od onih gotovo savršenih filmova koji se mogu gledati bez obzira na vrijeme, mjesto i vaše posljednje gledanje, a svejedno završite u potpunom podnošenju i strahopoštovanju prema njemu. Ako je Dio I sveti oltar, Dio II je kruh i vino.

26. satna naranča (1971)

Prvo što mi vjerojatno padne na pamet kad se od nas zatraži da jednom riječju opišem je ‘uznemirujuće’. Jedini film na popisu koji se usuđujem posjetiti, uhvatila sam se kako se nekoliko puta trznem dok sam gledala ovaj film. 'Narandža sa satom' društveni je komentar u svojoj beskompromisnosti, pruža oštre slike od kojih se čovjek nikada neće oporaviti. Mrak je, uvrnut je i ne pruža iskupljenje onima koji ga traže u filmu s vjerojatno najokrutnijom izvedbom distopije u društvenom smislu. I u tome se, vjerujem, krije uspjeh filma u vođenju uznemirujuće poruke kući. Nekonvencionalan na bilo koji način koji možete zamisliti, pruža nam protagoniste koji su unatoč srži i prepuštaju se djelima 'ultraljubičastosti' i silovanja; komentira društveno političko stanje stvari na najoštriji način na koji možete zamisliti, dovodi vas u stanje zbunjenosti jer je Alex DeLarge (kojeg glumi karizmatični Malcolm McDowell) podvrgnut neljudskim načinima popravljanja i ostavlja publiku u daleko od svih stvari zbog kojih vas ovo uznemirujuće iskustvo odjednom osjeća. Uistinu, djelo Kubrickianovih razmjera.

25. Vrtoglavica (1958.)

Priča o 'Vrtoglavici' ide ovako - bivši detektiv Scotty (James Stewart) pati od akrofobije zbog incidenta koji se dogodio u vršenju dužnosti. Prilazi mu stari prijatelj da pripazi na svoju suprugu Madeleine za koju vjeruje da je opsjednuta. U početku skeptična, Scottie ubrzo postaje autodestruktivno opsjednuta lijepom damom, koja je čini se puno više nego što dopušta. Sjaj Alfreda Hitchcocka leži u činjenici da njegovi najveći filmovi, oduševljavajući ih pogledati prvi put, čine da gledatelju otvaraju novi sloj razumijevanja u svakom sljedećem zavirivanju. Svakako, letimičnim pogledom, ‘Vrtoglavica; je dobro osmišljena misterija psihološkog ubojstva. Ali dok ga iznova i iznova promatrate, njegove teme muške agresije i građenja ženske slike u muškom umu počinju se razvijati poput beskonačne kutije i obuzimaju vas. Vjerojatno najfiniji film koji je ikad snimljen, polako gorući sjaj Vertiga svjedoči činjenica da se film, nakon otvaranja za mješovite kritike, smatra jednim od najvećih filmova ikad snimljenih. Remek djelo majstora trilera.

24. Hirošima, ljubavi moja (1959)

Rođen iz uma francuskog vizionara s lijeve obale Alaina Resnaisa, 'Hiroshima mon amour' film je koji plače transcendentalnom snagom. Njegova priča o vremenu isprepletena s pamćenjem i ožiljcima oboje koji su se dogodili u Hirošimi tijekom Drugog svjetskog rata, ispričana kroz dvoje ljudi - Jedan Francuz, Jedan Japanac - dok pokušavaju sastaviti prevladavajuću poruku opustošenja koja je tamo prouzročena. Samo što se od takve ludosti ništa ne može dobiti, intelektualno ili emocionalno. To je djelo uronjeno u međunarodnu tugu koja seže dalje od samog sukoba i u istine i represije koje progone ljude svaki dan. Kroz odjeke atomske eksplozije pronalazimo mali dio onoga što sa nama samima toliko nije u redu. Činjenica da Resnais jednostavno razumije ovu nedodirljivu zbrku, umjesto da je pokušava popraviti, ono je što 'Hiroshimu mon amour' čini jednim od velikih kinematografskih remek-djela.

23. Slučajni Baltazar (1966)

Pusto remek-djelo Roberta Bressona vježba je osjećaja. Udaljava se od definiranja jasnog protagonista ili središnje teme, osim ako ne ubrojite čudesnu silu prirode koja je Baltazar, a ako film uzmete u obzir, nećete. Ali ako mu dopustite da bude vaša točka pristupa emocionalnom i tematskom krajoliku filma, teško je vratiti se iz njega nenagrađeno. Baltazarov osebujan, mršav i hladan vizualni stil u retrospektivi djeluje gotovo glamurozno; njegova mirna krhkost umotana u rezignirani, posebno mudar osjećaj kontrole. Čak i njegova opipljiva iskrenost krije proučeni napor da se malo suzdrži, da u svojoj jednostavnosti postavljanja i karaktera hrani bogatstvo prepušteno publici da otkriva, a u nekim slučajevima od kojih zastaje dah, zamislite. Budući da glumci tako malo govore o svojoj nevolji, doživljavamo slučajna, nerazumna djela okrutnosti i osjećamo zagušujuću tugu za ih. U obliku u kojem čak i najuspješniji umjetnici imaju za cilj samo pojačati osjetila gledatelja prilagođavajući se isprobanim, Bressonove slike pružile su mi lirski predložak na kojem temeljim veličinu svog suosjećanja, čak da procijenim koliko je to suosjećanje svjesno .

Sve me to vraća na moju izvornu misao. Dodjeljivanje značaja svakom trenutku u ‘Baltazaru’ ne ovisi o tome pretpostavljamo li njegov sadržaj alegorijama socijalne ili čak političke prirode, već načinu na koji nas čine osjećati uživajući u njihovoj složenosti i tišini, umjesto da se oslanjaju na bezumno izlaganje kojem pribjegava većina filmova. Stoga je sasvim logično da glavni junak bude istoimeni magarac.

22. Andrej Rubljov (1966)

Vjerujem da je ‘Andrej Rublev’ najveći primjer ruskog autora Andreja Tarkovskog koncepta kiparstva u vremenu. Mnogo njegovih posljednjih djela bilo je apstraktno, jer se bavio nevjerojatno osobnim temama i vizualizacijom, koja je bila raspršena kroz razdoblja vremena. S ‘Andrejem Rubljovim’ Tarkovski je zarobio samo vrijeme, a zatim ga pogladio najdubljim nijansama umjetnikove duše. Tarkovsky je vjerojatno jedini filmaš koji je mogao postići najviše postignuće u prikazivanju umjetnikove represije. Istražuje ugnjetavačke režime u Rusiji koji su isto toliko autohtoni za zemlju koliko i njezina duboka literatura koja je iznenađujuće dovela u pitanje najatraktivnija pitanja koja se tiču ​​duhovnog i metafizičkog. Mnoge kasnije osobine Tarkovskog, uključujući snimanje toka prirode, mogu se promatrati na putovanju Andreja Rubljova. To je film koji vas snima, razbija i tjera na razmišljanje - kako tijekom filma, tako i dugo nakon što su se krediti zakotrljali.

21. Avantura (1960)

Kako se osjećate zbog neriješene misterije? Ili nedovršena priča? Tražite li zatvaranje očajnički tražeći ga? Ili prihvaćate činjenice i onda idete dalje? Nije li to život? Kompromis i dalje? Film koji je Michelangelu Antonioniju donio priznanje širom svijeta, ‘L’Avventura’, priča je o mladoj ženi koja je nestala, tijekom jahtaškog putovanja preko obale Sicilije. Potraga za njom, okuplja bivšeg ljubavnika i najboljeg prijatelja i započinje uznemirujuća veza. Iako se priča tka oko potrage za nestalom ženom, istinska svrha joj je stvoriti naraciju, a da se ne usredotoči na glavni događaj i još uvijek uspije zadiviti publiku. Pravi motivi središnjih likova nikada nisu u potpunosti objašnjeni, a kako film završava, gledatelj je prisiljen prihvatiti da neki događaji ostaju neobjašnjivi, baš kao što to čini život. Neupitno remek-djelo!

20. Bez daha (1960.)

Mnogo prije nego što se Quentin Tarantino probio na američku indie scenu svojim divljim maverickim pristupom snimanju filmova koji je povećao fokus stila na suštinu, bio je taj čovjek po imenu Jean Luc-Godard koji je neustrašivo prihvatio tradicionalne kinematografske gramatike i nepromišljeno ih slomio. dolje, redefinirajući i oblikujući filmove onako kako ih danas gledamo s filmom pod nazivom 'Bez daha'. Možda niti jedan drugi film nije uspio uhvatiti prolazno ludilo mladosti na način na koji to čini 'Bez daha' svojom nepromišljenom energijom i opojnom vibracijom. Otkačena upotreba preskočenih presjeka uzbuđuje inherentnu ludost premise dok vas Godard žestoko udaljava laktima od svojih likova, tražeći da se usredotočite na fragmentirane aspekte radnje, umjesto na priču u cjelini. 'Bez daha' jedan je od najvažnijih filmskih prvijenaca u povijesti kina i iako nastavlja polarizirati cinefile i kritičare, ne može se poreći utjecaj koji on ima na suvremenu kinematografiju.

19. Sedam samuraja (1958)

Akira Kurosawa jedna je od najoriginalnijih, najutjecajnijih i najcjenjenijih redateljica koja je ikad živjela. Roger Ebert jednom je rekao za Kurosawu 'Moglo bi se tvrditi da je ovaj najveći redatelj zaposlio akcijske junake u sljedećih pedeset godina' i nije mogao biti istinitiji. Sergej Leoneov 'Šaka dolara', za koji se navodi da je iznjedrio žanr špageti vesterna, inspiriran je Kurosavinim 'Yojmbo'. I naš trenutni unos tehnički je i kreativni sliv i nadahnuo je nebrojena izravna prepričavanja, kao i mnogi vizualni elementi u modernoj kinematografiji . Epska drama bilježi priču o sedam ronin (samuraji bez gospodara) koji podižu oružje da brane siromašnu civilizaciju kojoj više nije mjesto od napada na razbojnike u Japanu iz 16. stoljeća, što kulminira u žestokoj klimatskoj bitci. No, briljantnost filma 'Sedam samuraja' leži u činjenici da priča mnoštvo dobro osmišljenih priča u rasponu od žanra do glavne drame. U cijelom su filmu prisutni elementi akcije, avanture, romantike i punoljetnosti. Sastoji se i od likova bogato razvijenih poput rijetkog odreska, koji će kasnije postati osnovni elementi više žanrova. Uistinu inspirativno umjetničko djelo.

18. Drvo života (2010)

'Drvo života' najviši je oblik kina: jednostavno ne priča priču, već ima za cilj promijeniti vaš život. To je film kojem će trebati vremena da naraste na vas, a kad se dogodi, teško ćete ne razmišljati o njemu. Filmska pjesma izvanrednog opsega i ambicije, 'Drvo života' ne traži samo od svoje publike da promatra, već i odražava i osjeća. Najjednostavnije, to je priča o putovanju pronalaženja sebe. U svom najsloženijem obliku, to je meditacija o ljudskom životu i našem mjestu u velikoj shemi stvari. Nije važno u koju vjeru vjerujete ili vjerujete li uopće u viši entitet. Pravi osjećaj čuđenja u filmu proizlazi iz čarolije koja sam život jest. Najljepši aspekt filma je taj što s vremenom postaje sve bolji, poput finog vina.

17. Izbliza (1990)

Pokojni veliki iranski autor Abbas Kiarostami često je vidio ljepotu i poeziju u najapsurdnijim svjetovnim epizodama ljudskih života. Lažljivim jednostavnim zapletima i naturalističkim postavkama, Kiarostami je istraživao univerzalne teme koje su neprimjetno nadilazile kulturne barijere zbog ljudskosti u koju je njegovo kino bilo urođeno. 'Close Close' vjerojatno je njegovo najuspješnije djelo i jedno od najoriginalnijih, inventivnih djela ikada proizvedene kinematografske umjetnosti. Film je u obliku dokumentarne fantastike kako bi zabilježio suđenje u stvarnom životu čovjeka koji se predstavljao za iranskog filmskog redatelja Mohsena Makhmalbafa. Glumačka postava uključuje ljude koji su zapravo bili uključeni u suđenje, igrajući sebe u filmu. 'Close Close' zapanjujuće je istraživanje ljudskog identiteta viđeno očima običnog čovjeka koji se bori suočiti se sa sobom i svojim životom i iz očajne tuge i iskrene ljubavi prema kinematografskoj umjetnosti stupa u cipele svog idola da znati kakav je osjećaj biti istinski živ, diviti se i poštovati. Ovo je filmsko stvaralaštvo najvišeg reda.

16. Jeanne Dielman, 23, Quai Du Commerce, 1080 Bruxelles (1975)

Ova francuska avangardna igrana uloga s Delphine Seyrig u glavnoj ulozi nije puko kinematografsko iskustvo. Bliže je vježbi - testu i utječe na vas na način na koji je malo koji drugi film radio prije ili poslije. Nezavisni se članak fokusira na tri dana u životu usamljene, problematične kućanice, dok prolazi kroz svoj strogi raspored ispunjen svakodnevnim kućanskim poslovima. Majka je i udovica koja u večernjim satima obavlja seksualne poslove za gospodu kako bi zaradila za život. Problemi nastaju kada je drugog dana njezina rutina malo poremećena, što dovodi do svojevrsnog domino efekta koji se odražava u satima nakon njega. Jeanne Dielman uvlači ga u svoj polagani i meditativni svijet s Akermanovim prepoznatljivim redateljskim potpisom, koji uključuje diegetičku atmosferu i hipnotičku auru koju donosi smirena, suptilna i strpljiva osobnost majstorskog djela, što je bolna proslava monotonosti postojanja.

15. Rašomon (1950)

Jedan od najnekonvencionalnijih i najeksperimentalnijih filmskih djela za svoje vrijeme, 'Rashomon' promatra majstora na poslu, izlazeći sa svojim vještinama pripovijedanja. Pojednostavljeno, riječ je o incidentu koji se dogodio kroz četiri različita gledišta, optuženog, žrtava i onih koji tvrde da su očevici. Ističe se na svim tehničkim osnovama gotovo besprijekornom montažom i majstorskom režijom, ali film osigurava pobjedu na tematskim pitanjima kojima se bavi; pitanja o postojanju apsolutne istine. Je li istina zaista toliko objektivna i nepravedna kakva se čini, ili je s njom povezana neka subjektivnost? Obično je objektivan, ili se barem smatra da je takav, naoko da nema drugih njegovih verzija. Ovaj ga film propituje na način da sam gledatelj bude ogorčen pitanjima, a često komentira i kako ljudi ponekad nisu potpuno iskreni ni prema sebi. Tematski je složen koliko god postaje, a naizgled jednostavan koliko želite.

14. Stalker (1979)

Držeći podalje svoje manje potomke, među kojima je i izuzetno uspješna televizijska serija 'Westworld', kolosalni utjecaj 'Stalkera' na vizualno pripovijedanje ne može se precijeniti. Ideje - filozofske, duhovne i znanstvene - kao i njihovo spretno, slavno kinematografsko istraživanje u 'Stalkeru' pronašle su svoje dojmove na mnogim znanstvenim fantastikama koje će uslijediti nakon njih. Nisu toliko to klizanje, induciranje transa i na točkama, apstraktni tempo ili uzbudljiva upotreba monokromatske sepije izvan 'Zone' i impresionirajuće boje lokacija u Estoniji, što se odražava u radu filmaša poput Terrence Malick i Lav Diaz, da spomenemo samo neke, ali postojano strpljenje i poniznost. Uvelike predajući filozofsku vladavinu publici, Tarkovsky ostavlja gledateljima toliko prostora da sami otkriju višestruke metafizičke aspekte filma, da se čak i njegova doslovna i vizualna poezija bez premca čini plodom naše izmišljotine kao i njegove i njegovi suradnici '. Pa ipak, film ostaje podalje, vodeći nas u nesagledive misterije uma i srca, a mi ih nikad ne razotkrijemo, jer izravan put nikada nije pravi.

13. Fanny i Alexander (1982)

Gotovo 35 godina nakon početnog izdanja, posljednja Bergmanova redateljska značajka jednako je fascinantna za seciranje kao i za kritičare širom svijeta u to vrijeme koji su se činili s mukom da osiguraju da se čuju njihova mišljenja o njoj. Ta su mišljenja bila mnogo podijeljenija nego danas, ali čini se da je mjesto filma u Bergmanovoj filmografiji i dalje teško definirati. Tonom, strukturom i veličinom je za razliku od svega što je Bergman do tada učinio. Ali to je također nesumnjivo spajanje svih njegovih tematskih i vizualnih instinkta ukrštenih u ovom životinjski potvrđenom tapiseriju jedne obitelji početkom 19. stoljeća u Švedskoj. Čini se da njegova slikovita bujnost usmjerava svu vašu pažnju na prvo gledanje svojim duboko upečatljivim varijacijama crvenih, zelenih i blagih, toplih žutih koje čine tako opojnu paletu boja da njezina odsutnost - kad je sve prekriveno bijelim, crnim i oštrim plavim bojama - čini se kaznenim. Bergmanove pomno izrađene kronike zrače zanosom obiteljskog piknika i posjeduju poznavanje ljudskih veza koje desetljećima drže istinska, krhka naklonost. U ovom velikodušno izvedenom životu, rođenje i smrt su slučajni. U malom svijetu ove likove, kao i većina nas, nastanjuju, obodne radosti su sve čemu se čovjek može nadati i one su im dovoljne, kao što bi trebale biti i za nas. Je li sve to iluzija? Gledajući kako ovaj gigantski ansambl čini takva čudesa, netko bi mogao pomisliti. Ako jest, vjerujte mi, ne želite da se to razbije.

12. Apokalipsa sada (1979)

Postoje ratni filmovi koji prikazuju zamršenost ratovanja (poput 'Neprijatelj pred vratima'), neki drugi koji prigovaraju i gnušaju njegov pojam (poput 'Pijanist'), a tu je i drska 'Apokalipsa sada', koja nudi mišljenje ili zaključak, ali umjesto toga daje goli grafički prikaz strahota rata, dok veliča vojnike koji u njemu sudjeluju. Do danas traje rasprava je li „Apokalipsa sada“ proratna ili antiratna. Volite to ili mrzite; sigurna je stvar da ćete se toga sjetiti. Jedna od najproblematičnijih produkcija u povijesti Hollywooda, posljednji rez scenarista i redatelja Francisa Ford Coppole završio je svojim tehnički najbriljantnijim djelom. Gola je premisa jednostavna - kapetan Willard mora 'završiti s krajnjim predrasudama' pukovnik Kurtz koji je ušao na neprijateljsko područje i nestao. Ali to je Willardovo iscrpljujuće putovanje po vijetnamskim mučnim bojnim poljima (povišeno kinematografijom koja oduzima dah od Vittorio Storaro) ono što ostaje urezano u umove daleko nakon što se krediti zavrte. Sadrže jednu nezaboravnu scenu za drugom i definitivne izvedbe Martina Sheena u ulozi Willarda, Marlona Branda u ulozi Kurtza i Roberta Duvalla u ulozi 'zaljubljenika u napalme' potpukovnika Kilgorea, 'Apocalypse Now' kako je Coppola s pravom izjavio 'nije o Vijetnamu. To je Vijetnam ”.

11. 400 udaraca (1959.)

‘400 udaraca’ Françoisa Truffauta istinsko je umjetničko djelo koje proizlazi iz stvarne boli. Doista iskren i duboko osoban rad, Truffaut je film posvetio svom duhovnom ocu i međunarodno priznatom teoretičaru filma Andréu Bazinu. Izrazito autobiografske naravi, Truffautovo vlastito djetinjstvo bilo je problematično, a to se vrlo jasno odražava u filmu. Izvana, film govori o maloljetničkoj i adolescentnoj delinkvenciji koja je često pokrenuta društvenom i roditeljskom zapuštenošću. Pogledajte malo dublje i naći ćete film o nadi; nada koja je istovremeno intenzivna i terapijska. Antoine Doinel, glavni junak, na neki je način oštar prikaz samog društva, društva koje vlastite neuspjehe skriva iza pravila, kazni i presuda. Film teče poput rijeke i vodi publiku na putovanje nade, očaja, empatije i čak pukog bijesa. Ako ste ikada poželjeli vidjeti kako izgleda remek-djelo, ne tražite dalje od '400 udaraca'.

10. Mulholland Drive (2001.)

David Lynch nije filmaš. Čovjek je sanjar. A 'Mulholland Drive' najveći je san koji je sanjao. San koji obuhvaća svaku emociju koja obuhvaća ljudsko postojanje. Teško je objasniti ili opisati film poput 'Mulholland Drive', jer ovo je film o iskustvu i onome što iz njega uzimate, a ne zaplet vođen konvencionalnim narativom koji vas hrani odgovorima s kojima biste mogli sretno ponijeti kući. Lynch je često izjavio da se njegova vizija filma u osnovi temelji na brojnim idejama i osjećajima. I ovo postaje vrata za razumijevanje filma tako složenog i slojevitog kao što je 'Mulholland Drive'. To je labirint snova, ambicija, želja i noćnih mora. Lynch zna što nas najviše užasava i što nas tjera na čisto ludilo. I upravo taj uznemirujuće intimni odraz ljudske podsvijesti čini 'Mulholland Drive' tako duboko mučnim umjetničkim djelom. Onaj koji vas obuzme osjećajem topline i nježnosti prije nego što vam presiječe lubanju.

9. Kradljivci bicikala (1948)

'Jednostavnost je krajnja sofisticiranost' - Leonardo Da Vinci. Jedan od najtežih zadataka u stvaranju filmova je shvatiti kada završiti film. Završetak u Biciklističkim lopovima tako je tonski sinkroniziran s početkom, jer počinjemo od Antonija, svakodnevnog čovjeka koji izlazi iz gomile do Antonija, svakodnevnog čovjeka, koji se rasipa u mnoštvu. Život u poslijeratnom Rimu pretvorio se svakodnevno u borbu i jedva je bilo nekoga tko je izišao iz te močvare bijede. Rijetki su filmovi koji pružaju introspekciju duboku poput Biciklisti. To je film koji će vam srce slomiti na komade, a opet će vas nadahnuti da živite punim plućima. Rijetko kada je film tako jednostavan po svojoj premisi, tako sjajno učinkovit u svojoj poruci. Gotovo je nemoguće zaboraviti film nakon što ga pogledate. Iako je najveće postignuće filma u tome koliko je neovisnih filmaša nadahnuo, koji do danas kao inspiraciju navode 'Kradljivce bicikala'.

8. Tokioska priča (1953)

'Tokio priča' je ono čemu teži svaki filmaš koji želi ispričati suvislu priču. Očito, svi oni propadaju! Ne postoji bolji primjer filma koji prikazuje epsku priču na tako jednostavan, ali majstorski, učinkovit i nezaboravan način. 'Tokio Story', Yasujiro Ozu postigao je nešto što je san svakog živog filmaša: zauvijek boraviti u publici u srcu i umu. Svatko tko je vidio 'Tokio Story' znat će o čemu pričam. Film govori o ostarjelom, tradicionalnom japanskom paru koji posjećuje svoju djecu u Tokiju samo da bi došao do surove spoznaje da su njihova djeca prezauzeta svojim životom da bi se brinula o njima i da su se od njih kulturno i emocionalno jako udaljila . Ono što je u filmu tako sjajno je njegova univerzalna tema s kojom se bilo tko i bilo gdje može povezati. Ozuov stil filmskog stvaranja također osigurava da budete zadubljeni u priču koja nudi dubok uvid u promjenu ljudske psihe s vremenima koja se mijenjaju. Jednostavno sjajno!

7. U raspoloženju za ljubav (2000)

'In the Mood For Love' jednostavno je najveća ljubavna priča ikad snimljena na filmu. Razdoblje. To je tako lako mogla biti predstava ili čak poezija. Lijepim, zadivljujućim slikama i izvrsnom glazbom koja probija dušu, 'In The Mood For Love' priča složenu priču o dvije jednostavne osobe. Dvije osobe koje prolaze kroz strah i mamac zaljubljivanja; i jednom zaljubljeni, puka bol ostavljajući ga nepotpunim. 'U raspoloženju za ljubav' prikazuje ljubav u njenom najranjivijem obliku. I pritom otkriva vlastite ranjivosti i koliko smo bespomoćni pred ljubavlju. Rijetko koji film tako podcijenjen i tako rezerviran ima takav utjecaj nakon gledanja.

Nisam siguran je li redatelj Wong-Kar-Wai namjeravao snimiti film koji je snimio, s obzirom na to da je film uglavnom snimao bez scenarija. Ako pogledate povijest, najsretnije su umjetničke slike sretne nesreće. Među njih ubrojite 'U raspoloženju za ljubav'.

6. 8 1/2 (1963.)

Broj osam i pol u filmografiji talijanskog maestra, ova vrela, preslatka epopeja maštarija, noćnih mora i previše zamagljene stvarnosti nalik je biskvitima - odlučno apsurdnog oblika i pečena na način koji onemogućava da ga se u potpunosti proždere. jedan potez. Njegova zastrašujuća, nemirna kamera komplimentira Fellinijevu svjesnu viziju filmaša koji pokušava usmjeriti mnoštvo promjenjivih iskustava koja je doživio tijekom svog života u svom novom filmu. Poluautobiografski, '8 1/2' povjetarac prolazi uz svu njegovu zanosnu složenost netaknut tako radikalnim tempom da sam pokušao dekonstruirati njegove oštroumno sastavljene slike u svrhu pronalaska vlastitog mjesta u Fellinijeva visoka specifičnost, ali nikada nije mogao čvrsto sletjeti na zemlju.

Iskorištavajući zasjenjene gravitacije Marcella Mastroiannija, Fellinijeva puka struja može biti neodoljiva. Držite se svoje percepcije određenog trenutka i prepoznajete njegovo sparovito bogatstvo tek da biste otkrili da je filmaš prešao u drugu lepršavu, dopadljivo staloženu sekvencu. Njegove ideje o umjetnicima i njihovoj zbunjujućoj, smiješnoj opsjednutosti sobom mogu izgledati zastarjelo - ili još gore, nebitno - ali odvažnost njihove konstrukcije i izražavanja nikada se na nama ne gubi. To nas očara i zavede, nikad nam ne dopuštajući skinuti pogled, a zatim nam promakne kroz prste dok sinuje da ga nikada nismo imali u rukama. Fellini se ne razlikuje puno od vidovite Maye u filmu koja kao da zna što svi misle: vještina koju njezin pomoćnik pripisuje telepatiji. Kad naš glavni junak Guido ispituje asistenta o tome kako to radi, on otvoreno primijeti: „To je dijelom trik, a dijelom stvarnost. Ne znam, ali dogodi se. ' Nijedna riječ ne može biti prikladnija za opis filma.

5. Osoba (1966)

Mislim da je sigurno reći da je ‘Persona’ sama razbila kino. Budući da je na površini horor film, klasik Ingmara Bergmana iz 1966. više je studija individualnog identiteta nego bilo što drugo. Koristeći inovativne tehnike montaže, oštre kutove kamere, hladne izraze, impresivne dijaloge i sjajnu režiju, ovaj film na što savršeniji dvosmislen način govori priču o poznatoj glumici koja gubi glas i medicinskoj sestri koja se brine o njoj u osamljenom domu, gdje se njihove osobenosti polako počinju međusobno spajati. Budući da je redateljev naj 'kinematografski' pothvat, 'Persona' osigurava da izvrne svako uobičajeno pravilo stvaranja filma kako bi pokušala donijeti svježe i najzanimljivije iskustvo. Uz neke od najvećih glumačkih ikada postavljenih na celuloidu, atmosfera filma pomaže nam da cijenimo pitanja koja imamo o njemu pametnim preusmjeravanjem fokusa na zanat koji se stavlja u igru. Jednostavno ne postoji ništa poput 'Persone', a to bi itekako moglo biti činjenica.

4. Kum (1972)

Moguće, najutjecajniji film ikad snimljen. Jedna od najrjeđih adaptacija koja je zapravo bolja od izvornog materijala - u tom slučaju istoimeni roman Maria Puza - film je izdržao tijekom vijeka i klasik je u pravom smislu riječi koji sa svakim danom postaje sve bolji gledanje. Film bilježi mafijašku obitelj pod vodstvom Don Vita Corleonea i usredotočuje se na prijelaz njegova sina dok preuzima obiteljsku tvrtku nakon patrijarhove smrti. Bez sumnje, izvedbe su jedna od glavnih snaga ovog filma, a velikani, uključujući Marlona Branda kao Vita Corleonea i Al Pacina kao Michaela Corleonea, svojim su izvedbama redefinirali glumačke standarde. Sve ostalo, posebno scenarij i kinematografija i partitura za podešavanje raspoloženja, očekivano su A-stopom i žanrovski definiraju. S pravom, ne postoji cinefil koji nije vidio ovo remek-djelo filma. To je oltar kamo idemo moliti se.

3. Građanin Kane (1941.)

Sveti gral američke kinematografije. 'Građanin Kane' definirao je gotovo svaki aspekt koji obuhvaća kinematografsku umjetnost. Film koji je prekršio bezbrojne konvencije stvaranja filma samo da bi stvorio nove. Upravo od svojih revolucionarnih tehničkih detalja, uključujući osvjetljenje, zvuk i vizualne predmete, do svog izuzetno inovativnog stila pripovijedanja, 'Citizen Kane' promijenio je način snimanja filmova. Film je duboko duboka studija karaktera koja poprima oblik misteriozne drame otkrivajući istine života zagonetnog izdavačkog tajkuna čija je posljednja riječ pobudila zanimanje novinara. Kreće na putovanje, istražujući ljudsko biće koje je nekoć započelo svoj život sa sirovim ambicijama i željama, ali će uskoro podleći zavodljivoj moći pohlepe i autoriteta. 'Građanin Kane' neizmjerno je moćno umjetničko djelo koje se prostire u istraživanju dubokih tema i bilježi beskrajno složene emocionalne aspekte živog života kao čovjeka.

2. Ogledalo (1975)

Može li umjetnost biti toliko osobna da je čovjek ne bi mogao razlikovati od svog stvaratelja? Ovo je pitanje koje me pogodilo kad sam prvi put vidio ‘Ogledalo’ Andreja Tarkovskog. Ovo je umjetničko djelo u kojem se umjetnik u potpunosti predaje svom djelu koje ne uspijevate razlikovati između njega i djela koje on radi. Gotovo kao da je Tarkovsky udahnuo cijeli film. Auteri su napravili svoja remek-djela, mijenjajući i oblikujući kino onako kako ga danas vidimo, ali Tarkovski je napravio korak dalje od toga i postigao nedostižno; dajući život svojoj umjetnosti. 'Ogledalo' samo diše kino. Mogli ste vidjeti Tarkovskog, njegovu obitelj, kulturu u kojoj je odrastao. Ustvari, mogli biste se vidjeti u njoj, svoju majku i postoji osjećaj Deje Vu koji vam pada na pamet, gledajući ova mjesta. Gotovo kao da ste bili tamo, možda u životu ili u snu negdje izgubljenom. A za umjetnika da izradi nešto tako osobno i intimno, nešto je uistinu izvan riječi. To je film koji potkrepljuje ono što smo oduvijek znali: kino je najveći oblik umjetnosti.

1. 2001: Svemirska odiseja (1967)

Kao i svaki drugi unos na ovom popisu, i '2001.' je lekcija u filmskom stvaralaštvu. Nekoliko filmaša, uključujući poput Christophera Nolana i Denisa Villeneuvea, govorilo je o tome kako im je film bio inspiracija. Dakle, da, film je tehničko čudo. Ali nije zato film na vrhu ove liste toliko sjajnih filmova. Sjedi na vrhu, jer je to film koji se usudio otići na mjesto gdje još nijedan film nije išao. Dovraga, nitko nije ni znao da postoji takvo mjesto na koje bi kino moglo ciljati. I ako je ikada kinematografska umjetnost tražila razlog ili dokaz koji potkrepljuje da je svrha njezinog postojanja puno više od puke zabave, onda je to ovdje: krajnje uvjerljiv i krajnje mitski, ‘2001: Odiseja u svemiru’.

Stanley Kubrick je gotovo svim svojim filmovima proširio horizont kinematografije. ‘2001.: Svemirska odiseja’ dao je i novo značenje onome što kino može postići. Većina filmaša koristi kino kao medij za ispričavanje priče. Ali Kubrick je koristio kino da propituje. Što je ispitivao? Sve, od Boga do svrhe našeg postojanja. Iako je ‘2001: Odiseja u svemiru’ sam po sebi vrlo inteligentan znanstveno-fantastični film, to je i mnogo više. Vjerujem da je to film koji je više filozofska potraga za utvrđivanjem postoji li Bog. Razgovarajte o visokom ciljanju!

.